外国代表性舞教程V pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:音像制品

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页数:0

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出版时间:1900-01-01

价格:19.0

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isbn号码:9786399375004

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• 舞蹈教学
• 芭蕾舞
• 现代舞
• 民族舞
• 即兴舞
• 舞蹈技巧
• 舞蹈编排
• 舞蹈历史
• 舞蹈文化
• 舞蹈教材

《外国代表性舞教程V：探索现代与古典的融合》 本书将带您踏上一段别开生面的舞蹈探索之旅，聚焦于当代西方舞蹈语汇中那些最具代表性、最具创新性的流派与技巧。我们不仅仅是传授动作，更是致力于揭示不同舞种背后的文化底蕴、历史演变以及在当代语境下的发展脉络。 第一部分：古典芭蕾的现代新生 我们将从古典芭蕾的根基讲起，但重点不在于枯燥的解剖学和基础体态，而是探讨如何在现代编舞中赋予古典元素新的生命力。您将学习如何将传统的跳跃、旋转、以及优美的身体线条与更具实验性和情感表达的肢体语言相结合。我们会深入分析那些挑战传统芭蕾框架的代表性作品，例如20世纪后半叶的现代芭蕾大师们是如何解构与重塑经典，以及当代编舞家们如何运用芭蕾的技术语汇来表达更为复杂的现代主题。本部分将包含对一些关键技巧的详细分解，如更富表现力的手臂运用、更具流动性的重心转移，以及如何通过微小的动作细节来传达细腻的情感。我们将通过分析不同编舞家的作品，让您理解如何在保持古典芭蕾优雅与技术性的同时，注入现代舞蹈的自由与个性。 第二部分：现代舞的多元维度 现代舞并非单一的风格，而是包含着丰富多样的分支。本教程将为您梳理现代舞发展至今的重要流派，例如： 莱曼技巧（Limon Technique）： 深入剖析其核心理念——“坠落与恢复”（fall and recovery），以及如何利用重力与呼吸来创造强大的动态与张力。我们将关注其如何强调身体的自然律动与情感的真实表达，以及在舞蹈编排中如何构建情感叙事。 格莱姆技巧（Graham Technique）： 探究其标志性的“收缩与释放”（contraction and release）原则，以及如何通过身体的收紧与舒展来传递原始的力量与情感。您将了解格莱姆舞蹈如何关注人性中的冲突与挣扎，以及其在舞蹈语汇上的独特性。 默斯·坎宁汉（Merce Cunningham）的舞蹈哲学： 探讨其“随机性”（chance）与“舞蹈的舞蹈性”（dance for dance's sake）的理念。我们将分析如何通过非叙事性的编舞方式，将动作本身的美学与肢体关系的探索推向极致，以及如何利用与音乐、舞美设计的独立性来创造全新的观看体验。 后现代舞的解构与重塑： 审视后现代舞如何打破舞台的界限，模糊舞蹈与生活的界限，以及对传统舞蹈形式的颠覆。您将接触到如何运用日常动作、即兴创作以及跨媒介的合作来探索新的可能性。 在本部分，我们将不仅仅是介绍这些技巧，更重要的是引导您理解它们各自的哲学基础，并鼓励您在实践中找到属于自己的表达方式。我们将通过分析不同时期代表性现代舞作品，展示这些技巧是如何被艺术家们灵活运用，以适应不同主题和情感的表达。 第三部分：当代舞的融合与创新 当代舞是当前舞蹈界最活跃、最具包容性的领域，它以前所未有的开放姿态，融合了古典芭蕾、现代舞的各种技巧，并吸收了街舞、戏剧、视觉艺术等多种元素。本部分将重点探讨： 技巧的跨界融合： 分析当代编舞家如何巧妙地将芭蕾的优雅、现代舞的张力以及街舞的律动融为一体，创造出独具风格的动作语汇。我们将深入研究那些在融合技巧中表现突出的艺术家及其作品。 叙事与非叙事： 探讨当代舞在叙事方式上的多样性，从直接的情感表达，到抽象的意象构建，再到对社会议题的深刻反思。您将了解如何通过肢体语言来传达复杂的情感和思想，即使没有明确的故事线。 与科技、媒体的互动： 审视当代舞蹈如何与投影、影像、虚拟现实等新技术相结合，拓展表演的空间与可能性，创造沉浸式的观演体验。 社会议题的舞蹈表达： 关注当代舞如何成为一种强有力的工具，用于探讨性别、身份、政治、环境等重要的社会议题。我们将分析那些富有社会责任感的舞蹈作品，以及它们如何引发观众的思考与共鸣。 学习方法与实践指导 本书的编写理念是理论与实践并重。每一章节都将提供详细的动作分解、练习示范，并配以高质量的插图或二维码链接至教学视频，帮助学习者直观理解。我们鼓励学习者在掌握基本技巧的同时，积极进行创作与即兴练习，培养自身的舞蹈感知能力和创新意识。 《外国代表性舞教程V》不仅仅是一本教材，更是一扇通往当代西方舞蹈世界的大门。无论您是初学者，还是有一定基础的舞者，亦或是对舞蹈编排感兴趣的创作者，都能从中获得启发，拓宽视野，并在您的舞蹈道路上迈出更坚实的步伐。让我们一起，用身体去感知、去表达、去创造，拥抱舞蹈的无限可能。

