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出版者:Routledge

作者:Noël Carroll

出品人:

页数:288

译者:

出版时间:1999-8-26

价格:GBP 20.99

装帧:Paperback

isbn号码:9780415159647

丛书系列:Routledge Contemporary Introductions to Philosophy

图书标签:

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艺术的哲学：探寻美的本质与意义 作者：[此处请自行填写一位假想作者的姓名，例如：伊莱亚斯·范德比尔特] 出版信息：[此处请自行填写一个假想的出版社和出版年份，例如：牛津大学出版社，2024年] --- 内容提要 《艺术的哲学》并非一部对美学理论的百科全书式罗列，而是一次深入的、批判性的哲学探险，旨在解构我们对“艺术”这一概念的既有认知，并审视其在人类经验中的核心地位。本书摒弃了对特定艺术流派或历史时期的简单回顾，而是聚焦于形而上学、认识论和伦理学三个维度，对艺术的本质、感知、价值和功能进行系统性的哲学溯源。 本书的核心论点在于，艺术并非一个固定不变的实体，而是一个在不同文化、历史阶段与哲学思潮中不断被构建和解构的概念场域。作者认为，理解艺术，必须先于理解人类如何“创造意义”和“感知实在”。 --- 第一部分：存在的界限——艺术的本体论探究 本部分旨在回答最根本的问题：什么是艺术？ 区别于手工艺、自然现象或纯粹的智力活动，艺术品在本体上占据何种地位？ 第一章：从“技艺”到“观念”的蜕变 本章追溯了“艺术”（Techne 或 Ars）概念自古希腊至现代的演变历程。重点分析了康德美学转向后，艺术与再现（Mimesis）传统的决裂。作者批判性地考察了杜尚的现成品（Readymades）如何将艺术的本体论重心从“制作的技能”彻底转移至“选择的意图”。在此过程中，我们探讨了艺术品的“独特性”与“可复制性”之间的张力，并引入了罗兰·巴特关于“作者之死”的讨论，以探究作品的“存在模式”。 第二章：本体论的真空：对“艺术品”定义的拒斥 本章的核心是挑战任何试图提供一个全面、普适的“艺术定义”的企图。作者借鉴了维特根斯坦家族相似理论（Family Resemblances）的视角，论证艺术作品之间只存在重叠的、非必要性的相似特征。我们深入探讨了“艺术界”（Artworld）的概念，并分析了乔治·迪基的制度论美学，但同时指出制度论的局限性——它解释了“谁决定什么是艺术”，却未能解释“艺术之所以成为艺术”的原因。本章最终导向一个结论：艺术的本体论地位，植根于它作为一种“悬置的实在”（Suspended Reality）的经验。 第三章：物的灵光：物质性与超验性 本章转向艺术品的物质载体。探讨了媒介（Medium）本身如何构成意义。从油彩的化学结构到数字像素的零与一，物质如何承载非物质的审美体验？作者引入了对“灵光”（Aura）概念的现代重释，不再局限于瓦尔特·本雅明关于机械复制时代的论述，而是考察在高度数字化的今天，艺术的物质性如何以“信息密度”的形式重新出现，以及这种密度的剥离对感知的影响。 --- 第二部分：经验的维度——艺术的认识论与感知 本部分关注的焦点是：我们如何认识艺术？ 艺术的理解是否依赖于客观事实的揭示，还是主体经验的建构？ 第四章：审美判断的结构：客观性与主观性的陷阱 本章批判性地审视了十八世纪以来关于审美判断的争论。作者认为，康德的“无功利性的合目的性”是一种精妙的心理描述，而非本体论陈述。我们分析了休谟的“精致的感官”（Delicate Taste）理论，并将其置于社会文化语境中进行考察。本书提出，审美判断的有效性，并非源于某种普适的先天规则，而是源于“共同感”（Sensus Communis）的暂时性协商。 第五章：意图的迷宫：创作者的意图与读者的自由 本章深入探讨了“意图谬误”的哲学意义。作者认为，无论是完全拥抱作者意图，还是完全抛弃意图，都是认识论上的简化。真正的艺术理解，存在于创作者的“可能性空间”与接收者的“阐释空间”的交汇处。我们探讨了符号学在揭示潜意识结构中的作用，并论证了艺术作品作为一种“多义的场域”（Polysemic Field）的本质，这种多义性是其认识论价值的来源。 第六章：时间性与叙事：艺术中的时间体验 艺术体验的认识论维度，不可避免地与时间概念相关联。本章分析了伯格森的时间观如何应用于对音乐和视觉艺术的理解。音乐中的“绵延”（Duration）与绘画中凝固的瞬间形成了鲜明的对比。我们考察了叙事艺术（文学、电影）中，时间结构如何反作用于我们对“真实”的认知，以及艺术如何通过“时间压缩与拉伸”来揭示存在的本质结构。 --- 第三部分：行动的伦理——艺术的功能与价值 本部分探究了艺术在人类社会实践中的“应该性”：艺术的终极价值何在？它在道德和社会生活中扮演何种角色？ 第七章：道德的避难所与批判的利刃 本章挑战了艺术“超脱于政治与道德”的传统观点。作者认为，艺术品一旦进入公共领域，便自动携带了伦理负载。我们考察了尼采关于艺术作为“生命意志”的辩护，并将其与阿多诺的“否定性美学”进行对比。艺术要么通过其形式的“拒绝性”（Negativity）对既有秩序进行伦理上的批判，要么通过提供替代性的、更美好的存在感来满足人类的慰藉需求。 第八章：审美教育的重构：从情感陶冶到批判意识 本章探讨了艺术教育的哲学基础。席勒的审美教育观被置于当代社会背景下重新审视。作者主张，艺术教育的目的不应是培养品味，而应是培养“感知力”——即对世界中细微差异和潜在结构进行辨识的能力。这种感知力是公民社会中抵御意识形态操控的关键能力。 第九章：终结的意义：艺术的“无用之用” 在技术理性主导的时代，艺术的“无用性”往往成为其被贬低的原因。本章旨在为艺术的无用性辩护。引用海德格尔对艺术作品“事件”（Event）的阐释，我们论证了艺术的价值恰恰在于其“去工具化”的特性。艺术提供了一个不以效率、功利或可测量性为标准的生存空间，这是人类精神自由的最后疆域。艺术的终极功能，在于使我们能够再次“观看”与“感受”被日常惯性磨损的实在。 --- 结语：在不确定的世界中寻求确证的冲动 《艺术的哲学》最终没有提供一个简单的答案，而是试图揭示问题自身的复杂性。艺术，是人类在面对世界的虚无与意义的匮乏时，所迸发出的最持久、最富创造性的回应。它是一种永恒的追问，而非一个已知的陈述。 本书适合对象： 哲学系学生、艺术史研究者、对审美经验有深刻探究兴趣的知识分子。

