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出版者:CROWN

作者:KAUFMAN,DONALDDAHI,TAFFY

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:19990401

价格:NT$ 1750

装帧:

isbn号码:9780517704011

丛书系列:

图书标签:

• 色彩
• 光线
• 绘画
• 艺术
• 设计
• 色彩理论
• 光影效果
• 视觉艺术
• 艺术指导
• 摄影

《时之砂》 在一个被遗忘的角落，时间如同细沙般缓缓流淌，一位名叫艾莉亚的年轻女子，背负着古老的预言，踏上了寻找失落文明“光辉之地”的旅程。她的足迹遍布荒芜的沙漠、险峻的山脉，以及被遗忘的森林深处。 艾莉亚并非凡人，她体内流淌着一种罕见的能量，能够感知并操控世间微妙的“脉络”。这些脉络是构成世界万物的无形之线，它们连接着过去、现在与未来，也隐藏着失落文明的秘密。然而，这种力量也让她成为了一些神秘组织的追捕目标，他们企图利用她的能力来改变历史，甚至掌控整个世界。 在旅途中，艾莉亚遇到了形形色色的人物。有睿智而孤独的贤者，他用古老的智慧指引着她；有身手矫健、亦敌亦友的佣兵，他的出现总是伴随着危险和机遇；还有一群与她有着相似命运的“脉络觉醒者”，他们为了共同的目标而聚集，共同对抗着企图操纵时间的力量。 她曾身陷古老图书馆的迷宫，在泛黄的卷轴中追寻着历史的真相，揭开了“光辉之地”并非一个地理位置，而是一种能够让个体灵魂与宇宙能量完美契合的境界。那里的居民早已将肉体凡胎升华，融入了时间的洪流之中，留下的只有他们对宇宙真理的领悟和对后来者的启示。 艾莉亚还曾潜入一座被遗弃的地下城市，那里曾是“脉络”能量的汇聚之地，也正是因为过度汲取这种能量，最终导致了文明的衰亡。她在那里看到了科技与魔法融合的奇迹，也看到了人类因贪婪而付出的惨痛代价。 她也曾在寂静的星空下，与一位能够“倾听”宇宙之音的吟游诗人相遇。诗人告诉她，时间的本质并非单向的线性流动，而是如同潮汐般起伏，每一次的潮落都孕育着新的开始，每一次的潮涌都携带着过去的印记。 在一次与追捕者的殊死搏斗中，艾莉亚被迫释放出体内的全部“脉络”能量。那一刻，她仿佛看到了无数的时间线在眼前交织，无数的可能在瞬间展开。她明白了，真正的力量并非在于改变过去，而在于理解现在，并以智慧和勇气去创造未来。 她最终找到了通往“光辉之地”的道路，那条路并非在地图上，而是隐藏在她的内心深处。她通过冥想和自我净化，逐渐消融了世俗的羁绊，让自己的意识与宇宙的脉络融为一体。她没有成为新的“光辉之地”的居民，因为她选择了以更独特的方式——成为时间的守护者，以自己的存在去维护时间的平衡，去传递那些关于智慧、勇气和希望的真谛。 《时之砂》讲述的不是一个关于改变过去的故事，而是一个关于理解、成长和守护的故事。它探讨了时间的本质、因果的循环，以及个体在浩瀚宇宙中的位置。艾莉亚的旅程，是对生命意义的追寻，是对责任的承担，是对那些看不见却至关重要的“脉络”的敬畏。最终，她找到了属于自己的“光辉”，那是在每一个当下，用自己的方式去闪耀。

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这本书的装帧和排版本身就透着一股高级感，但真正让我爱不释手的是它对“环境叙事”的独到见解。它讨论光线时，往往将其置于特定的地理和时间背景下，比如清晨薄雾中的海岸线如何散射光线，或者城市霓虹灯下雨后地面的反射特性。它将“光”的知识点与“地理学”和“气象学”巧妙地结合起来，形成了一套完整的环境感知系统。我发现，以前我总是在找“好光”，而这本书教我如何去“理解”光在特定环境下的“性格”。特别是关于“色温”的章节，作者没有止步于简单的冷暖对比，而是深入分析了不同大气成分对色温的影响，这让我在拍摄雪景或黄昏大片时，不再是盲目地调整白平衡，而是能基于对环境的理解做出更高级的调整。读完后，我仿佛有了一双能看穿大气层和时间流逝的眼睛，每一次对焦都变得更有目的性。这对于渴望捕捉特定氛围和瞬间的纪实摄影师来说，无疑是一本不可多得的圣经。