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这本书的语言风格，简直就是对传统教程的彻底“反叛”。它读起来不像一本教科书，更像是一部由一位沉浸多年的老艺术家写下的、充满个人情感色彩的游记。作者的叙述充满了强烈的个人色彩和主观判断，毫不掩饰他对某些流派的偏爱，也毫不留情地批判那些他认为已经失去灵魂的“僵化模仿”。这种“不吐不快”的表达方式，有时候会让人感到一丝“冒犯”，但正是这种真诚和激情，让阅读体验变得极其引人入胜。我仿佛能听到作者在耳边低语，分享他多年舞台生涯中那些不为人知的辛酸和顿悟。例如，在描述某个高难度技巧的克服过程时，他着重刻画的不是肌肉的酸痛，而是内心恐惧的挣扎与战胜，这种对内在世界的捕捉，是很多技术手册中缺失的“人性温度”。当然，这也意味着，如果你是那种需要绝对客观、冷静指导的初学者，可能会感到有些无所适从，因为书中的指引更多是关于“心法”而非“招式”。它需要读者带着一种开放的心态，去接纳一位大师不加修饰的、热烈的“教诲”。

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这本书的结构非常独特，它不是按照地域或时间线索来展开的，而是围绕着几个核心的“动作母题”进行辐射性的探讨。例如，一个简单的“旋转”动作，在不同的文化语境下是如何被诠释和演变的，书中进行了跨越大洲、跨越世纪的对比分析。这种主题式的编排，极大地提升了阅读的趣味性和连贯性，让不同风格之间的联系变得清晰可见。我曾试图从这本书中寻找关于某个特定舞种的完整“入门指南”，但很遗憾，它并不提供这种线性的、可复制的教学路径。相反，它更像是一份邀请函，邀请你加入一场关于人类肢体表达可能性的宏大辩论。书中对“身体的记忆”和“集体潜意识”在舞蹈传承中的作用的论述，让我对舞蹈的本质产生了深刻的反思：我们跳的究竟是技巧，还是祖先遗留下来的某种无意识的表达冲动？对于那些已经有一定基础，渴望从技术层面跳跃到哲学层面的舞者而言，这本书提供了一个至关重要的跳板，让你能够跳出“学派”的桎梏，站在更高的维度审视自己的艺术追求。

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初次翻开这本大部头时，我抱有的期待是能找到一本可以随时翻阅、快速解决特定动作难题的工具书。然而，事实证明，这本书的野心远不止于此。它更像是一部人类肢体语言的“百科全书式”的田野调查报告。作者的行文风格极其严谨，充满了社会人类学的视角，每一个舞种的介绍都建立在一个扎实的文化根基之上。我尤其欣赏它在“仪式性”和“表演性”之间的辨析，这种细致入微的区分，让原本模糊的界限变得清晰可见。书中引用了大量的历史文献和口述记录，甚至包括一些未被主流舞蹈史记录的小众流派，这显示了作者在资料搜集上的巨大投入。虽然篇幅宏大，但排版却出人意料地清晰，大量的脚注和参考资料将读者引向更广阔的研究领域。对于那些追求学术深度和文化背景探究的舞者或学者来说，这本书无疑是一座宝库。它教会我的不是如何跳得“标准”，而是理解为何要那样“存在”于舞台之上。它提供的知识密度极高，读完一章，我常常需要停下来，在脑海中构建一个完整的知识网络，才能消化吸收其中的信息量。

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这部书，坦白说，让我对“教程”这个词有了全新的认识。它摒弃了那种枯燥乏味、一步一步照本宣科的传统教学模式，转而采用了一种更像是艺术鉴赏和文化探索的叙事方式。我原本以为会看到大量的技术分解图和精准的力度标记，但它给我的却是对舞蹈精神内核的深刻剖析。比如，在探讨某种特定舞蹈风格时，作者并没有过多纠结于基础的脚位，而是花了大量的篇幅去描绘那种舞蹈在特定历史背景下所承载的情感重量和民族精神。书中对音乐与肢体的互动关系的阐述尤其精彩，它不是简单地告诉你“听到鼓点就抬腿”，而是深入剖析了旋律起伏如何影响身体的重心转移和能量释放，仿佛在引导读者去“听”到舞蹈的呼吸。我记得其中一章关于“空间运用”的论述，完全颠覆了我对舞台空间的理解，作者用非常富有诗意的语言描述了舞者如何在舞台上“雕刻”空气，那种意境上的营造，远比单纯的空间走位讲解要来得震撼。读完后，我感觉自己更像是一个初次踏入博物馆，面对一件件珍贵艺术品的参观者，而非一个正在学习技能的学生。这种高度的抽象和哲学思辨，让阅读过程充满了惊喜和挑战，它迫使你不仅要用身体去理解，更要用心灵去感受。

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从装帧设计和版式布局来看，这本书走的是一种极为克制和内敛的极简主义路线。全书大量使用留白，几乎没有花哨的配图，这使得阅读的重点完全聚焦在文字本身。这种设计哲学似乎在无声地强调：舞蹈的精髓，无法被廉价的图像所捕获，它必须在读者的想象空间中被构建。其中关于“节奏的层次感”的章节尤其值得称道，作者没有使用传统的节拍图示，而是通过比喻和类比，将复杂的复合节拍分解为可感知的自然现象——例如潮汐、呼吸的起伏，甚至是树叶的飘落。这种感官的转换训练，极大地拓展了我们对“听觉”在舞蹈中作用的理解。它教会我如何去聆听沉默，如何在静止中感知律动。我尝试将书中的一些理论应用到自己的练习中，发现它引导我进入了一种更深层次的“内听”状态，不再是被外部音乐所驱使，而是身体内部生成了一种内在的律动中心。这本书更像是提供了一套升级的“感官操作系统”，而不是一个具体的舞步清单。

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