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出版者:九十九度

作者:邱顯德

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004年03月08日

价格:NT$ 360

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isbn号码:9789572930809

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• 西藏
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《星辰下的古城：敦煌壁画的千年回响》 引言：穿越时空的色彩史诗 在广袤的河西走廊深处，一座被流沙掩埋又奇迹般重现的佛教艺术宝库——敦煌莫高窟，静静地诉说着千年的信仰、艺术与文明的交融。本书并非聚焦于某条地理上的漫漫征途，而是一次精神上的深度探险，带领读者潜入那斑驳的土壁之上，去聆听、去解读那些沉睡了上千年的色彩与线条所发出的震撼回响。 《星辰下的古城：敦煌壁画的千年回响》是一部集历史考证、艺术鉴赏与文化解读于一体的深度探究之作。它旨在揭示，在这片干燥的土地上，不同朝代、不同民族的匠人，是如何通过壁画这一媒介，构建了一个宏大而细腻的佛教宇宙，以及这个宇宙如何折射出古代丝绸之路上的社会风貌与精神诉求。 第一部分：流沙中的孤岛——敦煌的兴起与壁画的源流 本书的开篇，将时间回拨至十六国时期，探讨敦煌城作为连接中原与西域的枢纽地位，如何为佛教艺术的汇聚提供了天然的温床。我们不会简单罗列洞窟的编号，而是着重分析早期壁画的艺术特征——那些源自犍陀罗、笈多王朝的异域元素，是如何被本土的笔法所吸收和改造，形成早期的“西域风格”。 详细剖析北魏、西魏、北周时期的“秀骨清像”与“褒衣博带”风格的演变，着重考察壁画中人物造型、衣袂飘举的动态感，以及色彩的纯粹性。我们将深入分析“说法人”与“供养人”形象的变迁，这不仅是艺术史的课题，更是社会史的缩影——从贵族到商贾，不同阶层的愿力是如何被刻画在佛国殿堂之中。 第二部分：盛世的辉煌与世俗的描摹——唐代壁画的黄金时代 唐代，是敦煌艺术最为鼎盛的时期，壁画的题材、技法和规模都达到了前所未有的高度。本部分将重点阐述唐代壁画的三个核心主题： 1. 宏大的经变故事（Vignettes）： 重点解读《法华经变》、《弥勒下生经变》等巨幅画作的叙事结构和构图技巧。分析画家如何运用“散点透视”和“多层次空间”来组织复杂的故事情节，使画面既有史诗般的磅礴气势，又不失细节的生动性。我们将着重辨析盛唐与晚唐在风格上的细微差异，例如，盛唐的饱满健康与晚唐的内敛精微。 2. 世俗生活的百科全书： 敦煌壁画的伟大之处在于，它超越了单纯的宗教教化，成为了研究唐代社会风貌的珍贵图像资料。我们将细致入微地考察壁画中的仪仗、乐舞、服饰、建筑乃至饮食器皿。例如，分析一幅供养人像的服饰，如何能反映当时长安的时尚风向；研究伎乐天形象的演奏乐器，如何勾勒出丝绸之路上的音乐流变。 3. 晕染法的革新： 艺术技法层面，我们将详细描述唐代画家如何将中原传统的勾线与印度传入的晕染（如凹凸画法）技术完美结合，创造出具有强烈体积感和光影效果的佛像与菩萨像，实现“形神兼备”的艺术高峰。 第三部分：变革与融合——宋、元时期的艺术转型 随着中原王朝的更迭和佛教宗派的发展，敦煌壁画在宋、元时期展现出新的面貌。宋代的壁画，在风格上趋向于更为精致、内敛，色彩运用也更显淡雅，体现了宋代文人审美的影响。 重点分析元代（吐蕃统治时期）壁画的特点。这一时期的壁画，在造型和色彩上，体现出强烈的藏传佛教（密宗）特色。我们将比较元代壁画与前朝在密宗本尊、曼荼罗描绘上的异同，探讨这种强势宗教文化的介入，是如何在不损害敦煌整体艺术体系的前提下，完成一次深刻的风格重塑。这部分探讨了文化霸权与本土艺术创造力之间的张力与融合。 第四部分：颜料背后的秘密——材料、工艺与保护的千年挑战 本书的独特之处在于，我们不仅关注“画了什么”，更关注“如何绘画”以及“如何留存”。我们将深入古代工匠的世界，探讨壁画所使用的矿物颜料来源——石青、石绿、朱砂的获取路线，它们不仅是艺术的载体，也是古代贸易网络的重要物证。 详细介绍“起稿、打底、分层、描绘、罩染”等一系列复杂的壁画制作流程。最后，本书将转向当代视角，审视敦煌艺术所面临的严峻保护挑战——气候变化、盐碱化、微生物侵蚀等自然力量的破坏，以及现代科技（如数字化扫描、激光清洗）在文物保护领域所作出的不懈努力。 结语：回响的意义 《星辰下的古城》旨在证明，敦煌壁画不仅仅是一组宗教图像，它是行走在丝绸之路上的历史记录，是多元文化在东方土地上碰撞、对话并最终结晶的伟大成果。通过对这些壁画的细致解读，我们得以触摸到那个逝去时代的信仰深度、审美趣味与生活气息，让这份跨越千年的艺术遗产，在当代依然能发出震撼人心的回响。这本书，邀请每一位读者，点亮一盏心灯，独自走进那寂静的洞窟，与星空下的古城进行一次深刻的对话。