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这本摄影入门的经典之作，简直是为像我这样刚刚接触光影世界的新手量身定制的。它没有那些晦涩难懂的专业术语，而是用极其生动和直观的语言，将光线如何塑造形态、色彩如何影响情绪这些核心概念层层剖开。我记得书中关于“硬光”和“柔光”的对比讲解，配合那些看似简单的示例图，一下子就让我明白了为什么有些照片清晰锐利，而有些则朦胧柔美。作者在描述如何观察自然光和人工光时，那种如同老友般娓娓道来的语气，让人完全没有学习的压力，反而沉浸其中。尤其是它对阴影的重视，这本书让我意识到，阴影不是光线的缺失，而是光线存在的证明，是构成画面的重要元素。读完关于色彩心理学的章节后，我出门拍照的习惯都变了，会下意识地去寻找那些能引发特定情感共鸣的色调组合。它教会我的不是如何按下快门，而是如何真正“看见”世界，这种底层逻辑的改变，比任何技巧都宝贵。对我来说，这本书更像是一份长期的摄影指导手册，每当遇到创作瓶颈，翻开某一页，总能找到新的启发点，那种豁然开朗的感觉，是其他教科书难以比拟的。

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对于有一定摄影经验，但感觉自己作品开始停滞不前的进阶者来说，这本书简直是一剂猛药。它没有浪费篇幅去解释快门速度和光圈这些基础设定，而是直奔主题：如何通过对光的精准控制，来营造戏剧性和叙事感。我特别喜欢其中关于“连续光”与“脉冲光”对比分析的部分，作者通过对比大师们的作品案例，清晰地展示了不同光源持续时间对画面动态捕捉和氛围营造的决定性影响。它的结构安排非常巧妙，前半部分侧面烘托环境光对色彩的“污染”与塑造，后半部分则着重讲解如何利用反光板、柔光罩等工具，有意识地“纠正”或“强化”这种自然光。读到那些关于如何在复杂室内环境中，只依赖一盏灯来构建完整影调的案例时，我感觉自己的技术瓶颈正在被一点点瓦解。这本书的深度在于它敢于讨论那些不那么“光鲜亮丽”的布光难题，并且提供了切实可行的、基于物理规律的解决方案，而不是空泛的“多练习”口号。

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我接触过很多关于色彩理论的书籍，但很少有能像这本书一样，将“色彩的物理属性”与“人类感知的非理性”结合得如此完美的。它没有把色彩视为单纯的RGB数值，而是深入挖掘了人眼对色彩饱和度和明度的适应性机制，解释了为什么在某些光线下，人眼看到的颜色和传感器记录的颜色会产生巨大的差异。书中关于“互补色”与“邻近色”在情绪传达上的差异分析，配以大量精心挑选的跨文化艺术作品作为佐证，极大地拓宽了我的视觉词汇库。最让我震撼的是关于“隐形色彩”的讨论，即那些存在于高光和阴影过渡区域的微妙色偏，以及如何通过微调曝光和后期处理来“捕捉”这些信息。这本书的文字密度极高，信息量巨大，需要反复阅读和消化，但每一次回顾都能发现新的细节和新的应用角度。它不光教会我如何控制色彩，更重要的是，它让我明白了色彩在表达人类情感和文化符号上的复杂力量，完全值得我为它投入大量的时间进行精读。

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老实说，我一开始对这种理论性很强的书籍抱持着怀疑态度，毕竟摄影这玩意儿实践出真知嘛。然而，这本书的叙事方式简直颠覆了我的认知。它没有那种冷冰冰的理论堆砌，更像是一部艺术家对自己创作心路历程的坦诚记录。作者似乎在用画家的笔触来描述摄影的本质，大量引用了文艺复兴时期画家对色彩和透视的理解，将摄影提升到了艺术创作的层面。尤其欣赏它对“主观视角”的强调，鼓励读者不要被标准答案束缚，而是要勇敢地用自己的眼睛去解读光影。书中对不同材质对光线反射率的分析，细致到了令人发指的地步，比如玻璃、金属和皮肤在同一光源下的微妙差异，这对于我之后进行静物和人像布光时，提供了极其坚实的理论基础。读完后，我不再满足于“拍清楚”，而是开始追求“拍出感觉”。这本书的价值不在于教你操作相机设置，而在于重塑你对视觉艺术的底层认知框架，让你的每一次曝光都带着明确的意图和思考。那种将技术与哲学完美融合的写作风格，实在令人拍案叫绝。

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