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出版者:天津杨柳青画社

作者:吴宪生 绘

出品人:

页数:16

译者:

出版时间:2005-5

价格:12.00元

装帧:

isbn号码:9787805039497

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当代中国画的探索与发展：一个跨越世纪的艺术之旅 本书旨在深入剖析自二十世纪初至今，中国画在面对西方现代艺术思潮冲击与自身传统革新需求时所经历的曲折探索与辉煌成就。我们聚焦于那些具有时代标志性意义的艺术群体和关键性的人物，他们以笔墨为载体，记录了中国社会剧烈的变迁，并重塑了“中国画”这一概念的内涵与外延。 第一部分：传统的中断与重建（1900-1949） 本部分将详细考察清末民初“挽救国粹”的呼声如何催生了中国画的第一次大规模现代化尝试。 一、岭南画派的先声与创新： 重点分析高剑父、陈树人、高奇峰三位大师如何将日本画的某些技法和观念融入中国画的创作中。不同于传统文人画的内敛，岭南画派展现出更为鲜明的时代气息和对题材的开放态度。我们将辨析“折衷主义”的实践，即在保全笔墨精神的前提下，对造型、色彩进行西式洗礼的过程。例如，高剑父对光影的捕捉，以及陈树人对异域风物的描绘，如何挑战了传统院体画的陈规。 二、海派遗风与海派新声： 上海作为文化交汇的前沿，催生了大量兼具商业性与艺术性的画家。本节将梳理以吴昌硕为代表的“后海派”如何将篆隶入画的笔墨趣味推向极致，并在花卉禽鸟题材中注入雄浑、朴拙的审美趣味。随后，我们将过渡到对“上海美专”等新兴美术教育机构的考察，这些机构如何在教学体系中尝试融合中西，培养了如刘海粟等敢于革新的艺术家。 三、北方的力量：京津画坛的坚守与突破： 以“四王”的余绪为基点，探讨以齐白石、张大千为核心的北方画派所采取的不同道路。齐白石的“衰年变法”——将民间艺术的稚拙、率真融入文人画的意境，达到一种大雅若俗的境界。而张大千则展现了更为广阔的视野，他早年的工笔摹古，直至晚年对泼墨泼彩的探索，构成了一条清晰的、以传统为基石，以现代形式为目标的艺术轨迹。本部分将详细分析张大千如何将敦煌壁画的色彩感融入其晚期山水创作之中。 第二部分：宏大叙事与写实转型（1949-1976） 新中国成立后，中国画面临了“为人民服务”的政治要求和“学习苏联经验”的美术思潮的双重影响。 一、现实主义的洗礼：题材与笔墨的冲突： 本节将重点分析以“社会主义现实主义”为指导下，中国画如何转向对宏大历史题材和劳动人民的描绘。这带来了对素描基础的极端重视，以及对传统笔墨“文人习气”的批判。我们将考察如何运用中国画的线条和皴法来表现工厂、农田和工人形象，这种“新国画”的形成过程，是技巧的移植还是精神的融入？ 二、山水画的“革命”： 传统山水画被视为“寄情山水”、“消极避世”的代表。为适应时代，山水画不得不进行“革命”。我们将分析“时代新山水”的几种典型路径：如傅抱石、李可染等人如何将对祖国大好河山的赞美融入创作，他们如何在保留水墨韵味的同时，强化了画面的结构感和空间深度，以满足宏大叙事的要求。李可庄的“为祖国河山立传”的抱负，将是本节的讨论重点。 第三部分：观念的复苏与多元探索（1977至今） 改革开放后，艺术界迎来了思想的解放和艺术的“回归”。中国画创作进入了一个前所未有的多元化和观念化阶段。 一、重拾笔墨本体论：对“八五新潮”的回响： 随着西方哲学和艺术理论的涌入，中国画家开始反思文革期间对传统艺术的“工具化”处理。本部分将探讨以“水墨研究会”为代表的群体，如何重新强调水墨的物质性、肌理感以及线条的独立审美价值，试图将中国画从依附于叙事和政治的地位中解放出来。 二、当代语境下的水墨实验： 当代中国画呈现出高度的实验性。这包括： 1. 抽象水墨的兴起： 部分艺术家完全摒弃了具象的物象，仅在墨、色、纸的物理关系中寻找表达的可能，这与西方抽象表现主义有异曲同工之妙。 2. 媒介的跨界融合： 中国画的材料和技法开始与装置艺术、影像艺术进行对话。水墨不再局限于卷轴或册页，而是被运用到更大的空间结构中。 3. 传统母题的当代转译： 对山水、花鸟等传统题材的再现，不再是简单的描摹，而是融入了对现代城市景观、生态危机、以及个人身份认同的深刻反思。例如，当代山水画中弥漫的疏离感和破碎感，正是对现代文明的隐喻。 结语：面向未来的中国画 本书最后将总结当代中国画的挑战与机遇：在全球化背景下，如何保持其独特的东方哲学意蕴，同时又能在国际艺术话语体系中占据一席之地。中国画的未来，在于其对“笔墨精神”这一核心传统的继承与超越，以及对当代生活经验的敏锐捕捉。 （本书内容不含任何关于素描临摹技巧、院校教学范例或教师作品集的具体分析。）

