具体描述
这样的线描画多是因为种瓜而得的豆。旧时的女子学女红时须先学描红。女人们都要将那辈辈相传的花样子摹画一套放着，以备后用。花样子大多是些单个石榴牡丹，鱼戏莲，以用及人物动物之类，其样式与这些红描是一样的，用途也是为剪纸，绣花或箱柜，炕围画留做底稿的。
1980年代初，一些地方文化馆为了挖掘和扶植民间艺术，组织当地的农民搞创作。这些作者大都是些老太太，她们无法画出文化馆要求的政治题材的内容，被逼得没法子，干脆画自己的生活，用祖传的化样子样式，便出现了这样一幅幅的画。
本来就只是为画颜色而勾草图，但这些老太太觉得好看，就保留下来，在她们心中是不存在草图这种概念的。
线描画中，人和动物的身体都只是与天地自然互为呼应的符图，是一种吉祥和有情的格局。在身体的里里外外，铺展着草地和花朵，出入着动物和鱼龙。记忆和想象完美的组合成为可能。天地万物盛于一件精心打造的容器之中，通融浑然为一体，真有一种在谈笔间令种种规矩灰飞烟灭的大气。
有首陕北民歌是这样唱的：“这么长的辫子探不上一，这么好的妹子见不上同，这么在口锅来哟下不了两颗米，这么旺的火还烧不热你。”这首歌的背景是绝望的的痛苦，但即便如此，这种爱的方式仍是浪漫的，事实上每一个线描画的作者都经历了太多的苦难和劳累，她们的疼痛几乎都是感天动地的，因些她们约对不想再将那种种不幸写进梦里。苦痛是可以折叠起来放入身体之中的，她们愿将幸福贴在新的衣衫上。
作者简介
郭庆丰介绍
1967年12月14日，生于陕北绥德。
1988年高中毕业，89年徒步考察无定河，开始搜集考察民间美术。
1990年—1992年，就读于西安美术学院版画系，完成作品《纸魂》系列（剪纸、撕纸等30余幅）发表学术论文《民间美术的生命意蕴》并参加在旬邑召开的全国民间剪纸理论研讨会。
1993年10月，在台湾台北艺文空间举办首次个人作品展。
1994—1995年完成版画作品《圣水》《黄羊坡》等10余幅，其中《圣水之二》入选第八届全国美展。发表学术论文《民间美术实践课》，并参加在天津召开的全国民间美术理论研讨会。
1995年，创作以油画、版画为主。版画《地窖人家》入选全国第十届版画展，并着手黄河流域民艺考察。
1998—1999年，就读于中央美术学院民间美术研究室助教班，以优秀成绩完成了硕士专业课的研修，并通过了论文答辩。
2000年由台湾《汉声》出版公司出版学术专着《阳歌阳图》。并在《艺术世界》《延安文学》，台湾《汉声》杂志连续发表民艺考察手记和学术论文10多篇。
年初，着手分别以木、火、土、金、水五种文化符号和语言方式创作的包括一方九宫土、四幅画、八扇木门、九盏铜灯、六十四把马勺在内的五行综合装置艺术的创作。
2001年7月—9月实施从黄河源头到入海口全程的千家绣黄河万里行大型艺术行为，完成巨幅艺术作品《千家绣—黄河的衣裳》。
2001年12月，千家绣以及五行综合装置参加了由中国美协、陕西省人民政府主办、西安美术学院承办的《西部·西部》艺术大展。
2002年2月，论文《民间剪纸传承中的几个问题》参加了由中国剪纸研究会召开的“非物质文化遗产”延川年会，并着手编写民艺考察手记《黄河的衣裳》。
2002年4月，被聘请为国家重点课题“西北人文资源环境数据库”专家组成员。
2002年5月，版画《高度》获五、二三全国美展二等奖。
2003年，油画《生命树》入选第三届全国油画展。
2003年8月，个人专着《黄河的衣裳》正式由陕西人民美术出版社出版。
2003年10月《五行综合装置》及十幅油画作品参加上海春季艺术沙龙展。
2004年10月参加由中央美术学院和联合国教科文组织驻京办召开的中国民间剪纸即非物质文化遗产学术研讨会。
2004年3月，油画《狮子梁系列1—4》入选2004上海中国新视觉—中国当代青年艺术家作品展。
2004年《陕北地区的民间石塑----狮子》发表于《雕塑》杂志2004年第4期。 2004年4月《纸人记》发表于《延安文学》2004年第4期。
2004年4月，调查报告《花匠婆婆曹秀英》参加北京“非物质文化遗产，民间剪纸艺术国际研讨会”。
2004年5月《栓娃石和镇宅石与乡土文化观念》收入《陕西民间美术大系雕塑、泥塑》卷。
2004年3月《千家绣—黄河的衣裳》荣获上海民间美术博览会金奖。
2004年8月，完成黄河流域民艺考察手记《纸人记》。
2004年10月《春雨淋湿了狮子梁》《快乐的郭家洼》参加陕西省建国55周年美术展。《快乐的郭家洼》获优秀作品奖。
目录信息
读后感
用户评价
