中国历代画论采英

中国历代画论采英 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:凤凰出版传媒集团,江苏教育出版社
作者:杨大年
出品人:
页数:315
译者:
出版时间:2005-10
价格:24.8
装帧:平装
isbn号码:9787534368929
丛书系列:
图书标签:
  • 画论
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具体描述

《中国历代画论采英》由凤凰出版传媒集团、江苏教育出版社出版。

学画所以养性情,且可涤烦襟,破孤闷,释躁心,凶静气。昔人谓山水家多寿,盖烟云供养,眼前无非生机,古来大家享大耋者居多,良有以也。

《中国历代画论采英》是一部汇集了中国古代绘画理论精华的著作。本书并非画作本身,而是对历代画家、理论家们关于绘画创作、审美标准、技法心得、创作理念等方面的论述进行搜集、整理与选粹。读者可以通过翻阅此书,深入了解中国绘画在不同历史时期、不同地域、不同流派的理论发展脉络,以及古人对“形神兼备”、“气韵生动”、“笔墨意趣”等核心概念的深刻理解与阐释。 本书的价值在于其系统性地梳理了中国画论的精髓。它不是简单地罗列片段,而是试图构建一个连贯的知识体系,帮助读者理解中国绘画理论是如何随着社会文化、哲学思想、技术革新而不断演变的。从魏晋南北朝时期顾恺之的“迁想妙得”与“以形写神”,到唐代张彦远的“六法论”所确立的绘画基本原则,再到宋代司空到的“论画”中对画家情志与客观物象的关联,以及元代赵孟頫提出的“尚意”主张,直至明清时期以“神韵说”为代表的文人画理论,本书都将一一呈现,并加以精当的解读。 《中国历代画论采英》所收录的画论,其内容涵盖了从创作指导到鉴赏评判的方方面面。在创作指导方面,书中会涉及笔墨的运用,如墨色的浓淡干湿、用笔的刚柔疾徐、皴法的变化多样等,阐述这些技法如何服务于表达画家内心的情感和意境。同时,书中也会探讨构图的原则,如虚实相生、疏密有致,以及如何通过景物描写来烘托人物情绪或传达特定意境。此外,对于色彩的运用、线条的勾勒、画面的留白等关键元素,书中亦有详尽的论述,为学习者提供了宝贵的实践指导。 在鉴赏评判方面,《中国历代画论采英》也提供了丰富的视角。古人如何评判一幅画的好坏?他们看重的是技巧的精湛,还是意境的深远?是形似的逼真,还是神韵的传达?书中会收录大量的鉴赏文章,通过对具体画作的分析,揭示出古人独到的审美判断标准,以及他们如何从画面的笔墨、结构、色彩、意境等方面来体会和评价艺术作品的价值。这些论述有助于读者在欣赏中国古代绘画时,能够更深层次地理解作品的内涵,提升艺术品鉴能力。 本书的选材严谨,力求全面而又精粹。它不仅收录了大家熟知的经典画论,如《历代名画记》、《益州名画录》、《画史》、《画论》、《画旨》等,还可能包含一些鲜为人知但同样具有价值的文献资料。编者在选录时,注重画论的代表性、理论性以及对后世影响的深远性,确保所选内容能够真实、准确地反映中国画论的发展轨迹。 《中国历代画论采英》的读者群体广泛,无论是对中国绘画史感兴趣的学者、研究者,还是正在学习绘画的艺术家、学生,抑或是渴望了解中国传统文化和审美情趣的普通读者,都能从中获得裨益。对于研究者而言,本书是重要的史料汇集,是探究中国绘画思想源流的基石;对于艺术家而言,本书是理论滋养的源泉,是启发创作灵感的宝库;对于普通读者而言,本书则是打开中国传统绘画艺术大门的钥匙,带领他们领略东方艺术的独特魅力。 总而言之,《中国历代画论采英》是一部承载着中国绘画智慧与精神的著作。它通过梳理和阐释历代画论,为我们描绘了一幅中国绘画理论发展的壮丽画卷,让我们得以窥见古人高妙的艺术见解和深邃的文化思想。通过阅读此书,读者将能更清晰地认识中国绘画的独特美学体系,理解其“以形写神”的内在逻辑,从而更深刻地体悟中国艺术的博大精深。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本《中国历代画论采英》简直是打开了我对中国传统绘画艺术的全新认知大门。我一直对中国山水画情有独钟,但往往只能停留在欣赏其表面的美感,对于其背后蕴含的深厚理论和哲学思想,则知之甚少。翻开这本书,我才意识到,那些看似随意的笔触、淋漓的墨色,背后有着多么精妙的构思和深刻的洞察。书中收录的历代画论,从顾恺之的“迁想妙得”到宗炳的“山水有可行者,则状似,可行不可。形似,神似。神似,则形不朽。”,再到谢赫的“六法”,每一条都如同一块基石,构建起中国画理论的宏伟殿堂。 我特别被书中的一些关于“气韵生动”的讨论所吸引。古代画家们并不满足于单纯的形似,他们追求的是一种超越形体的生命力,一种精神上的共鸣。比如,书中引述的某个不知名画家的论述,他将画中的山石比作刚毅的君子,将流水比作温润的贤者,通过对山水意象的拟人化,赋予了画面生命。这种将自然景物人格化、情感化的手法,让我深切体会到中国古代文人对天地万物的深刻体悟和热爱。读到这里,我仿佛置身于一个与自然和谐共存的精神世界,感受到了一种前所未有的宁静与力量。

