具体描述
對繪畫大師來說，女人，究竟是他們的繆斯？還是魔咒？高談文化特別企劃了這本《你不可不知道的畫家筆下的女人》，以雋永生動的文字，描寫70位畫家與他們心目中的女神之間，錯綜複雜的心理糾結與創作關係；200多幅的精彩畫作，讓您輕易地揭開藝術家自我保護的偽裝，充分掌握畫家的創作心理。但無論如何，西洋繪畫史上幾乎沒有一位畫家不畫女人。從十五世紀到二十世紀，畫布上的女人，永遠都是畫家本人的性格折射。西洋繪畫史上的70位藝術大師，將聯手展現你不可不看的200多幅令人驚艷的女人風情畫，以及畫作背後不為人知的創作秘辛。波提且利的那幅名畫《春》，是最早讚頌女性胴體美的開路先鋒，愛的女神維納斯一登場，正式開啟西洋繪畫史上的「美女時代」。近五百年來，備受爭議的《蒙娜麗莎的微笑》，成為達文西解讀女性心理與生理現象的典範；委拉斯蓋茲的《瑪格麗特公主肖像》系列，既是這位憂愁小公主短暫一生的忠實紀錄，更是現代人研究服裝與歷史的最佳素材。火爆浪子卡拉瓦喬，犯下殺人罪全都是聖母惹的禍？夏卡爾的畫面，為何永遠洋溢著愛情的魔力？柯克西卡貪戀「世紀末維也納之花」艾瑪，怎會讓他幾乎精神崩潰，走向毀滅，甚至打造一個艾瑪布娃娃？
作者简介
目录信息
15-16世紀
范艾克
聖母不美，她是鄰家女孩
波提且利
異教女神維納斯驚艷登場
達文西
就是不交出我的蒙娜麗莎
杜勒
德國第一幅真人大小的夏娃
克爾阿那赫
女性裸體讓他大紅大紫
拉斐爾
讓凡間的母親化身為聖母
提香
不要聖潔，挑逗我的情慾
霍爾班
紙牌英國皇后珍．希莫
布隆及諾
天鵝頸的女人最尊貴
丁多列托
給沐浴後的蘇珊娜打光
維洛內些
富貴奢華全穿在身上
17-18世紀
卡拉瓦喬
都是聖母害我殺人
魯本斯
對小妻子的深深愛戀
拉突爾
一支燭光和女人的懺悔
蘇魯巴爾
隱居修道院創作聖女像
范．戴克
馬格麗特公主變高變瘦了
委拉斯蓋茲
八歲小公主的相親畫
林布蘭
為愛人畫一幅花神芙羅拉
維梅爾
戴珍珠耳環的少女
提也波洛
少一分性感，多一分憐憫
霍加斯
學伯爵夫人準沒好下場
夏丹
生來就靜止不動的女人
隆基
酥胸的誘惑
布雪
粉妝玉琢的瓷器娃娃
根茲巴羅
靠女人賺錢，但最愛的卻是風景畫
福拉哥納爾
年輕男女演出香豔戲碼
19世紀
佛謝利
女人注定要發瘋做惡夢
哥雅
大膽脫衣，快速穿衣
大衛
走出閨房上戰場
安格爾
脊椎骨足足多三塊
傑利訶
關懷女精神病患的那張臉
柯洛
義大利女人美麗第一名
德拉克洛瓦
洗衣女帶頭平民起義
米勒
拾穗農婦成了古典雕像
羅塞提
女人是魔物
牟侯
教唆殺人的美麗壞女人
畢沙羅
繆斯就在樹林之中
馬奈
黑色母猩猩
惠斯勒
解構後的色彩美女
狄嘉
芭蕾舞星幕後大曝光
塞尚
妳要像蘋果一動也不動
魯東
朵朵鮮花讓我更有魔力
莫內
卡蜜兒，就是指引我的那道光
雷諾瓦
快樂就好，胖又何妨
高更
神祕的土著少女
梵谷
我可以沒耳朵，但不能沒愛情
克林姆
金色性愛女神
土魯茲-羅特列克
妓女代言人
20世紀
慕夏
那一夜，我遇見歌劇天后
孟克
女人，妳的名字叫矛盾
波納爾
喜歡洗澡的瑪特
馬諦斯
野獸的太太，當然是母獸
盧奧
不夠美，就丟入火堆裡
烏拉曼克
色彩在舞女四周顫動
克爾赫納
女人＝危險
雷捷
沒表情的女機械人
畢卡索
妳們都是我的繆斯女神
布拉克
把淑女的身體切開來
莫迪里亞尼
長脖子的藍眼女人
卡莎特
母子親密的洗澡時光
柯克西卡
風的新娘
杜象
不倫的姊弟之戀
夏卡爾
只要打開窗戶，她就會飛進來
恩斯特
鳥頭女兒身
米羅
胴體消失，簡化成符號
德爾沃
維納斯下黃泉，才能擁抱愛情
馬格利特
這到底是臉，還是性器官？
達利
加拉！妳才是我的上帝
卡蘿
赤裸裸的我，血淋淋的畫
安迪．沃侯
我是同志，但我大量複製全球名女人
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
