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出版者:中国轻工业出版社

作者:景淑静

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2002-01-01

价格:18.0

装帧:

isbn号码:9787501934225

丛书系列:

图书标签:

• 时装画
• 绘画
• 服装设计
• 艺术
• 时尚
• 绘画技法
• 人体结构
• 素描
• 色彩
• 设计

《时装画》 艺术的裁剪，风格的流转 时装，是流动的艺术，是季节的低语，是文化的脉络，更是个体精神的延伸。而时装画，则是捕捉这瞬息万变的艺术精魂，用线条、色彩、光影和情绪，定格那些令人心动的设计瞬间，赋予它们生命，传递着设计师的巧思与时代的风潮。 本书《时装画》，并非一本简单的技法教程，也不是一本流水账式的品牌史册。它是一场关于“看”与“被看”的视觉对话，一次对时装画作为独立艺术形式的深入探索。我们将穿梭于不同的时代，审视不同的风格，体验不同的创作手法，最终理解时装画如何超越单纯的服装描摹，成为一种独立的、富有表现力的艺术语言。 第一篇：线条的诗篇——时装画的审美基因 从古希腊雕塑中飘逸的衣褶，到中世纪圣像画里严谨的袍服，再到文艺复兴时期肖像画中锦衣华服的细节，人类对服装的视觉呈现从未停止。然而，真正意义上的“时装画”的崛起，则与现代时装工业的诞生紧密相连。19世纪末20世纪初，随着时尚杂志的兴盛，时装画作为一种重要的商业和艺术媒介应运而生。 本书的第一篇，将从“线条”这个最基础的视觉元素出发，解构时装画的审美基因。我们将追溯早期时装插画师们如何用精准而富有表现力的线条，勾勒出服装的廓形、材质的垂坠感、以及人物的姿态。那时的时装画，往往带着一种优雅的写实，通过细腻的笔触，将设计师的匠心独运，一丝不苟地呈现在纸上。每一根线条，都承载着对布料的理解，对结构的处理，以及对人物精神气质的捕捉。 从速写到定稿： 探究时装画从初步构思到最终完成的创作过程，解析线条如何从自由奔放到精雕细琢，成为承载设计理念的骨架。 质感的语言： 观察不同的线条如何表现丝绸的光泽、羊毛的厚重、蕾丝的轻盈，以及皮革的硬挺，体会线条作为“质感语言”的魔力。 姿态的叙事： 剖析人物姿态在时装画中的重要性，解析线条如何通过身体的舒展、手势的微妙，甚至是眼神的传递，赋予服装生命，讲述穿着者与服装之间的故事。 第二篇：色彩的交响——时装画的情感表达 如果说线条是时装画的骨骼，那么色彩便是它的灵魂。色彩不仅仅是颜料的堆砌，更是情感的释放，是情绪的宣言，是时代精神的缩影。从柔和淡雅的马卡龙色系，到浓烈大胆的撞色组合，色彩在时装画中扮演着至关重要的角色，它能够瞬间抓住观者的目光，引导情绪的流动，并最终传递出设计师想要表达的风格与意境。 本书第二篇将深入探讨色彩在时装画中的运用。我们将分析不同色彩搭配所能产生的视觉效果，以及它们如何影响观者对服装的感知。从印象派画家对光影色彩的捕捉，到后印象派对情感色彩的强调，时装画的色彩运用也经历了从模仿自然到独立表达的演变。 色谱的探索： 审视时装画中常见的色彩组合，分析它们如何呼应当季的流行色趋势，又如何在经典色彩中玩出新意。 情感的温度： 探讨色彩如何承载情感，例如，温暖的红色传递热情与活力，冷峻的蓝色营造宁静与沉思，而明亮的黄色则带来阳光与快乐。 材质的对话： 研究色彩如何与材质相互衬托，例如，深沉的色彩能够凸显毛呢的质感，而浅淡的色彩则能衬托雪纺的飘逸，色彩与材质的结合，构成了时装画丰富多样的视觉体验。 光影的魔术： 分析光影在时装画中的作用，光线如何勾勒出服装的立体感，阴影如何增加画面的深度和戏剧性，以及色彩如何在光影的 interplay 中焕发出新的生命。 第三篇：风格的变奏——时装画的时代印记 时装画的发展史，就是一部浓缩的时尚史。不同的时代，不同的文化背景，孕育出风格迥异的时装画。从20世纪初的Art Deco时期，到50年代的优雅风情，再到60年代的波普文化，以及如今多元化的数字时代，每一种风格的变奏，都深刻地烙印在时装画的创作之中。 本书第三篇将带领读者穿越时空的隧道，感受不同时期时装画的风格变奏。我们将聚焦那些代表性的时期和艺术家，解析他们的创作理念和技法特点，理解时装画如何记录并引领着时尚的潮流。 Art Deco的装饰性： 欣赏20世纪初时装画中流畅的曲线、几何图案和奢华的色彩，感受那个时代的摩登与精致。 50年代的女性主义： 探索战后女性独立精神如何在时装画中得到体现，解析那些优雅、自信、充满活力的女性形象。 60年代的叛逆与自由： 感受波普艺术、迷幻摇滚等时代元素如何融入时装画，解析那些大胆、前卫、充满反叛精神的设计。 现代与未来的可能： 探讨数字技术的兴起对时装画创作带来的影响，分析3D建模、数字绘画等新媒介如何拓展时装画的表现力，以及未来时装画可能的发展方向。 第四篇：人物的灵魂——时装画的情感张力 时装画的魅力，不仅在于服装本身的设计，更在于它如何将服装与穿着者融为一体，赋予人物鲜活的生命与情感。一个好的时装画，能够让我们感受到穿着者的喜怒哀乐，理解服装在特定情境下的意义，甚至能够引发我们自身的共鸣。 本书第四篇将深入探究时装画中的“人物”。我们将分析艺术家如何通过人物的表情、姿态、眼神，甚至是指尖的细微动作，来传递服装的情感信息，以及人物的情感状态。 肖像的温度： 剖析时装画如何成为一种特殊的肖像艺术，解析艺术家如何捕捉人物的个性特征，以及服装如何成为人物性格的延伸。 情绪的流淌： 观察画面中人物的情绪表达，无论是自信的微笑，还是沉思的眼神，亦或是略带忧郁的神情，都为服装注入了灵魂。 场景的叙事： 分析人物所处的场景如何与服装产生对话，例如，在华丽的晚宴上，服装彰显着高贵与典雅；而在街头巷尾，服装则体现着自由与个性。 虚拟与现实的交织： 探讨在数字时代，虚拟人物在时装画中的出现，以及它们如何打破物理界限，带来全新的视觉体验。 第五篇：美学的边界——时装画的艺术价值 长久以来，时装画常被视为一种商业插画，服务于品牌和杂志。然而，随着艺术的发展和观念的更新，时装画的艺术价值正逐渐被重新审视和肯定。越来越多的艺术家开始将时装画视为一种独立的艺术形式，并在画廊、展览中展出。 本书的最后一篇，将探讨时装画的艺术价值。我们将分析时装画如何超越单纯的装饰功能，成为一种具有深刻思想性和美学价值的艺术创作。 从商业到艺术： 梳理时装画从商业插画向独立艺术转型的历程，分析艺术家如何突破商业的束缚，进行更具个人风格和艺术探索的创作。 跨界的融合： 观察时装画与其他艺术形式的融合，例如，与摄影、雕塑、装置艺术等，探讨这种跨界带来的创新与启发。 观念的表达： 探究时装画如何不仅仅描绘服装，更能够传达设计师的创作理念，甚至引发对社会、文化、性别等议题的思考。 收藏的价值： 讨论时装画在艺术收藏市场中的地位，以及具有收藏价值的时装画所具备的特质。 《时装画》，不仅是一本书，更是一扇通往时装艺术世界的窗户。它邀您一同用眼睛去“看”，用心灵去“感受”，去领略时装画那深邃的美学内涵，去体会那流淌在线条、色彩、人物中的时代精神与艺术魅力。它将启发您对服装的全新认知，对艺术的深刻理解，以及对自身风格的独特探索。