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坦白说,我之前对中国画的了解仅限于一些名家名作的表面欣赏,对于其背后的理论体系知之甚少。偶然的机会,我接触到了《中国历代画论采英》这本书,它像一扇窗户,让我窥见了中国画艺术那深邃而迷人的世界。书中收录的历代画论,不仅是艺术理论的宝库,更是中国古代文人精神世界的真实写照。 我特别着迷于书中关于“皴法”的讨论。不同的皴法,如披麻皴、斧劈皴、雨点皴等等,不仅仅是表现山石纹理的技法,更是画家对山石形态、质感、甚至生命力的独特理解。书中对每种皴法的起源、特点以及代表画家都进行了详细的介绍,让我仿佛置身于一个宏大的皴法博物馆,看到了无数艺术家如何通过不同的笔墨语言,赋予山石以生命。读完这部分内容,我再去看那些经典的中国山水画,感觉不再只是看一堆墨迹,而是能感受到山石的坚硬、温润、以及那种历经沧桑的厚重感。

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这本书最让我感到惊喜的是,它以一种非常“现代化”的视角,梳理和呈现了中国画的千年理论传承。不同于一些年代久远、语言古朴的画论著作,这本书在保留了原汁原味的精神内核的同时,又通过精炼的白话解读,让现代读者能够轻松理解。 我尤其被书中关于“意匠”的讨论所吸引。中国画强调“意在笔先”,强调创作前的构思和意图。这本书详细阐述了“意匠”在创作过程中的重要性,以及如何通过“意匠”来把握画面的整体构图、笔墨的疏密、色彩的搭配等等。书中还引用了一些画家在构思过程中,是如何从自然景物、文学作品、甚至哲学思考中汲取灵感,并将其内化为自己的“意匠”的。这让我深刻体会到,中国画不仅仅是技巧的展现,更是艺术家思想和情感的结晶。

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作为一名对中国传统文化充满好奇的读者,我一直渴望能够深入了解中国画的精髓。市面上关于中国画的书籍很多,但往往要么过于专业,让人望而却步;要么过于泛泛,难以触及核心。《中国历代画论采英》这本书,则恰恰填补了这一空白。它以一种非常“亲民”的方式,将历代画论中的精华提炼出来,并配以精炼的解读,让普通读者也能轻松领略中国画的博大精深。 我非常喜欢书中对“气韵”的解释。一直以来,我都觉得中国画有一种“气”在其中,一种说不清道不明的生命力。这本书告诉我,这种“气”就是“气韵”。它是画家通过笔墨,将自己对物象的理解、情感的投入,以及对宇宙人生的感悟,融汇在一起,最终赋予画作生命。书中引用了许多古代画家和理论家关于“气韵”的论述,比如“外师造化,中得心源”,让我明白了,外在的师法自然和内在的心灵感悟,是缺一不可的。读到这里,我仿佛看到了无数中国画作品在“气韵”的引领下,焕发出勃勃生机,与观者进行心灵的沟通。

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刚拿到《中国历代画论采英》的时候,我以为它会是一本厚重的学术专著,可能需要花费大量的时间去啃读。但出乎意料的是,这本书虽然内容丰富,但阅读起来却异常流畅。作者的文字功底非常深厚,将一些原本可能显得比较枯燥的理论,用一种非常优美且富有逻辑性的语言呈现出来。它就像一条涓涓细流,缓缓地滋养着我原本对中国画认知比较浅薄的心田。 我特别喜欢书里对于“笔墨”的解读。中国画的笔墨,不仅仅是工具,更是中国画的灵魂。书里详细阐述了不同时期、不同画家在用笔用墨上的独特风格和追求。比如,讲到王蒙时,书中提到他“善用皴法,如披麻、斧劈等,表现出山石的坚厚与体积感”,读到这里,我立刻联想到了他那些充满力量的山水画,感觉自己仿佛能听到笔墨在纸上行走时发出的低语。又比如,书中讲到八大山人时,那种“横涂竖抹”看似随意,实则蕴含着深沉情感的笔法,让我感受到了孤独与坚韧并存的强大生命力。这种对笔墨细致入微的讲解,让我对中国画的欣赏上升到了一个新的维度。

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这本书最让我感到惊喜的是,它不仅仅是理论的集合,更是一次对中国古代文人心灵世界的深度探索。在品读这些画论的过程中,我仿佛穿越了时空,与那些伟大的艺术家们进行了一场跨越千年的对话。他们对艺术的理解,对自然的感悟,对人生哲理的思考,都深深地印刻在了这些文字之中。 尤其让我着迷的是书中关于“胸有成竹”的由来和引申。它不仅仅是一个成语,更是中国画创作过程中一种重要的心理状态和创作理念。画家在动笔之前,需要在心中构建出完整的形象和意境,才能下笔如有神。书中还引用了一些画家创作的逸闻趣事,比如某个画家在创作一幅山水画时,是如何观察云卷云舒,又是如何倾听风吹松涛,将这些自然的声音和景象内化于心,最终通过笔墨表现出来。这种对创作过程的细致描摹,让我感受到了中国艺术家们那种严谨的创作态度和对艺术极致的追求。

