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出版者:美樂

作者:音樂之友社林勝儀譯

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:19970201

价格:NT$ 180

装帧:

isbn号码:9789578442016

丛书系列:

图书标签:

• 古典音乐
• 交响乐
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• 音乐理论
• 音乐

《交响曲》是一部深刻探索人类情感与生命哲学的长篇小说。故事围绕着一位名叫艾莉亚的年轻作曲家展开，她身处一个动荡不安的时代，个人命运与宏大的历史洪流紧密交织。 艾莉亚从小就展现出非凡的音乐天赋，她的灵魂仿佛与旋律共鸣。然而，她的成长之路并非坦途。出生在一个没落的贵族家庭，她早早体会到了世态炎凉与命运的无常。在她心中，音乐是唯一的慰藉，也是她与世界沟通的方式。她将内心所有的喜悦、悲伤、愤怒与希望，都倾注于她的创作之中。 故事的开篇，我们跟随艾莉亚的视角，目睹了她在家乡小镇的童年时光。那是一个充满诗意却也潜藏着不安的时代。战争的阴影渐渐笼罩，社会秩序开始崩塌。她对音乐的热爱，让她结识了一群志同道合的朋友，他们共同分享对艺术的追求，也一同面对现实的残酷。其中，与一位名叫马克斯的青年哲学家的相遇，对艾莉亚产生了深远的影响。马克斯的思想深邃，他对生命、自由和存在的质疑，激发了艾莉亚更深层次的思考，也让她开始审视自己音乐的意义。 随着时代的发展，艾莉亚离开了家乡，前往繁华的都城。在那里，她有机会接触到更广阔的艺术圈，也面临着更严峻的挑战。她的才华得到了初步的认可，但也招致了嫉妒与排挤。在这个过程中，她经历了爱情的萌动与幻灭，体验了创作的瓶颈与突破。她的第一部交响曲《黎明》的诞生，是对她内心挣扎与成长的真实写照。这首乐曲以其磅礴的气势和细腻的情感，在音乐界引起了轰动，也让她声名鹊起。 然而，随之而来的名利并没有给她带来真正的平静。她发现，即使在聚光灯下，内心的孤独感依然挥之不去。社会的动荡愈演愈烈，曾经的理想在现实面前显得脆弱不堪。她开始怀疑自己的音乐是否真的能够改变什么，或者仅仅是时代的悲鸣的回响。 在人生的低谷时期，艾莉亚偶然读到了一位古老智者的著作，其中关于“无我”与“大爱”的论述，为她打开了新的视角。她开始尝试将自己的创作从个人的情感抒发，转向对更广阔世界的关怀。她的第二部交响曲《静水流深》，便是这一转变的标志。这部作品不再仅仅是个人情感的宣泄，而是对生命韧性、群体生存和人性光辉的深刻描绘。她试图通过音乐，传递一种超越个人得失的温暖与希望。 小说的后半部分，艾莉亚在战火纷飞的年代中艰难前行。她亲身经历了饥饿、贫困和分离，目睹了无数生命的消逝。在极端的环境下，她被迫中断了创作，甚至一度怀疑自己是否还能拿起指挥棒。然而，正是那些在绝境中依然闪耀的人性之光，支撑着她重新站起来。她利用自己的影响力，组织音乐会，为受难者筹集物资，用音乐抚慰人们受伤的心灵。 她与马克斯的友谊也在时间的考验中愈发深厚，尽管他们的人生道路各有不同，但对真理的追求和对美好的向往，让他们始终保持着精神上的联系。在一次偶然的机会，他们重逢，在彼此的交流中，都找到了失落已久的慰藉与力量。 小说的结局，并没有一个明确的“胜利”或“失败”。艾莉亚在经历了人生的起起伏伏后，终于找到了自己内心深处的力量。她的音乐，不再是单纯的艺术品，而是承载着生命体验和人文关怀的载体。她最终完成了她的最后一部交响曲，这部作品融合了她毕生的智慧、情感与对世界的理解。它不仅仅是一首乐曲，更是一个时代的缩影，一曲关于生命、爱与希望的永恒赞歌。 《交响曲》通过艾莉亚的个人经历，展现了一个时代变迁的宏大图景，以及在时代洪流中，个体如何寻找内心的平静与存在的意义。小说细腻地刻画了人物的复杂性，将音乐的抽象之美与现实的残酷现实巧妙地融合在一起，引人深思。它探讨了艺术的力量，以及在最黑暗的时刻，人性如何依然能够绽放出最耀眼的光芒。

