The American Art Book

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出版者:Phaidon Inc Ltd
作者:Editors of Phaidon Press
出品人:
页数:520
译者:
出版时间:2001-6
价格:112.00元
装帧:Pap
isbn号码:9780714841199
丛书系列:
图书标签:
  • 英文原版
  • 艺术
  • 美国
  • 画册
  • 美国艺术
  • 艺术史
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  • 当代艺术
  • 艺术评论
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Accessibility is the code word for Phaidon's new 500-page dictionary of American art. The book values images over words, and its longest text is the introduction, which is printed in large, bold face and hardly fills one page. But it does describe the book's mission well: "Each artist is represented by a full-page color plate of a significant work, accompanied by an informative and engaging text that places the artist in the context of contemporary movements and preceding traditions...."--concise and informative. By arranging the artists alphabetically, the editors set up some odd and amusing juxtapositions. For example, the suited subject of an Alice Neel painting appears to speak and gesticulate excitedly about the overstacked cornucopia of Louise Nevelson's crates found on the opposing page. The caption over each work includes four artists' names in bold print that function as hyperlinks of a sort, allowing readers to skip, for example, from Willem de Kooning's Woman I to Jean Michel Basquiat's Skull to Alfred Maurer's cubist-like painting Woman with Curlers. This way, with each visit to the American Art Book, readers can discover and follow countless narratives throughout the three centuries of American art. Filled with large, expertly reproduced images, The American Art Book is, like its cousins The Photo Book and The 20th Century Art Book, a high-quality and surprisingly inexpensive volume that would be a worthy addition to any art lover's library. --Loren E. Baldwin

《美国艺术之韵》 这本精美的画册,如同一场穿越时空的艺术之旅,带领读者深入探索美国艺术的辉煌历程。它并非一本简短的介绍,而是一份详尽的指南,旨在揭示那些塑造了美国视觉文化、反映时代精神、并赋予世界艺术以独特魅力的艺术家及其不朽作品。 本书的结构严谨而富有逻辑,从早期殖民地的朴素记录,到当代艺术的多元探索,逐一呈现了美国艺术发展的脉络。我们不会止步于罗列知名画作,而是深入剖析每一位艺术家的创作背景、思想哲学以及其作品在艺术史上的独特地位。我们将一同审视那些描绘美国风景的浪漫主义巨匠,他们的画笔捕捉了这片广袤土地的壮丽与宁静;我们将探究印象派在美国的独特变奏,艺术家们如何用光影和色彩表达对现代生活的感知;我们将沉浸于现代主义的变革浪潮,理解抽象表现主义如何以其澎湃的情感和自由的笔触征服世界,以及波普艺术如何将日常的符号和大众文化融入艺术殿堂。 《美国艺术之韵》的深度体现在其对艺术风格演变的细致梳理,以及对不同艺术流派背后社会、文化和政治语境的深刻洞察。读者将了解到,艺术不仅仅是画布上的色彩,更是时代的回响,是艺术家内心世界的呐喊,是社会变迁的见证。例如,我们会探讨20世纪初,美国艺术家如何从欧洲汲取灵感,并在此基础上发展出独具特色的现代艺术语言;我们会分析二战后,美国艺术如何成为全球文化输出的重要力量,以及抽象表现主义艺术家如何在战后的压抑中寻找精神的解放。 本书的另一大亮点在于其对多元文化融合在美国艺术中的体现。美国艺术从来不是单一的,它汇聚了来自世界各地的移民及其文化传统,并将其融入自身的创作。我们将关注非裔美国艺术家如何通过艺术表达身份认同、抗争不公;我们将审视女性艺术家如何在男性主导的艺术界开辟道路,用她们独特的视角和细腻的情感丰富了艺术的内涵;我们也将探索原住民艺术家如何守护古老的传统,并赋予它们新的生命力。 此外,《美国艺术之韵》还特别关注艺术的社会功能。从宣传海报的视觉力量,到摄影师的纪实镜头,再到街头艺术的公共对话,本书将展现艺术如何被用来记录历史、批判现实、引发思考,甚至改变社会。我们将深入研究那些记录了美国历史重要时刻的艺术作品,理解它们如何成为集体记忆的一部分。 本书的编排方式旨在提供一种沉浸式的阅读体验。每一位艺术家都配有详尽的生平介绍、创作理念阐述,以及对他们代表性作品的深入解读。文字部分力求精准、生动,避免空泛的修饰,而是用清晰的逻辑和翔实的资料支撑每一项论述。精选的艺术作品图片,则以高清、逼真的质量呈现,让读者仿佛置身于画廊之中,近距离感受艺术原作的魅力。我们相信,通过对艺术作品的细致品味,结合对艺术家创作背景的深入了解,读者能够培养出自己独特的艺术鉴赏力。 《美国艺术之韵》不仅适合艺术专业的学生和研究者,也欢迎所有对美国文化和历史感兴趣的读者。它是一扇窗,透过这扇窗,你可以看见一个丰富多彩、不断创新、充满活力的美国艺术世界。它是一次邀请,邀请你走进这片艺术的土地,去感受那些触动心灵、启迪思想的瞬间。无论你是初次接触美国艺术,还是早已对其有所涉猎,相信这本书都将为你提供一次独特而有价值的艺术体验。它将帮助你理解美国艺术的独特之处,以及它在全球艺术版图中的重要地位。