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这本关于服装设计的书籍简直是打开了一个全新的世界！我原本对这个领域知之甚少，只是抱着好奇心翻开了它，没想到里面的内容如此详尽和引人入胜。它不仅仅是罗列了一些基础的线条和比例，更是深入探讨了如何用画笔捕捉服装的面料质感和动态美感。书中的插图质量高得惊人，无论是飘逸的丝绸、厚重的羊毛，还是硬挺的皮革，都描绘得栩栩如生。作者似乎拥有将二维平面图赋予三维生命力的魔力。我特别喜欢其中关于人体结构与服装相结合的章节，它解释了不同剪裁如何影响穿着者的身形，这一点对于我这种初学者来说，简直是醍醐灌顶。更不用说那些充满创意的设计流程解析，手稿到最终成品的每一步都讲解得清晰透彻，让我深刻体会到一件高级定制服装背后所蕴含的匠心独运。这本书的排版也十分考究，配色典雅，阅读起来非常舒适，完全没有传统教科书那种枯燥乏味的感觉。它更像是一本充满灵感的艺术画册，时刻激发着我想拿起铅笔去尝试的热情。看完这本书，我感觉自己对美有了更深层次的理解，不再只是停留在表面的“好看”，而是开始探究“为什么好看”的内在逻辑和技术支撑。

