具体描述
當科技漸漸滲入當代生活的各個層面，藝術領域自然也不可免地感受到科技革命所帶來的衝擊，面對這滑鼠取代畫筆、螢幕取代畫布的趨勢，究竟是深奧難解的黑洞還是短暫的藝術潮流？《藝術語言@數位時代》一書嘗試為讀者細探這脈動於下一波的藝術新浪潮。 本書從定位數位藝術的美學觀點開始，進而探討許多新媒體藝術的語言結構特性。一方面，回溯新媒體先鋒大師的錄影裝置作品；另一方面，引介許多重要大展的年輕藝術家作品。搭配多樣的作品取景與多彩視覺景觀，為許多無法親臨展場的讀者填補了「不在場」的缺憾。目前在台灣，針對數位藝術的討論與分析仍然十分缺乏，在藝術創意產業逐漸受到重視的今日，正視藝術與科技的發展可讓我們了解，西方的藝術群體如何開墾數位裡的創意內容。因此，藉由本書的介紹與探討，可為更多讀者開啟新視窗。
名家推薦
關鍵年代裡的藝術未來／許素朱（國立台北藝術大學科技藝術研究所所長）《藝術語言@數位時代》一書的出版，正處在一個重要的時刻。在台灣急迫地想與國際接軌的此時，且是數位創意產業逐漸受到重視的年代，的確需要對數位藝術有更多的認識。自去年起，行政院正積極推動「挑戰2008－－國家重點發展計畫」，其中「如何提昇台灣數位藝術創意」此一議題，正是目前各機構與專家學者們絞盡心思努力思考的課題。目前台灣藝術創意的最大問題，是對數位時代藝術語言的演進，沒有足夠的敏銳度與視野，且對數位時代藝術語言的探討分析也不足，而本書正可給予我們這方面的啟示與省思。在這數位時代裡，台灣正努力建設一個全民所追尋的新桃花源－－「人文台灣」、「創意台灣」。政府正在逐夢、許多人也正在築夢，然，我們是否可抵達？讓我們一起努力與拭目以待吧！
作者簡介
1971年生於台北市，1993年赴紐約就讀普拉特藝術學院（Pratt Institute）藝術系。1998年於賓州大學藝術研究所取得純藝術碩士學位，1999年以傑出視覺藝術家身分獲永久居留權後定居紐約。旅美期間主要從事藝術創作、藝術評論寫作及展覽策劃。作品曾於甘迺迪美術館、Ise藝術基金會、因特拉肯藝術中心、軍團藝術中心等地展出。近年來並策劃有「越界」（Crossing the Line）、「唐寧計劃」（Downing Project）、「布魯克林藝術家系列展」（Brooklyn Artists Series）、「未知／無限：數位時代之文化與自我認知」（Unknown/Infinity）等展覽。目前任教於普拉特藝術學院(Pratt Institute)及帕森斯設計學院（Parsons School of Design），教授素描、互動媒體及網路藝術等相關課程。
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读后感
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用户评价
说实话，我最初对这种结合了技术和人文的主题是持保留态度的，总觉得两边都难以深入，容易流于表面。但这本书成功地找到了一个绝妙的平衡点。它的结构设计非常巧妙，好像两条平行的河流，一条讲述着艺术理论的宏大叙事，另一条则紧密地跟踪着新兴数字工具的发展轨迹。令人惊喜的是，作者并没有简单地将它们并置，而是清晰地展示了两者之间的“张力”与“共谋”。特别是关于“数据可视化”作为一种新的艺术表达形式的讨论，简直是全书的点睛之笔。作者不仅展示了数据美学本身的魅力，更深入地揭示了数据背后隐含的权力结构和意识形态偏见。这让我意识到，即使是最客观的“信息展示”，也从未逃离“表达”的范畴。这本书的行文风格非常克制，没有过多的情绪渲染，而是依靠扎实的论据和精妙的逻辑推进，一步步建立起坚实的论证大厦。对于那些希望从哲学层面理解当前视觉文化的读者来说，这无疑是一剂强心针。