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《哲学与艺术》这本书，如同一位睿智的长者，在我迷茫时，为我指点迷津。我一直对艺术创作的过程充满好奇，但总觉得艺术家仿佛拥有一种神秘的天赋，是凡人难以企及的。然而，在书中，作者将艺术创作的过程，分解为一系列可理解的哲学命题。他深入探讨了“灵感”的来源，它并非神秘的降临，而是艺术家长期积累、观察、思考的产物。他分析了艺术家的“选择”与“约束”，他们既要忠于内心的冲动，也要遵循艺术创作的规律和媒材的限制。我尤其对书中关于“艺术的社会功能”的论述印象深刻。作者并没有将艺术仅仅视为个人情感的抒发，而是强调了艺术在社会发展中的重要作用。艺术能够记录历史，传承文化，传递价值观，甚至能够成为推动社会变革的催化剂。我开始意识到，我之前对艺术的理解，过于狭隘，而忽略了它所承载的社会意义。这本书让我明白，欣赏艺术，不仅仅是孤芳自赏，更是一种与社会、与历史的连接。

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我最近拜读了一本名为《哲学与艺术》的书，虽然我并非专业的艺术史研究者，但这本书给我带来的启发和思考却是海量的。初翻开时，我被其开阔的视野所吸引，作者并没有局限于某种特定的艺术流派或时期，而是像一位耐心的向导，带领读者穿越古今，从古希腊的哲学思辨，到现代的观念艺术，触及了绘画、雕塑、音乐、文学、戏剧乃至电影等多种艺术形式。书中探讨的“美是什么？”、“艺术的功能是什么？”、“创造性的本质何在？”等问题，虽然古老，却在作者的笔下焕发出新的生命力。我尤其欣赏作者在分析过程中所展现出的严谨逻辑和深刻洞察力。例如，在讨论柏拉图的“模仿说”时，他不仅清晰地阐述了其核心观点，更深入分析了其理论在不同历史语境下的演变和争议，并引用了亚里士多德的观点进行对比，使得读者能更全面地理解这一艺术哲学史上的重要命题。更难得的是，书中并未将哲学理论束之高阁，而是巧妙地将其与具体的艺术作品相结合。当我读到作者分析梵高的《星夜》时，那份对生命力量的呐喊，对宇宙奥秘的敬畏，在哲学理论的映照下，似乎被赋予了更深沉的含义。这种将抽象概念具象化，将理论与实践融会贯通的写法，极大地降低了哲学阅读的门槛，让即使是初涉此领域的读者也能沉浸其中，获得深刻的理解和共鸣。书中的论证并非一成不变，作者时而展现出对某个理论的坚定立场，时而又提出疑问，引导读者自行探索。这种开放性的讨论方式，鼓励我独立思考，形成自己的观点，而不是被动接受既定的结论。整本书读下来，我感觉自己的视野被极大地拓宽了，对于艺术的理解不再仅仅停留在表面的欣赏，而是能够深入到其背后所蕴含的思想、情感和文化基因。

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我必须坦诚，《哲学与艺术》这本书，在相当长的一段时间里，都让我处于一种“颠覆”与“顿悟”并存的状态。我曾以为，艺术的价值在于其能够“复制”或“表现”现实，它是一种对客观世界的映照。然而，书中关于“艺术的创造性”的论述，彻底改变了我的看法。作者强调，艺术不仅仅是对现实的模仿，更是对现实的超越和重塑。艺术家通过自身的想象力和情感，将无形的思想转化为有形的作品，创造出一个全新的、独立的艺术世界。这一观点，让我对达利、马格利特等超现实主义艺术家的作品有了全新的理解。我曾对他们的作品感到困惑，觉得它们脱离现实，荒诞不经。但现在我明白，他们的“荒诞”正是他们对现实进行大胆解构和重构的尝试，是为了揭示隐藏在现实表象之下的更深层次的真实。书中对“艺术的解放作用”的描绘也让我深受触动。作者指出，艺术能够打破人们固有的思维模式，挑战既定的社会规范，为人类的解放和进步提供新的可能。我联想到那些曾经被视为“异端”的艺术作品，是如何在后来逐渐被接受，并成为推动社会变革的力量。这种对艺术潜能的深刻认知，让我对艺术的未来充满了期待。

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我必须说，《哲学与艺术》这本书，在某种程度上颠覆了我对艺术的固有认知。我一直以为，艺术就是一种技巧的展现，是美好事物的描绘。然而，这本书让我看到了艺术更为深邃的另一面——它是一种思想的载体，一种情感的宣泄，一种对世界的独特解读。作者在书中对“形式与内容”的关系进行了深入的剖析。他指出，脱离了内容的空洞形式，或者缺乏形式的芜杂内容，都无法构成真正意义上的艺术。这种辩证的观点，让我明白了为何有些作品虽然技巧精湛，却显得乏味，而有些作品看似粗糙，却能触动人心。书中对于“美学的悖论”的讨论也极具启发性。例如，为什么有些令人不安的画面，也能产生强烈的艺术感染力？为什么一些痛苦的经历，在艺术家的笔下，反而升华为一种崇高的美？作者通过对这些看似矛盾的现象进行哲学层面的解读，让我得以理解艺术所具有的包容性和超越性。我开始意识到，艺术并非总是迎合大众的审美趣味，它有时甚至是反叛的，是挑战的。这本书并非一本枯燥的理论著作，作者在论述中穿插了大量的艺术史案例和哲学思想家的观点，使得整本书读起来既严谨又不失趣味。我尤其欣赏他将不同哲学流派对艺术的看法进行梳理和比较，这让我得以窥见艺术哲学思想的演变脉络，并从中找到自己认同或质疑的视角。

