二十世紀歐美音樂風格 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:揚智

作者:馬清

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:20000701

价格:NT$ 250

装帧:

isbn号码:9789578181359

丛书系列:

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• 音乐
• 音乐史
• 欧美音乐
• 二十世纪音乐
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二十世紀歐美音樂風格：一場聆聽盛宴，一段跨越百年的探索 本書並非旨在窮盡二十世紀歐美音樂的萬千面貌，也非試圖將其歸納為某種單一的、無所不包的論斷。相反，它是一場精心策劃的聆聽之旅，一則邀您一同走進那段充滿革新、碰撞與激情的音樂歲月。我們將以一種開放、批判且充滿敬意的姿態，回溯自世紀之初至今，歐美音樂版圖上那些最為顯著、最具影響力，同時也最能觸動我們靈魂的風格脈絡。 從世紀初的古典音樂巨擘，如馬勒、德布西、荀貝格等，他們如何挑戰傳統的調性框架，開啟了音樂表現的無限可能。我們將探究印象主義如何以其朦朧的色彩感與自由的結構，描繪出流動的光影與情感的細微差別；同時，也將深入了解表現主義如何在極致的個人情感表達中，挖掘出人類內心深處的掙扎與不安。十二音列技法，這項由荀貝格開創的革命性創作手段，不僅重塑了音高的組織方式，更為音樂的未來發展留下了深刻的印記。 接著，我們將目光轉向爵士樂的崛起。從紐奧良的熱情奔放，到芝加哥的精緻演繹，再到紐約的百花齊放，爵士樂以其即興的魅力、搖擺的節奏、藍調的靈魂，徹底改變了音樂的基因。路易斯·阿姆斯壯的銅管樂聲，艾靈頓公爵的管弦樂編曲，查理·帕克的薩克斯風即興，Miles Davis的冷爵士與融合風格，每一位大師的創新都為爵士樂注入了新的生命。我們將探討爵士樂如何從一個邊緣化的音樂形式，發展成為一種全球性的文化現象，其影響力滲透到流行音樂的方方面面。 搖滾樂的誕生與演變，則是二十世紀下半葉最為耀眼的篇章。從貓王Elvis Presley的搖擺舞姿，到披頭四The Beatles的音樂實驗，再到滾石樂隊The Rolling Stones的硬朗風格，搖滾樂以其反叛的精神、直接的表達和強烈的節奏，成為了年輕一代的心聲。我們將追溯搖滾樂如何從簡單的四和弦發展出迷幻搖滾、民謠搖滾、硬搖滾、朋克搖滾、新浪潮等眾多分支，每一種風格都代表著不同的時代精神與社會思潮。鮑勃·迪倫的歌詞詩意，齊柏林飛艇Led Zeppelin的史詩編曲，皇后樂隊Queen的華麗舞台，Queen的歌劇式唱腔，這些都構成了搖滾樂豐富多彩的畫卷。 電子音樂的興起，標誌著音樂創作進入了一個全新的紀元。從合成器的早期應用，到舞曲、氛圍音樂、工業音樂的發展，電子音樂以前所未有的方式拓展了聲音的可能性。我們將探討克拉夫特瓦克Kraftwerk如何利用電子設備創造出獨特的機械美學，以及後來電子音樂如何在舞池中釋放出強大的感染力，催生了浩室音樂、傳思音樂等眾多衍生風格。 同時，本書也將觸及一些常常被傳統音樂史敘述所忽略，卻同樣極具價值的音樂類型。例如，美國的民謠音樂，它承載著歷史的記憶與民間的智慧；藍調音樂，它以其深刻的情感力量，成為了許多後續音樂風格的基石；鄉村音樂，它描繪了美國廣袤土地上人們的生活與情感。還有百老匯音樂劇的戲劇張力，電影配樂的敘事功能，以及各種實驗性音樂的邊緣探索。 我們將試圖理解這些風格是如何在特定的歷史、社會、技術背景下孕育而生的，它們之間是如何相互影響、相互滲透的。例如，爵士樂對古典音樂的和聲影響，搖滾樂對電子音樂的節奏借鑒，以及各種風格如何融合，催生出新的音樂表達。 這本書更側重於一種“聆聽”的體驗，而非枯燥的理論堆砌。我們希望讀者在閱讀的過程中，能夠彷彿置身於音樂現場，感受不同時代的脈動，理解不同風格的獨特魅力。我們將引導您辨識音樂中的關鍵元素，理解作曲家與演奏家的創作意圖，並從中發現音樂如何反映和塑造我們所處的世界。 這是一次關於耳朵的冒險，一次跨越語言與國界的對話。我們鼓勵您在閱讀的同時，去尋找、去聆聽這些風格的代表性作品，讓文字成為您探索音樂世界的指南，最終，讓音樂本身成為最動人的解讀。二十世紀歐美音樂的廣袤畫卷，等待著您的參與，一同繪就屬於您自己的聆聽記憶。

