吴友如百花白描画谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津杨柳青画社

作者:吴友如绘

出品人:

页数:80

译者:

出版时间:2005-4

价格:18.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787805039206

丛书系列:

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《宋元明清服饰风华：纺织工艺与文化变迁的视觉史诗》 一卷跨越千年的华裳画卷，一部详尽入微的东方衣冠史记。 本书并非专注于某位特定画家的技法解析，而是以宏大的历史视角，深入剖析了自宋代至清代（约公元10世纪至20世纪初）中国服饰艺术的演变脉络、背后的社会文化语境以及精湛的纺织印染工艺。全书以时间为轴，以服饰形制、面料质地、色彩运用、纹样寓意为核心内容，构建起一座由实物、图像与文献支撑的服饰文化博物馆。 第一章：宋韵初探——内敛的雅致与士大夫的审美 本章聚焦于宋代（960-1279年）服饰风格的形成与定型。宋代文化崇尚“理学”的内敛与清雅，这直接反映在服饰的审美取向上：色彩趋于淡雅、质地追求精细、款式上强调“天衣无缝”的浑圆之感。 儒雅的形制变迁： 详细考察了宋代男子以“公服”和“袍衫”为主导的服饰制度，探讨了褙子、直裰等常服的流行，及其与士人阶层身份认同的关系。对女性服饰，重点分析了“抹胸”与“褙子”的组合，以及宋代褶裙的结构和穿戴方式。 “绞罗”与“妆花”： 深入研究了宋代特有的纺织技术。宋锦的成熟标志着织造工艺的飞跃，特别是“片金、妆花”技术，如何在保持织物轻薄的同时，实现复杂图案的富丽堂皇。同时，对宋代流行的“交领”、“圆领”在不同场合下的严格区分进行了考证。 纹样中的哲学意蕴： 宋代纹样不再追求盛唐的恢宏气象，而是转向对自然细微之处的描摹。本章收录了大量关于“岁寒三友”、“水波纹”、“暗八仙”等纹样的图像资料，并解析了这些图案在宋代理学背景下的象征意义——如对“中庸之道”的推崇。 第二章：元风兼蓄——游牧与农耕的交织 元代（1271-1368年）是中华服饰史上一个重要的文化交汇点。作为蒙古族建立的王朝，元代服饰在继承汉族传统的同时，大量吸收了来自草原的元素。 “质孙服”的权力象征： 详细介绍作为元代宫廷最高等级服饰的“质孙服”，分析其结构、用料和等级标识。探讨了元代服饰制度如何服务于统治阶层的管理体系。 披帛与褶绣的结合： 考察了元代女性服饰中对披帛（披肩）的偏爱，以及这种形制在不同民族间（如蒙古贵族与汉族闺秀）的差异化体现。对元代服装上大量应用的“穿线绣”、“打籽绣”等针法进行了技术分析。 服饰的地域性差异： 由于元代疆域辽阔，本章特别对比了江南地区与北方地区在服饰面料选择、色彩偏好上的显著区别，展示了早期地域文化融合的复杂性。 第三章：明代典范——礼制与繁复的登峰造极 明代（1368-1644年）的服饰制度被视为中国古代服饰的集大成者，确立了后世对“汉服”的传统认知。本章着重于礼仪服饰的规范化与民间审美的精致化。 “补子”制度的深度解析： 详细解读了明代文官和武官通过胸前和背后的“补子”区分品级的制度。对不同纹样（如仙鹤、狮子、麒麟）所代表的等级和寓意进行了逐一图解和考证，揭示了其背后的官僚体系逻辑。 女性服饰的“三制”： 分析了明代女性服饰的“袄裙”、“比甲”、“道袍”三大基本形制，并详细介绍了“马面裙”的结构及其在不同时期的变化。对“立领”、“琵琶袖”等细节的兴起进行了工艺溯源。 锦绣的黄金时代： 明代南京的织造业达到巅峰，特别是“云锦”的出现，以其多层次的图案叠加和近乎浮雕的质感，成为帝王与贵族的专属。本章展示了对“妆花孔雀纹”、“海水江崖纹”等复杂纹样的结构拆解，展现了其丝线组织的技术难度。 第四章：清代革新——满汉融合与常服的定型 清代（1644-1912年）服饰是满族文化与汉族传统激烈碰撞与最终融合的产物，标志着传统服饰体系的终结与近代服饰的萌芽。 “旗装”与“常服”的制度化： 详细阐述了清代对汉族服饰的强制性改革，重点分析了“马蹄袖”、“盘扣”、“褂”等满族服饰元素的普及。对“朝服”、“吉服”、“常服”的层级划分进行了清晰的界定。 袍服的剪裁革命： 探讨了清代“立领”和“直身”的普及对传统交领服饰的冲击，并分析了这种变化如何影响了服装的整体轮廓——从宽袍大袖向更贴合身体线条的转变。 织绣技艺的世俗化： 随着商品经济的发展，清代的织绣工艺更加注重民间市场的需求。本章研究了“苏绣”、“蜀绣”在刺绣艺术上的各自特色，以及“平绣”、“滚绣”等技法在民间服饰上的广泛应用，体现了服饰从“礼器”向“日用品”过渡的倾向。 结语：千年华裳的文化回响 本书通过对宋元明清服饰的全面梳理，不仅展现了中国纺织品和服装设计的辉煌成就，更深刻揭示了服饰作为“穿在身上的历史”，如何映照了不同时代下的政治权力、社会结构、哲学思想和审美情趣。这是一部献给所有热爱中国历史、艺术和精湛手工艺者的视觉与思想盛宴。