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当我翻开《哲学与艺术》这本书时，我并没有预设它会给我带来怎样的震撼，但阅读的过程却是一次又一次的惊喜。我曾以为，哲学是阳春白雪，艺术是风花雪月，两者看似关联不大。然而，这本书却将它们巧妙地融合在一起，展现出一种非凡的魅力。作者在书中对“艺术的永恒性”进行了探讨。他分析了为何某些艺术作品能够跨越时空，历久弥新，而另一些作品却很快被遗忘。这并非仅仅是技巧或题材的因素，更在于其背后所蕴含的普世情感和深刻思想。这种对艺术生命力的探寻，让我对那些伟大的艺术作品，生出一种由衷的敬畏。书中关于“艺术与自由”的论述也让我感触颇深。作者认为，艺术创作本身就是一种自由的体现，它不受功利目的的束缚，能够自由地表达思想和情感。同时，艺术也能够解放人们的心灵，拓展人们的视野，赋予人们更广阔的精神空间。这本书为我打开了一扇了解艺术的全新大门，我从中不仅获得了知识，更获得了一种看待世界、看待生活的新方式。

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《哲学与艺术》这本书，像一位循循善诱的智者，引领我进入了艺术哲学那广阔而迷人的世界。在阅读过程中，我最大的感受就是，我不再是被动地接受关于艺术的“知识”，而是开始主动地“思考”艺术。作者并没有试图灌输给我一个固定的艺术定义，而是通过层层递进的哲学问题，引导我一步步地探索艺术的本质。我至今仍清晰地记得，书中关于“艺术家意图”的讨论。作者提出了一个引人深思的问题：当观众对一件艺术品的解读与艺术家的原始意图大相径庭时，哪一种解读更具“真理性”？这个看似简单的问题，却触及了艺术创作和接受过程中最核心的矛盾。它让我意识到，艺术的魅力在于其开放性和多义性，在于它能够引发观众丰富的联想和个性化的体验，而不仅仅是复述艺术家的想法。书中对“艺术的普遍性与特殊性”的探讨也让我受益匪浅。我曾一度认为，真正的艺术应该是能够跨越文化和时空的，具有普遍意义的。但作者提醒我，艺术也深深植根于其创作的时代背景和社会语境之中，那些具有独特地域特色和时代精神的作品，同样具有不可估量的价值。这种对艺术复杂性的深刻认识，让我对不同文化背景下的艺术作品，都能抱持一种更加尊重和包容的态度。

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《哲学与艺术》这本书，仿佛为我打开了一扇通往艺术殿堂的神秘之门。我一直以来都对艺术充满好奇，但总觉得隔着一层纱，无法真正触及它的核心。这本书正是那把钥匙，它用一种极其细腻而富有逻辑的方式，揭示了艺术之所以为艺术的根本原因。我尤其对书中关于“艺术的自主性”的论述印象深刻。作者挑战了那些将艺术仅仅视为宗教、政治或商业附庸的观点，强调了艺术自身独立的价值和使命。他通过回顾历史上的诸多艺术革命，阐述了艺术家如何在不断的探索中，挣脱束缚，为我们带来前所未有的审美体验。我之前对某些“先锋艺术”的排斥感，在读完这部分内容后，有了极大的转变。我开始明白，那些看似“怪诞”的艺术形式，或许正是艺术家对现有秩序和思维定式的挑战，是对人类感知边界的拓展。书中对“真实性”在艺术中的地位的探讨也让我深思。是模仿现实的逼真，还是情感的真挚，抑或是观念的原创，更能代表艺术的“真实”？作者并没有给出唯一的答案，而是引导读者去思考不同维度下的“真实”，这激发了我对于艺术评价标准本身的思考。这本书不只是关于艺术的理论，更是关于如何“看”艺术，“理解”艺术，甚至“感受”艺术。它教会我，欣赏艺术，不仅仅是眼睛看到的，更是心灵体悟的过程，是一场跨越时空的对话。