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说实话，刚拿到这本关于《交響曲》的书时，我心里还有点打鼓，担心它会过于学术化，充斥着我不太熟悉的专业术语。结果，大出所料！这本书的叙事风格简直像是在听一位老乐团首席讲座，充满了生活气息和真情实感。作者显然不满足于仅仅介绍作品的结构，他更深入挖掘了那些作曲家们创作时的社会背景和个人情感纠葛。比如，他对德彪西《牧神午后前奏曲》的描述，没有用复杂的调性分析，而是着重于描绘那种阳光下慵懒、朦胧的印象派色彩，让我仿佛能闻到普罗旺斯夏日午后的花香。这种将音乐“视觉化”和“触觉化”的笔法，极大地降低了欣赏门槛。我最欣赏的是作者对“听觉的想象力”的培养，他会引导你去注意小提琴组在高音区的颤音如何暗示着不安，或者圆号的加入如何带来希望的曙光。读完后，我不再是机械地听着音乐的播放，而是开始主动地在脑海中构建场景，这本书极大地丰富了我的音乐体验，功德无量。

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这本《交響曲》的书籍，哎呀，简直是音乐爱好者的福音！我第一次翻开它的时候，就被作者那种对古典音乐，特别是交响乐那股深沉的热爱给深深吸引住了。它不是那种枯燥的乐理教科书，而是像一位经验丰富、热情洋溢的指挥家在耳边为你娓娓道来每一部伟大交响乐背后的故事。比如，谈到贝多芬的命运交响曲时，那种对“天人交战”的描绘，仿佛能让我听到那标志性的四个音符在耳边炸响，感受到作曲家内心的挣扎与最终的胜利。作者对不同乐章之间的情绪过渡拿捏得极其精准，如何从沉重的引子巧妙地转入轻快的快板，或者如何通过弦乐的对位来营造出史诗般的宏大场面，这些细节都被剖析得淋漓尽致。读着读着，我甚至有点后悔自己没有早点买来这本书，现在再去听马勒或者布鲁克纳的交响曲，感觉完全不一样了，每一个声部、每一个和弦的变化，都有了更深层次的理解和共鸣。它成功地架起了一座桥梁，连接了听众与那些尘封在乐谱中的灵魂。这本书，绝对值得每一个想真正“听懂”交响乐的人珍藏。

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这本书的编排和论述逻辑，在我看来，简直是教科书级别的典范。它没有采用时间顺序的简单罗列，而是根据“情感主题”进行了巧妙的划分。比如，有一个章节专门探讨“英雄主义与抗争”，把从海顿到肖斯塔科维奇中表现此类主题的作品穿插对比讲解，这种横向的对比分析，让读者能清晰地看到不同时代音乐家对“宏大叙事”的不同处理方式。从严谨的角度来说，作者对管弦乐配器的讨论也达到了极高的水准，他会细致地分析为什么某处要用双簧管而不是长笛来承载旋律，这种对音色潜能的挖掘，让人对配器艺术肃然起敬。不过，需要强调的是，尽管内容深度足够，但行文却始终保持着一种克制而优雅的腔调，绝不卖弄学问。对于那些想从一个更专业的角度去审视交响乐结构和配器技术的进阶听众来说，这本书提供了大量的思考素材，它不是简单的“入门指南”，更像是一本“精进手册”。

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说实在的，我是一个对音乐史不太感冒的人，我更关注的是音乐“听起来”的感觉。这本《交響曲》最打动我的，恰恰是它对“聆听体验”的尊重。作者似乎深知，很多听众（包括我自己）一开始是被旋律和宏大气场所吸引的，所以他没有一上来就用晦涩的理论轰炸我们。相反，他从大众最熟悉的曲目入手，比如柴可夫斯基的《1812序曲》中铜管的辉煌，或者莫扎特交响乐中清澈的结构美感。然后，在建立了这种亲近感之后，才缓缓地引入一些更深层次的探讨，比如奏鸣曲式的变奏如何服务于戏剧张力。最让我印象深刻的是书中对“指挥艺术”的探讨，作者花了相当的笔墨来描述不同指挥大师如何解读同一部作品，指出哪怕是相同的乐谱，在不同的指挥棒下，其内在的呼吸节奏和情感张力都会发生微妙而决定性的变化。这让我意识到，音乐欣赏是一个动态的过程，这本书教会我的，是如何成为一个更积极、更有参与感的聆听者。

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这本书的装帧设计和纸张质感也相当不错，拿在手里很有分量，一看就是用心制作的。但抛开这些外在因素，真正让我爱不释手的是它那种近乎“考古”般的挖掘精神。作者不仅关注那些耳熟能详的经典，还花了大量篇幅去介绍了一些被低估的作曲家，比如西贝柳斯或丹麦的尼尔森。他对于这些“非主流”的交响乐作品，给予了同等的热情和严谨的分析，这在很多同类书籍中是很难得的。他会毫不留情地指出某些作品的结构弱点，也会赞美那些超越时代的创新之处。这种平衡的、不盲从的评价态度，让我对作者的专业素养深信不疑。阅读这本书的过程，就像是进行了一次跨越世纪的音乐探险，它拓展了我对“什么是交响乐”的定义边界，让我明白了这种艺术形式的包容性和无限的可能性。总而言之，这是一次非常充实、收获颇丰的阅读旅程，强烈推荐给所有对声音艺术抱有好奇心的人。

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