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这本书最让我惊喜的是它在“意境营造”上的用心。很多白描画谱侧重于“形似”，但这本书显然更追求“神韵”。那些线条看似简单，却蕴含着深厚的写意功力。例如，画一枝梅花，它不会用过多繁复的线条去堆砌，而是仅仅用几笔劲健的墨线勾勒出虬曲的枝干，寥寥数点花苞，便将傲雪迎春的清高之气跃然纸上。这种“计白当黑”的留白处理，在纯粹的线条画中显得尤为重要，它将观者的想象力充分调动起来，让画面不仅仅停留在视觉层面，更深入到心灵感受的层面。我感觉自己学到的不只是“画什么”和“怎么画”，更重要的是“如何看”——如何去观察自然界中万物的内在精神，并将这种精神提炼和升华到纸面之上。这对于我突破以往僵硬的临摹阶段，迈向初步的独立创作，提供了至关重要的思维转变。

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我购买这本书的初衷是想系统地学习中国传统花卉的白描勾勒技法，尤其是如何通过线条的粗细、刚柔、快慢来表现物体的立体感和生命力。这本书在这方面做得非常到位。它不是简单地罗列成品图，而是分门别类地展示了不同的“线谱”。比如，描绘竹叶的线条要如何提按顿挫，展现出那种“沙沙”的质感；而勾勒牡丹的重瓣花瓣时，线条又需要怎样圆润饱满，才能体现出雍容华贵的气度。书中对不同植物的脉络、萼片、花蕊的画法都有详尽的图例解析，有些图例甚至配有简短的口诀或心法提示，这些“旁白”对于初学者来说，无疑是醍醐灌顶的指引，让我立刻明白了“形神兼备”的真正含义。我尝试着临摹了几幅，发现只要遵循书中的线条走向，即使是略显生涩的笔触，也能初步捕捉到花卉的神韵，这极大地增强了我的学习信心。

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这本书的装帧设计相当精美，封面采用了素雅的米白色调，点缀着几朵栩栩如生的水墨花卉，光是看着就能感受到一股淡雅的书卷气。内页纸张的质感也十分出色，厚实且平滑，使得墨色在上面展现出清晰的层次感，这一点对于学习白描技法来说至关重要，因为细节的刻画需要纸张能够很好地吸附墨水，又不至于洇开。装订部分也做得非常扎实，即使经常翻阅也不易松脱，体现了出版方对传统画谱的尊重。整体来看，它不仅是一本绘画技法的参考书，更像是一件值得收藏的艺术品。打开书页，首先映入眼帘的是一系列工整的蝇头小楷题跋，字体遒劲有力，与画作的风格相得益彰，为这些花卉增添了一份历史的厚重感和文人气息。我特别喜欢它对每一幅作品的选材和布局，既有常见的基础花卉，也有一些相对少见的品种，这极大地拓宽了我的视野，让我的创作素材库变得更加丰富。

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从实用性的角度来说，这本书的版式安排也十分考究。它并没有将所有图例挤在一起，而是采用了大量的留白空间，使得每一组示范作品都能有足够的喘息之地，方便读者进行对照和临摹。很多页面的设计都采用了左右分栏或上下呼应的方式，左边是全景或主体的精描示范，右边或是下方则是局部细节的放大解析，比如花萼、藤蔓的卷曲方式等，这种“由大到小，由总到分”的结构，极大地优化了学习路径。我发现自己可以先对着大图感受整体的氛围，再集中精力攻克那些难处理的细节节点。此外，书中的部分花卉还配有“气韵提示”，用非常精炼的语言点出此花在传统文化中的象征意义，例如兰花的幽雅、竹子的气节等，这种文化背景的融入，使得学习过程不再枯燥，而是成为了一次对传统文化美学的深入探索之旅。

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如果要说一点建议，或许是它更偏向于传统技法的展示，对于初学者可能需要的现代工具辅助使用方面，介绍得相对较少。比如，如何选择不同硬度的毛笔，如何调配墨汁以达到丰富的灰阶层次，这些操作层面的技巧，书中更多的是通过图示隐晦地表达，而非直白地阐述。当然，也许这正是老派画谱的魅力所在——它更相信学习者能从大师的笔墨中自行体悟出工具的脾性。但这对于完全没有基础的“小白”来说，初期可能会有一点门槛。不过，也正是这种略带“挑战性”的留白，促使我主动去寻找相关的毛笔使用视频和墨法心得，反而激起了更深层次的学习热情。总而言之，这是一本承载了深厚功力和审美趣味的精品画谱，它需要的不仅仅是模仿，更需要学习者带着敬畏之心去揣摩、去体会，方能领悟其中三昧。

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