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读后感

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老实说,我买这本**探讨日本“侘寂(Wabi-Sabi)”美学在当代陶艺实践中的应用**的书时,本来没抱太大期望,总觉得这种主题很容易流于空泛的赞美。然而,这本书的作者,用一种近乎禅宗的冷静和精确,将“不完美”这个概念解构得淋漓尽致。它没有像许多同类书籍那样堆砌“残缺之美”这种老生常谈的口号,而是深入到了**“材料的物理特性与时间侵蚀的共谋”**这一层面。作者花费了大量篇幅,细致分析了不同釉料在烧制过程中,由于温度微小波动而产生的“缺陷”是如何被工匠视为“偶然的恩赐”。我尤其着迷于其中关于“金缮(Kintsugi)”的章节,它不仅仅介绍了修复技术,更探讨了这种修复如何将器物的“创伤历史”升华为其价值的最高体现。行文风格异常克制,多用短句和精确的动词,仿佛作者的文字本身也在模仿陶器的质地和简洁。书中穿插的那些当代陶艺家的访谈片段,更是充满了对现代工业化生产的无声抗议。读完后,我对待自己身边所有带有磨损痕迹的物品,都产生了一种全新的敬畏感。这本书不是教你如何欣赏,而是教你如何“看见”事物的真实生命轨迹。

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天呐,我简直不敢相信我竟然花了这么多时间沉浸在这本关于**维多利亚时期室内装饰风格变迁**的巨著里!这本书的细节之丰富,简直是令人发指,作者简直是个时间旅行者,把我直接带回了那个充满厚重天鹅绒、繁复雕花和道德说教的年代。开篇就对1850年代伦敦中产阶级客厅的布局进行了令人眼花缭乱的描述,从壁炉架上那些莫名其妙的装饰小玩意儿,到窗帘上繁复到让人头疼的褶皱处理,无一不展现出那个时代对“体面”的极致追求。最让我印象深刻的是它对**“艺术与手工艺运动”**兴起前夕那种设计上的焦虑的捕捉。作者似乎对每个时期家具材料的选择都了如指掌,比如早期对进口乌木的偏爱,如何逐渐被本土橡木和胡桃木所取代,以及这种转变背后蕴含的社会经济因素。我尤其欣赏它对**“病态美学”**在后维多利亚时期室内设计中的体现的分析,那种对死亡、哀悼饰品的近乎病态的迷恋,被作者用极其细腻、近乎学术的笔触描绘出来,让人在感到一丝阴郁的同时,又被那种历史的厚重感深深吸引。这本书的排版也很考究,大量高清的黑白照片和手绘图,虽然没有色彩,但却更加突出了线条和结构的张力。读完之后,我对那个时代的人们是如何在那些“塞得满满当当”的空间里呼吸和生活的,有了一种全新的、近乎身临其境的理解。它不仅仅是一本关于设计的书,更是一部关于时代精神的隐秘编年史。