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《哲学与艺术》这本书，对我而言，更像是一场深入的“哲学对话”，而非单向的知识传授。作者以一种极其谦逊而又充满智慧的方式，邀请我参与到对艺术本质的探索之中。我尤其欣赏书中对“情感在艺术中的地位”的论述。我曾以为，艺术创作必然源于强烈的情感驱动，而作品的价值也体现在其能否引发观众强烈的情感共鸣。但作者却引导我思考，是否所有艺术都必须以情感为核心？是否存在一种“冷”的艺术，一种纯粹以观念或形式为导向的艺术？这种对艺术多样性的尊重和探索，让我不再局限于狭隘的个人感受，而是开始尝试理解那些以理性、逻辑或观念为主要表达方式的艺术作品。书中关于“艺术的边界”的讨论也让我深思。随着科技的发展，影像、装置、行为艺术等新兴的艺术形式层出不穷，它们模糊了艺术与其他领域的界限。作者并没有试图给艺术下一个绝对的定义，而是鼓励读者去思考艺术的可能性，去拥抱艺术的不断演变和拓展。我从中获得的最大启示是，对艺术的理解，不应固步自封，而应保持开放的心态，去接纳和探索未知。

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这本书给我带来的冲击，绝非仅仅是知识的增长，更是一种思维方式的重塑。作者在《哲学与艺术》中，以一种近乎解剖学的细致，剖析了艺术创作背后那些难以言说的冲动和动机。他不仅仅是在描述“是什么”，更是在追问“为什么”。我曾对一些现代艺术作品感到困惑，它们似乎挑战了我长久以来对“美”和“艺术”的认知。但随着阅读的深入，我逐渐理解了作者所强调的“观念”的重要性。他指出，在某些艺术形式中，艺术家的思想和意图，甚至比最终呈现出来的物质形态更为关键。这让我反思，我之前对艺术的评价标准是否过于狭隘，是否过于注重形式和技巧，而忽略了艺术所承载的思想深度和人文关怀。书中关于“观众的角色”的探讨也让我耳目一新。作者并没有将观众简单地视为被动接受者，而是强调了观众在艺术解读过程中的能动性。他认为，一件艺术作品的意义，很大程度上是由观众的经验、文化背景和情感投射所共同构建的。这一观点让我意识到，我所感受到的艺术体验，并非完全来自艺术品本身，而是我与艺术品之间一次复杂而独特的对话。我开始尝试以更开放的心态去面对不同风格的艺术，不再轻易地用“喜欢”或“不喜欢”来标签化，而是努力去理解艺术家想要传达的信息，去感受作品所引发的情感共鸣。这种理解的深化，让我在观赏艺术时，从单纯的视觉或听觉享受，跃升到一种精神层面的交流，这对我来说，是一次非常宝贵的成长。

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这本书《哲学与艺术》，就像是给我打开了一个全新的视角，让我得以重新审视那些曾经被我忽视或误解的艺术品。我曾一度认为，艺术的价值在于其“美感”，在于能够愉悦人的感官。然而，作者在书中对“丑”与“艺术”的关系的探讨，却让我大开眼界。他指出，并非只有“美”才能成为艺术，那些带有批判性、反思性甚至令人不安的作品，同样具有深刻的艺术价值。他通过分析一些具有挑战性的艺术作品，揭示了“丑”在艺术中所扮演的特殊角色——它能够唤醒人们沉睡的意识，揭露社会的阴暗面，促使人们进行深刻的反思。这种对艺术复杂性的理解，让我对那些曾经让我感到不适的艺术作品，开始抱有更多的敬意和好奇。书中对“艺术与真理”的关联也进行了深刻的探讨。作者并没有简单地将艺术等同于模仿现实，而是认为艺术能够以其独特的方式，揭示事物的本质，触及更深层次的“真理”。这种观点，让我开始理解为何有些艺术作品能够经受时间的考验，流传至今，依然能够引起人们的共鸣。

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An eminent introduction of philosophy of art!

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An eminent introduction of philosophy of art!

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确实清晰而且好读。不过论证不尽完全禁得起推敲，很多地方是想当然耳。只可以作为各个流派的观点介绍来读，顺便也可以了解一些分析哲学的方法。

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精细的行文和粗糙的靶子

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精细的行文和粗糙的靶子