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我必须承认，这本书的叙事节奏像极了高原上的天气——变化莫测，有时是万里无云的坦荡，有时又是突如其来的暴风雪。它最令人称道之处，在于它对“等待”的描摹达到了炉火纯青的地步。没有直接描述主人公等待了多久，但通过对光线变化的捕捉、对风声的反复提及，以及对某个固定场景中微小事物（比如一滴水珠何时落下，一片云何时飘过）的精确记录，那种时间被拉长、凝固的焦虑感和期待感，透过纸面渗了出来。我甚至感觉到自己仿佛也置身于那种无边的寂静之中，周遭的一切都被剥离，只剩下内心的回响。这种叙事技巧非常高明，它拒绝了传统文学中那种线性的、目标导向的叙事，转而采取了一种近乎意识流的、碎片化的记忆重组。你读着读着，会发现自己跳过了故事的“什么”，而沉浸在了“如何”感受的过程中。如果说许多游记或纪实文学是在告诉你“去了哪里”，那么这本书更像是让你体验“在那里是如何度过每一个瞬间的”。它更像是一部关于“在场感”的教科书，让人在阅读时产生一种强烈的、仿佛正在呼吸高原空气的错觉。

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我得说，作者的“抽离感”掌握得恰到好处，这使得整本书充满了疏离的美学。它似乎在刻意避免使用那些已经被用滥的、带有强烈煽情色彩的词汇来形容西藏。没有“圣洁的”、“神圣的”、“涤荡心灵的”这类标签化的描述。相反，作者选择了非常冷静、近乎人类学考察的视角，去描述一些边缘化的场景，比如物资补给的艰难、基础设施的简陋、人际交往中的微妙界限。这种冷静，反而带给人一种更深层次的震撼——它让你意识到，壮丽的风景之下，是真实的生活，是人类在极端环境下展现出的坚韧与脆弱。这种克制的表达，比任何热烈的赞美都更具穿透力。它不试图让你爱上这个地方，而是让你尊重这个地方所蕴含的巨大张力。它更像是一份关于“存在”的田野笔记，记录了人在面对辽阔与无常时，最本真的反应。每一次阅读，都像是在翻阅一份被慎重对待的秘密档案。

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这本书最独特的地方，在于它对“寂静”的语言化处理。我一直好奇，如何用文字去捕捉那种近乎绝对的、能把人的五脏六腑都震动的寂静？作者做到了。书中许多段落，字里行间充满了巨大的“留白”，与其说是文字的堆砌，不如说是对空白的精心雕琢。比如，关于某次夜宿的描写，通篇几乎没有对话，只有对星空密度和寒冷程度的描述。但正是这种“无声胜有声”，让我体会到了一种难以言喻的敬畏。它不是那种城市里听不到噪音的假寂静，而是那种能够清晰听见自己血液流动的、带有压迫感的宇宙级别的寂静。这种寂静，反过来放大了内心的波动。这种对声音和沉默的辩证处理，远远超越了简单的风景描写。它迫使读者停止外界的喧嚣，去面对自己内心深处最原始的恐惧和最纯粹的渴望。读完合上书本的那一刻，世界突然变得嘈杂起来，那份被精心保护的宁静感，着实让人留恋。

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这本《茫茫西藏路》真是一部让人心驰神往的作品，它没有直接描绘那些壮丽的雪山和虔诚的转经人，而是通过一系列细腻入微的生活片段，构建了一个关于“路”的宏大隐喻。我读完之后，脑海里挥之不去的，是那种在漫长旅途中，人与自我、人与时间发生的深刻对谈。作者的笔触极其克制，像一位经验丰富的登山向导，你知道他指引你走的每一步都蕴含着未言明的艰辛与开阔，但他从不急于将所有风景和盘托出。比如，书中对某一段行进中，对一双磨破的皮靴的描写，用了整整三页的篇幅，从皮质的纹理到鞋底磨损的程度，再到它承载过的泥土气息，仿佛那双鞋本身就是一个活着的、沉默的叙述者，讲述着比任何宏大叙事都更为真实的重量。这种对细节的执着，让读者不得不慢下来，去体味“路”的物理性与精神性的交织。它不是一本让你读完就能“征服”西藏的指南，而是一本让你在阅读过程中，重新审视自己生命中那些未完成的“路程”的哲学文本。每一次翻页，都像是在高原稀薄的空气中做了一次深呼吸，既有被抽离的眩晕感，又有被洗涤后的清明。

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这本书的结构设计精妙绝伦，它像是一张由无数不规则的碎片拼凑而成的地图，你只有把所有的碎片都看完，才能勉强勾勒出大致的轮廓，但你永远无法完全确定那个轮廓的精确形态。作者在章节之间设置了许多看似无关的“插曲”——也许是对某件旧工具的追忆，也许是对一次偶然遇到的陌生人眼神的捕捉。这些插曲非但没有打断主线，反而像是在漫长旅途中时不时出现的岔路口，让你停下来，思考一下自己走过的每一步的意义。最令人印象深刻的是，它很少给出明确的结论，而是将所有开放性的问题抛给了读者。你读完后，脑子里留下的不是一个完整的答案，而是一串串更深刻的疑问。这本书像一面棱镜，它折射出的光芒，最终会聚焦在你自己的生命经验之上。它不是提供慰藉，而是提供了一种直面挑战的姿态，一种在迷途中寻找方向的内在力量。

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