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这本书最打动我的地方,在于它展现了中国画论中那种“天人合一”的哲学思想。古代的画家们,他们不仅仅是技艺的工匠,更是哲学思辨者,是精神世界的探索者。他们观察自然,感悟自然,并将对自然的理解融入到笔墨之中。书中关于“意境”的论述,让我醍醐灌顶。它告诉我,好的中国画,不仅仅是画出了山川草木的形态,更是画出了其中蕴含的生命气息、情感氛围,以及画家内心深处对世界的感悟。 我尤其喜欢书里关于“神似”的探讨。很多时候,我们看到一些画作,虽然看起来不像,但却能触动人心,让人产生共鸣。这本书解释了,这就是“神似”的力量。它是一种超越形体的精神契合,是一种心灵的感应。比如,书中引用了南齐的谢赫在《古画品录》中对顾恺之画作的评价,提到他画人物“得其形似,又能传其神情”,这让我明白了,仅仅追求形体的精准是不够的,更重要的是捕捉到对象内在的灵魂。读完之后,再去看那些经典的中国画,我仿佛能看到画家与画中对象之间无声的对话,感受到那份穿越时空的灵魂连接。

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说实话,当初是被这本书的书名吸引的,觉得“采英”二字充满了诗意和采集精华的意味,预感里面一定有值得细细品味的佳作。果然,这本书没有辜负我的期望。它不像一些学术著作那样晦涩难懂,而是以一种温和而有条理的方式,将浩如烟海的中国画论精华一一呈现。从先秦时期的朴素观念,到唐宋时期理论的成熟,再到明清时期理论的演变,这本书像一条清晰的时间脉络,让我看到了中国画论发展的轨迹。 尤其令我印象深刻的是,书中不只是罗列了画论,还穿插了对这些画论的解读和引申。比如,在讲到“骨法用笔”时,作者不仅解释了“骨法”的含义,还结合了具体的画作例子,比如张僧繇如何用笔来表现石头的坚硬质感,王维又是如何用淡墨来描绘山峦的朦胧之美。这种“理论与实践相结合”的讲解方式,让枯燥的理论变得生动形象,也让我对这些抽象的艺术概念有了更直观的理解。感觉像是有一位学识渊博的长者,耐心地为我这个初学者传授着中国画的“真经”。

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《中国历代画论采英》这本书,与其说是一本画论集,不如说是一本关于中国古代审美哲学和心灵哲学的百科全书。它将中国画的理论,上升到了一个哲学的高度,展现了中国古人对自然、对艺术、对人生的一种深刻的理解和感悟。 我被书中关于“六法”的详细阐释深深吸引。谢赫提出的“六法”,不仅仅是鉴赏中国画的标准,更是中国画创作的根本原则。书中对每一条“法”,如“气韵生动”、“骨法用笔”、“应物象形”、“随类赋彩”、“经营位置”、“传移模写”都进行了深入浅出的解读,并结合了大量的历史画作和画家案例。读到“经营位置”时,我才明白,原来一幅好的中国画,不仅仅是笔墨的堆砌,更是画家在画面空间中,对景物、对虚实、对疏密进行精心安排的结果。这种严谨的构图理念,让我对中国画的欣赏,又多了一层敬意。

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这本书最让我心生敬意的是,它展现了中国古代文人对艺术那种纯粹的、近乎宗教般的追求。在他们的笔下,绘画不再仅仅是谋生的手段,而是表达自我、体悟天地、追求精神超越的途径。 书中关于“神韵”的论述,让我久久不能忘怀。与“神似”不同,“神韵”更侧重于一种内在的、难以言说的生命气息和精神气质。画家通过对物象细致入微的观察和深刻的感悟,将那种独特的“神韵”捕捉并表现出来。书中引用了一些关于描绘人物画“传神”的论述,比如“画人难画手,难画眼”,点出了人物画中,最能传达人物内心世界的,往往是那些最细微的表情和动作。读到这里,我仿佛看到了古人是如何用一生去钻研,去体悟,只为在笔墨中留下那份独一无二的“神韵”。这种对艺术的虔诚,让我感到无比震撼。

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形神,意象,气韵灵光。言其无言,重在言外。一览。

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古人的艺术观是真叹为观止 今人的批注都略显尴尬

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形神,意象,气韵灵光。言其无言,重在言外。一览。

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中期考核必读书目之一,按主题分类,文段+注释+章节说明的片段式,于是就沦为了往返鼓楼与仙林之间的地铁读物。快读完时,捣师突然说,这本你们不必读了,错误太多(゚Д゚≡゚Д゚)

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初看的时候感觉这种分类形式真是像亲妈给写的,后来发现原来是在坑爹。

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