最近读了一些关于文艺复兴时期佛罗伦萨行会制度对艺术生产影响的文献，感觉非常受启发。那时的艺术家，尤其是那些雕塑家和建筑师，他们的身份远不止于“创作者”，他们更像是集技术专家、项目经理和文化精英于一身的综合体。我很好奇，在那样一个高度组织化、竞争激烈的环境中，像米开朗基罗这样的“天才”是如何在商业考量和个人艺术追求之间找到平衡的？那些赞助人，那些美第奇家族，他们究竟是抱着怎样的期待来委托作品的？这种“艺术品如何诞生于权力与金钱的交汇点”的视角，比单纯欣赏作品的美感要复杂得多，它揭示了艺术史背后的社会结构和经济驱动力。理解了这些幕后的规则，再回过头去看那些宏伟的穹顶和细腻的壁画，它们仿佛获得了新的生命力和历史重量。
我最近对日本浮世绘版画中“役者绘”这一门类产生了浓厚的兴趣。那些歌舞伎演员在舞台上夸张而程式化的肢体语言，是如何被寥寥几条遒劲的线条和大胆的色块所捕捉和凝练的？这和西方油画那种追求立体感和光影渐变的写实手法，简直是两个极端。我特别喜欢歌川国贞的作品，他笔下人物服饰的繁复纹理，那种对丝绸光泽和褶皱的精妙刻画，简直令人叹为观止。而且，浮世绘作为一种大众艺术形式，它本身就带有强烈的“时尚杂志”的属性，记录着江户时代最前沿的审美风尚和名人动态。这种“流行文化符号”的载体属性，让它在学术研究之外，更添了一份鲜活的烟火气，而不是高高在上的“殿堂艺术”。
这本书的装帧设计简直让人眼前一亮，那厚实的纸张，细腻的触感，仿佛握住的不是一本普通的书籍，而是一件艺术品。封面上的烫金工艺处理得恰到好处，在灯光下微微闪烁，透露出一种低调的奢华感。我特别喜欢它内页的排版，每一页的留白都拿捏得恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又为那些精美的插图预留了足够的呼吸空间。翻开书页，油墨的清香混合着纸张特有的干燥气息，瞬间将我带入了一个充满历史厚重感的艺术殿堂。装帧的用心程度，绝非市面上那些粗制滥造的批量产品可比，看得出出版方在细节上是下了大功夫的。无论是作为案头常备的艺术鉴赏书，还是作为馈赠给热爱艺术的朋友，这份实体书的质感都足以让人心生欢喜。它不仅仅是知识的载体，更是一件值得收藏的物件，每一次翻阅都像是在进行一次仪式，让人对即将展开的内容充满敬畏与期待。那种沉甸甸的踏实感，是任何电子阅读设备都无法替代的。
我最近沉迷于研究十九世纪末期印象派画家们在光影捕捉上的那些微妙变化，尤其是莫奈晚期对同一景物在不同时间段的系列创作，那种对时间流逝的哲学思考几乎要从画布上溢出来。我发现，艺术家们对“瞬间”的捕捉，往往凝聚了他们对世界最深刻的理解，他们如何用几笔看似随意的色彩，来定格一个稍纵即逝的情感波动或者大气现象，这种功力实在令人叹服。我常常会花上一个下午，对着一幅高分辨率的复制品进行“像素级”的观察，试图破解他们笔触背后的秘密，试图感受颜料在画布上混合、堆叠时所产生的视觉震颤。这种对技法层面的深度挖掘，常常让我对既有的艺术史结论产生新的疑问，也促使我去查阅更多关于当时的绘画材料学和色彩理论的资料，整个过程就像是侦探在收集线索，充满了发现的乐趣。
说实话，我对那些过分神化的艺术巨匠总是抱持着一丝审慎的态度。与其歌颂他们如何“不朽”，我更着迷于探究他们创作生涯中的那些“低谷期”或者“失败之作”。例如，某位大师早期在透视法上犯下的明显错误，或者他因为颜料配方不当而导致作品迅速褪色的遗憾，这些“不完美”反而更真实地还原了一个活生生的人的创作历程。我发现，真正的艺术突破往往产生于对既有规则的挣扎和偏离，而不是一帆风顺的成功。研究这些早期尝试、被废弃的草稿，甚至是流传下来的充满牢骚的信件，能让我们更清晰地看到一个艺术思想是如何从模糊的意念逐步锤炼成形的，这种“去神化”的过程，对我来说比盲目崇拜更有价值。
文笔不行啊，画家生平介绍的太多太枯燥
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