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我对这本书的总体观感是，它更像是一部聚焦于“理论构建”而非“风格实践”的学术论文集。我本想从中找到一些关于美国音乐家如何与欧洲移民带来的各种传统相互碰撞、融合出新的风格的详尽描述，特别是关于二十世纪中期，比波普（Bebop）爵士乐如何从底层的社群中迸发出来，挑战了当时僵化的音乐规范的细节。然而，书中对此类社会文化背景的描绘非常薄弱，更多的是关注于和声结构上的创新和节奏上的复杂化，分析的角度显得有些“脱离群众”。比如，书中对“自由爵士”的讨论，几乎完全集中在其对传统调性的摒弃上，却几乎没有触及到那个年代美国社会结构变迁和种族议题对这种“反叛”音乐的深刻影响。阅读起来，总觉得缺少了一种“人味儿”和“故事性”，知识点堆砌感较重，未能将音乐风格的演变与社会变迁紧密地联系起来，使得那些风格的“诞生”显得有些突兀和缺乏必要的铺垫。

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拿到这本《二十世紀歐美音樂風格》的时候，我最大的期待是能对六七十年代的摇滚乐进行一次彻底的解构。我对迷幻摇滚、前卫摇滚（Prog Rock）的那些宏大叙事和复杂的编曲结构一直抱有浓厚的兴趣，总想弄明白为什么齐柏林飞艇和粉红弗洛伊德能把一张专辑做成一部交响诗。遗憾的是，书中对这些黄金时代的摇滚乐的篇幅分配显得相当吝啬，几乎一笔带过，更多的是将笔墨集中在了对早期古典主义音乐在二十世纪的继承与反思上，比如勋伯格的十二音体系对后世流行音乐和电影配乐的潜移默化影响。这种侧重让我感到有些失落，因为我更想读到那些吉他手如何将失真效果推向极致，鼓手如何打破传统的四四拍节奏，展现出那种野蛮生长的原始力量。书中的语言风格也偏向于欧洲大陆的哲学思辨，常常使用一些非常抽象的概念来描述音乐的“本质”，这使得我这样的听众很难将理论与我熟悉的那些震撼心灵的音轨联系起来。我尝试着去理解它所构建的音乐谱系图，但最终还是败给了那些晦涩的术语和跳跃性的时间线索。

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坦白讲，这本书的装帧设计和排版给我留下了深刻的印象，纸张质感极佳，字体选择典雅，完全配得上“研究性著作”的名头。然而，内容方面，我原本是冲着对美国乡村音乐和早期布鲁斯在美国南部的起源故事去的。我渴望了解罗伯特·约翰逊指下的那把吉他如何承载了那个时代的苦难与希望，以及乡村音乐是如何一步步被白人音乐家吸收、演变，最终成为主流文化的一部分。但这本书似乎对这些“民间根源音乐”持有一种居高临下的态度，将其视为一种需要被“艺术化”和“规范化”的前奏。它花费了大量篇幅探讨了二十世纪中叶“严肃音乐”家们对民间音乐元素的引用，却鲜少描绘民间音乐本身那种未经雕琢的生命力。阅读过程中，我总感觉自己像是在一个布置精美的博物馆里，看着被玻璃罩住的展品，而不是身处一个烟雾缭绕的酒吧里，感受音乐的脉搏。这本书更像是一部音乐史的“白描”，而非充满“色彩”的口述史。

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这本书的野心显然是想绘制一幅跨越整个世纪、涵盖整个欧美大陆的宏大音乐地图，但这种广度似乎牺牲了深度。我特别留意了关于二十世纪后半叶，特别是八十年代合成器流行（Synth-Pop）和早期嘻哈（Hip-Hop）的章节，希望能看到对于技术革新如何彻底重塑音乐生产和传播方式的深入分析。我期待看到关于采样技术如何被滥用又如何被创造性地发掘，以及电子鼓机如何取代传统乐队编制的详实记录。但这些内容在书中被极度压缩，仿佛只是作为一种“技术脚注”存在，而非作为驱动音乐风格变革的核心力量来讨论。相反，作者花费了大量篇幅去探讨一些听众几乎无感的、极小众的欧洲先锋派音乐流派，并将其置于核心地位。这使得整本书的阅读体验变得头重脚轻，对于关注现代流行文化和音乐科技影响的读者来说，这本书提供的价值非常有限，更像是一份只对古典乐和早期现代音乐感兴趣的专业人士的案头必备，对于想要了解我们当下音乐文化根源的年轻人来说，指引性不强。

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这本关于二十世纪欧美音乐风格的书籍，光是厚度就让人望而生畏，我原以为能从中找到一些关于爵士乐早期发展脉络的清晰梳理，毕竟那个年代的流变是音乐史上最引人入胜的篇章之一。然而，翻开前几页，我看到的更多是关于战后实验音乐和电子乐的冗长论述，这些内容虽然专业，但对于一个热衷于布鲁斯和摇摆乐黄金时代的普通爱好者来说，显得过于晦涩和学院派了。书中对于巴萨诺瓦（Bossa Nova）的提及，也仅仅是蜻蜓点水，仿佛只是作为一种“异域风情”的点缀，而非真正深入探讨其在欧美音乐融合中的关键作用。我期待看到更多关于路易斯·阿姆斯特朗如何影响了流行音乐的转折点，或者查理·帕克如何用他的高音萨克斯颠覆了既有和声体系的生动案例，但这些内容似乎被大量的乐理分析和后现代思潮的引用所淹没了。这本书更像是写给音乐史博士生的一份参考资料，而非为广大乐迷准备的普及读物，阅读体验上，着实需要极大的耐心和专业的背景知识储备。我希望作者能用更具画面感的语言，带领我们重温那些在地下酒吧里孕育出的、充满生命力的音乐革命瞬间，而不是沉溺于枯燥的风格划分和复杂的理论建构之中。

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