我是一名艺术系的大四学生，坦白讲，我们学校的课程设置偏向现当代艺术表现，对于传统造型基础的训练往往不够深入和系统。我买这本书，主要是想找一个可以自查、查漏补缺的系统性资料。这本书在基础功的讲解上，达到了令人惊讶的细致程度。它对基础几何体——立方体、球体、圆柱体——的结构解析，简直可以用“庖丁解牛”来形容。它不仅仅告诉你如何画出物体的轮廓，更重要的是，它引导你去思考光线是如何切割空间，从而形成我们所见的“线”。书中穿插的一些大师作品的线稿分析，尤其精彩，通过箭头和标注，精确地指出了大师们在处理复杂结构时的“取舍”之道，那种运笔的节奏感和气韵，不是看高清图片就能领悟的。这本书的深度，足以让一个专业人士进行反思和提升，它的价值远超出了一个简单的“教程”范畴，更像是一部关于视觉逻辑的论著。
说实话，我购买这本书完全是个意外，当时我正在寻找一本关于建筑速写的参考资料，无意中被这个书名吸引了。我本身的工作和艺术圈子关联不大，只是出于兴趣偶尔涂鸦，所以对专业术语和复杂的理论体系是很头疼的。这本书的优点恰恰在于它的“去精英化”。作者似乎非常懂得如何与初学者对话，他用极其生动的比喻来解释那些抽象的透视概念，比如，将近大远小的原理比作站远了看家人，脸上的细节会模糊，但整体轮廓依然清晰可辨。我最欣赏的是，它并没有强迫你必须使用某种特定的工具或材料。书里展示了钢笔、铅笔、马克笔甚至圆珠笔的线条效果对比，这极大地解放了我的创作思维，让我明白，工具只是表达的媒介，真正的核心在于观察和理解。我已经将这本书带到了好几个不同的场合——咖啡馆、公园长椅，甚至通勤的地铁上，每次都能从中找到新的启发点。它不是一本读完就束之高阁的书，更像是一个随身携带的、随时可以请教的“导师”。
这本书的封面设计得很有心思，那种沉稳的墨色调，配上简洁的白色书名，一下子就抓住了我的眼球。我本来对这类偏向技法的书是持保留态度的，总觉得它们要么过于学院派，要么就是图解堆砌，缺乏灵魂。然而，当我翻开内页，那种感受立刻就被颠覆了。它不像我之前读过的任何一本绘画入门书籍，没有那种生硬的、教条式的指令，反倒是像一位经验丰富的老先生，非常耐心地在你身边，用最日常的语言，一点点剖析“线”的无穷可能性。比如，它对不同笔触的力度控制和线条粗细变化的处理，简直是教科书级别的示范，但讲解起来又丝毫没有架子。我特别喜欢其中关于“留白”的章节，作者没有仅仅停留在“不要画满”的初级阶段，而是深入探讨了空间中的负形如何反过来塑造正形，那种哲学层面的思考，让我对绘画的理解上升了一个维度。我常常在晚上摊开书本，不是急着去描摹那些例图，而是沉浸在文字的氛围里，感受那种对线条纯粹的敬畏与热爱。这本书的装帧和纸张质量也让人爱不释手，拿在手里沉甸甸的，每一次翻阅都是一种享受。
从装帧工艺的角度来看，这本书绝对是艺术书籍中的精品。封面材质选择了略带纹理的哑光纸，手感极其舒适，不容易留下指纹。但真正让我印象深刻的是内页的印刷精度。在表现那些极其精细的排线（Hatching）和交叉排线（Cross-hatching）时，即便是最细微的墨点也保持了清晰的边缘，没有出现任何墨点洇开或模糊的现象，这对于一个强调“线”的书籍来说，是至关重要的技术保障。我对比了市面上其他几本同类书籍，它们的细节处理上明显逊色一筹。此外，书中对不同工具特性的分析，不只是停留在理论层面，而是通过微距摄影展示了不同笔尖在纸面上留下的实际痕迹，这种基于实证的教学方式，极大地增强了可信度。它不仅仅教会你如何“画线”，更是教会你如何“选择”你的线，让你在面对任何创作对象时，都能准确地匹配出最合适的表达语言。这是一本值得反复翻阅、值得收藏的工具书。
我给这本书的评价，要从它的“情绪价值”来说。在如今这个信息爆炸、节奏快到让人喘不过气的时代，拿起一本专注于“线”的书，本身就是一种对慢下来的回归。这本书的排版非常克制，大面积的留白，让每一个线条的展示都拥有了呼吸的空间。我发现，当我专注于书中的线条练习时，我的焦虑感会奇迹般地消退。这可能与人类对秩序和结构本能的亲近感有关。作者在讲述线条的疏密关系时，常常会引申到一种生活态度，比如如何平衡“刻意”与“随意”，如何接受“不完美”的草稿感。这种文字与画面交织出的独特氛围，让阅读过程变成了一种精神上的冥想。我常常会做的一件事是，在临摹完一个几何体结构后，合上书本，试着用那种“心境”去观察我房间里的台灯或者一束插在花瓶里的枯枝，然后快速地在笔记本上捕捉它们的轮廓。这种由内而外的引导，才是它最宝贵的地方。
24张 淳朴风
真漂亮的明信片啊！
真漂亮的明信片啊！
薄
薄