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老实说，我买这本书的时候是抱着一种试试看的态度，毕竟市面上这类专业书籍汗牛充栋，真正能让人眼前一亮的并不多。但这本书，绝对是其中的佼佼者。它的叙事方式非常独特，没有采用那种居高临下的说教口吻，反而更像是一位经验丰富的导师在与你进行一次深入的、手把手的交流。它没有过多地堆砌复杂的术语，而是用非常直观的方式，拆解了高级时装中那些看似难以捉摸的“设计语言”。比如，书中对褶皱的处理，它不只是教你画褶子，而是分析了不同材料在受力后褶皱的自然走向和光影变化，这一点细致入微的观察力，让我对自己以往的习作产生了强烈的反思。我发现自己过去画的衣服总是“僵硬”的，缺乏生命力，而这本书提供的视角，让我开始关注服装与身体之间的“呼吸感”。此外，书中对色彩搭配和情绪表达的探讨也十分深刻，它告诉我，颜色不只是视觉上的区分，更是情感的载体，如何通过饱和度和明度的细微调整来烘托出设计师想要传达的心境。这本书不仅是技能手册，更是一本关于“如何思考设计”的哲学指南。

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我必须承认，这本书的深度超出了我的预期。我本来以为它会侧重于基础的制图技巧，毕竟这是工具书嘛。结果，它花了不少篇幅去探讨时装史中的几个关键转折点，以及这些历史事件是如何反哺到当代的服装廓形和细节设计上的。这种跨学科的视角，让我对“时装”的理解从一个纯粹的技艺层面，上升到了文化符号和时代精神的载体。作者对不同年代的标志性设计师作品进行了解构分析，拆解了那些经典设计之所以成为经典的深层原因——是面料的革命？是社会风气的转变？还是女性地位的提升？这些分析既有学术的严谨性，又不失故事的趣味性。我尤其欣赏作者在介绍“解构主义”设计时所用的论述方式，没有简单地模仿其表象，而是深入挖掘了其背后的反叛精神和对传统束缚的挣脱。读完这些内容，再去看那些前卫的T台作品，我不再感到困惑，而是能迅速捕捉到设计师试图挑战和颠覆的传统规范在哪里。这本书极大地拓宽了我的视野，让我意识到，画好时装，首先要读懂时代。

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这本书的实用价值简直无懈可击，简直是为我这种常年被“形似而神不似”困扰的业余爱好者量身定制的救星。它的内容组织逻辑非常清晰，从最基础的透视原理入手，逐步过渡到复杂的服装结构分析，每一步都有大量的对照图例和“错误示范与纠正”的环节，这一点做得太棒了！很多教程书籍只会展示完美的结果，却很少有人愿意展示从错误中学习的过程。这本书大胆地展示了“失败的可能性”，并教会我们如何识别和修正这些错误，这对于建立自信和培养独立解决问题的能力至关重要。举例来说，书中关于“动态线”的讲解，它不是简单地告诉你如何画动感，而是通过模拟行走、转身、坐下的瞬间，告诉你肌肉和布料是如何相互作用的，这个物理学的视角非常新颖。我尝试用它提供的方法来重绘我之前画的一组动态草图，效果立竿见影，人物仿佛真的动了起来。这本书真正做到了“授人以渔”，让我不再是机械地复制书上的图案，而是学会了如何用自己的观察力去构建服装的立体感和运动感。

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我不得不说，这本书的选材和呈现方式带着一种难以言喻的“高级感”，它并非那种市面上常见、为了迎合大众审美而过度简化或美化的入门指南。相反，它敢于触及一些非常尖锐和需要深入思考的设计课题。比如，关于“可持续时尚”在视觉表达上的挑战，以及如何通过极简的线条去传达复杂的环保理念，这部分内容非常具有前瞻性。作者似乎在引导读者去思考，未来的时装图稿应该如何适应数字化的展示需求，以及如何利用新的媒介技术来增强视觉冲击力，而不是固守传统的纸笔表达。书中对“非传统材料”在画稿中的表现技巧也有独到的见解，比如如何用笔触模拟出金属的冰冷光泽或生物材料的有机纹理，这需要极高的观察力和表现力，而作者提供了非常实用的转换策略。这本书的文字功底也十分扎实，行文流畅且富有感染力，读起来完全没有“翻译腔”或生硬的学术腔调。它让我感觉自己不仅仅是在学习绘画技巧，更是在参与一场关于未来时尚的深度对话。

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