评分这本书的独特之处在于它提供了一种“跨界对话”的范式。它不仅仅是关于艺术或技术的一方之言，而是致力于搭建一个平台，让不同领域的思考者能够在此汇合。我注意到，作者在引用和借鉴时，不仅局限于艺术评论界，还大量参考了信息论、认知心理学乃至媒体社会学的最新研究成果。这种广博的知识视野，使得他对“媒介本体论”的探讨显得格外全面和立体。最让我感到兴奋的是，它没有将“數位時代”视为一个不可逆转的宿命，而是强调了主体在技术环境中的能动性。它鼓励读者去思考：在强大的技术框架下，我们如何仍然能创造出具有人文关怀和独立精神的“艺术语言”？这种对未来可能性的探讨，充满了希望而非绝望。这本书的论述逻辑环环相扣，像一个精密的机械装置，每一个齿轮的转动都清晰可见，最终导向一个令人信服的宏大结论，绝对是近年来不可多得的佳作。
评分这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种哑光的质感，配上烫金的字体，透着一股低调的奢华。我原本是冲着这个“數位時代”的字眼来的，以为会是一本探讨技术如何重塑我们日常交流的严肃学术著作。然而，翻开内页，我发现内容远比预想的要丰富得多。它没有陷于枯燥的理论堆砌，而是巧妙地将艺术史的脉络与当下的媒介变迁编织在一起。尤其是一些对早期媒介（比如摄影的诞生）与现在虚拟现实（VR）之间那种跨越时空的对比分析，简直是教科书级别的洞察力。作者对于“符号学”的运用达到了炉火纯青的地步，仅仅通过对几个经典视觉作品的拆解，就能让你对“信息过载”的时代背景有一个全新的、带着美学高度的理解。我特别欣赏它在讨论“互动性”时，没有简单地赞美技术带来的便利，反而深入挖掘了这种互动性对艺术创作主体性的侵蚀与重塑，这种批判性的视角非常难得。读完前三分之一，我已经感觉到自己的思维模式正在被潜移默化地调整，不再满足于信息的快速接收，而是开始对信息背后的“编码”和“解码”过程产生浓厚的兴趣。这种对深层机制的挖掘，是很多同类书籍所欠缺的。
评分这本书的深度远超乎我预想，它像一把手术刀，精准地剖开了当代文化肌理中那些我们习以为常却从未深究的运作机制。我尤其欣赏它对“再现”（Representation）概念的重新定义。在传统艺术语境中，“再现”意味着模仿或投射。但在数字复制和无限编辑的背景下，作者提出了“超再现”或“流变再现”的概念，探讨了图像如何在网络空间中不断地自我增殖和异化。这种对核心艺术理论的现代性重构，展现了作者扎实的理论功底。整本书读下来，感觉像是完成了一次高强度的智力体操。作者的遣词造句精准且富有张力，很少有冗余的表达，每一个段落似乎都承载着密集的思想信息。它不是一本用来消遣的书，更像是一份需要反复咀嚼和思考的思维导引手册。读完之后，我发现自己看任何一个数字界面，都会不自觉地进行深层次的符号学解读，这种思维习惯的改变，是我阅读这本书获得的最宝贵财富。
评分拿到这本书时，我有点担心它会是那种故作高深的“学院派”作品，充斥着晦涩难懂的术语和只有少数圈内人才能理解的典故。幸运的是，作者的叙事节奏把握得极好，仿佛一位经验丰富的导游，带着你穿越一片充满迷雾的知识丛林。他擅长用非常具象化的例子来阐释抽象的概念。比如，当谈到“算法策展”对个人审美的影响时，他没有直接引用复杂的社会学模型，而是举了一个我们每天都会接触到的电商推荐页面的例子，一下子就把理论的距离拉近了。更让我拍案叫绝的是他对“瞬间性”的探讨。在当下这个追求即时反馈的时代，艺术的“凝固性”和“永恒性”似乎正在被消解。作者用诗意的笔触描绘了数字时代中，我们如何习惯于消费那些转瞬即逝的视觉碎片，以及这种消费习惯如何反过来塑造了我们对“美”的感知阈值。这本书的价值在于，它不仅仅是在描述现象，更是在引导读者反思自己的观看方式和思维习惯，它提供了一种“慢下来”的工具，让你在信息洪流中找到一个立足点，重新审视自己对艺术的期待。
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