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我原本以为这会是一本轻松愉快的读物,毕竟封面看起来是关于**20世纪中期美国爵士乐俱乐部场景的插画集**,结果我被狠狠地“教育”了!这本书的视角非常独特,它几乎完全避开了对音乐家本人的直接介绍,而是聚焦于**“空间、光影与氛围如何共同构建了爵士乐的现场体验”**。作者对灯光设计有着近乎偏执的关注,详细分析了“蓝光时刻”如何被用来隐藏观众的疲惫和舞台的简陋,以及烟雾弥漫的效果如何成为视觉叙事的一部分。其中对纽约格林威治村几个标志性小酒吧的剖析尤其精彩,配上的那些略带粗粝质感的摄影作品,仿佛能闻到空气中威士忌和香烟混合的味道。让我感到惊喜的是,作者竟然将当时的建筑材料——例如裸露的砖墙、低矮的天花板——视为一种“反叛的审美”,与当时主流的装饰艺术风格形成了鲜明的对比。这本书的叙事节奏非常像一首即兴的爵士乐,时而慵懒缓慢,时而又突然爆发出一串快速、密集的细节描述。它让我意识到,欣赏爵士乐不仅仅是用耳朵,更是用整个身体去感受那个特定历史时期,特定社会边缘群体所创造出的独特美学空间。读完之后,我对那些老照片的理解维度彻底被拓宽了。

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这本书,暂且称之为**关于“中世纪修道院图书插画中的动物象征意义”的百科全书**吧,是我阅读体验中最具挑战性,但也最丰厚的一本。它的规模之宏大,信息量之密集,简直令人望而生畏。作者似乎穷尽了毕生精力,将从爱尔兰的凯尔特手稿到法国的《时祷书》中所有描绘的动物——从常见的狮子、独角兽,到那些光怪陆离、连名字都叫不出来的怪兽——进行了系统性的梳理和符号学解读。你不能指望它像小说一样流畅地阅读,它更像是一本需要带着笔记本和放大镜去“解密”的工具书。我花了整整一个星期才啃完关于“蛇的复活与诱惑”这一主题下的所有案例分析。最让我震惊的是,作者如何通过比较不同地区修道士对同一动物的描绘差异,来反推**不同修道院在教义解释上的细微分歧**。例如,东方教派的狮子象征着复活的基督,而某些法兰克地区却将其视为傲慢的七宗罪之一。这种细致入微的文化解码工作,简直令人叹服。虽然阅读过程需要极大的专注力,时不时需要对照图鉴来确认某个怪物的具体特征,但每一次成功解读,都带来巨大的智力满足感。

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如果有人告诉我,一本关于**古希腊雕塑中“理想化人体”的哲学基础**的书可以如此引人入胜,我大概会嗤之以鼻。然而,这本《[被提及的书名]》完全颠覆了我的认知!它不是那种干巴巴的、只罗列作品名称和年代的教科书,它更像是一场关于“美”的辩论会。作者的论证逻辑极其严密,他没有止步于对菲狄亚斯或波留克列特斯作品的简单赞美,而是深入挖掘了柏拉图主义和亚里士多德的形而上学思想是如何渗透到艺术创作中的。我特别喜欢它探讨**“对偶(Contrapposto)”姿态的象征意义**那一章节,作者将这种略微倾斜的站姿解读为希腊文化中“静止与运动的辩证统一”的体现,这种跨学科的分析角度,简直是太精彩了!阅读过程中,我感觉自己像是在跟一位知识渊博的哲学家一同在雅典的市集上漫步,探讨着“何为完美”。书中对**“古典主义的复兴与异化”**的讨论也极具洞察力,它详细对比了文艺复兴时期和新古典主义时期对古希腊范式的不同“挪用”,揭示了不同时代对“理性”的不同理解。这本书的行文风格虽然偏向学院派,但其激情和对主题的深刻理解是无法掩盖的。它迫使你去思考,我们今天所理解的“美”和“和谐”,究竟有多少是源于那个遥远时代的约定俗成。绝对是值得反复研读的精品。

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