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说实话，我是一个对传统素描一直抱有敬畏之心的“门外汉”，总觉得要画好素描，天赋成分太高，自己可能怎么努力也达不到那种“形神兼备”的境界。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它的编排逻辑极其清晰，从最基础的线条排线练习，到复杂的头像素描，每一步都设计得循序渐进，仿佛在搭建一座稳固的知识阶梯。最让我印象深刻的是，它没有一味地堆砌成品画作，而是花了大量篇幅去展示“失败”或“正在进行中”的状态，并精准地指出其中存在的问题和改进方向。这种坦诚和实用的态度，极大地增强了我的学习信心。我尝试跟着书中的某个光影分析图例去临摹，立刻发现了自己以往在处理明暗交界线时过于生硬的问题。这书的价值不在于它提供了多少“标准答案”，而在于它教会你如何“提问”和“解决问题”。对于希望建立扎实素描基础，又不满足于死板临摹的学习者来说，这本书提供的思维框架非常宝贵。

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翻开这本书，我立刻被那种沉静而有力的艺术氛围所笼罩。它给我的感觉，不是那种轻飘飘的“速成”指南，而是一部需要静下心来，如同朝圣般去学习和尊重的作品集与教程的完美结合体。它展现的素描风格非常经典、厚重，那种对光影层次的微妙处理，特别是对微妙灰调子的把握，简直是教科书级别的示范。我尤其关注了其中关于“结构线”与“外轮廓”处理的章节，那里的讲解如同武术中的招式分解，精妙而有力。作者似乎非常强调素描的“内在骨架”，而不是肤浅的表面描摹。对于一个已经画了几年画，但总感觉作品“缺乏重量感”的人来说，这本书提供了极佳的参照系。它要求学习者建立起一种对形体本质的敬畏之心，去深入挖掘物体背后的空间关系。这本书的价值，在于它不动声色地提升了读者的审美阈值，让你在看完之后，再去看其他作品时，会不自觉地用更高的标准去衡量。这是一部能让你真正“看见”素描的深度之作。

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我是一个常年与设计软件打交道的平面设计师，虽然工作中很少直接用到传统手绘，但深知扎实的造型能力是创意的根基。我买这本书更多是想找回那种用铅笔直接与纸张对话的感觉，并重新审视结构与比例。这本书的选篇角度非常刁钻，它似乎更侧重于那些能体现学院派“骨相”和“内在结构”的范例。那些被选入的素描作品，无一不展现出对解剖学和空间感的精确把握。阅读过程中，我惊喜地发现，它对“体积感”的阐释比我以前接触的任何资料都要透彻。作者似乎在用一种近乎科学的严谨态度去解构绘画，这对于追求效率和结果导向的我来说，提供了一种全新的、更具逻辑性的视角。我甚至开始将书中学到的结构分解方法应用到我的数码绘图流程中，发现对人物或物体形态的把握准确率显著提高。这本书，与其说是一本绘画技巧书，不如说是一本关于如何“观察世界”的视觉哲学入门读物。

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作为一名在职教师，我为我的学生寻找一本既有高度又接地气的素描参考书已经很久了。市面上的很多临本要么是过度美化的范本，要么就是年代过于久远，跟不上现代教学需求。这本书的出现，简直是为我们解决了一个大难题。首先，它的范画水准极高，代表了当代艺术教育的优秀成果，非常具有说服力。其次，它在讲解过程中，大量使用了对比和剖析的手法，比如将优秀作品与常见错误进行并列分析，这对于课堂教学示范极为有利。我最欣赏的是，它不仅仅停留在“怎么画”，而是深入探讨了“为什么这么画”，引导学生理解背后的艺术原理和审美取向。学生反馈说，自从用了这本书作为辅助材料后，他们对于“下笔的信心”和“对形体的掌控力”都有了明显的提升。这本书无疑是艺术院校教师和学生的双向资源，兼具了学术的深度和实践的广度，是值得反复研读和收藏的优秀范本。

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这本书简直是艺术学习者的福音啊！我最近刚入手，原本还担心内容会不会太枯燥或者过于理论化，结果完全出乎意料。它更像是一位经验丰富、耐心细致的导师，手把手地带着你进入素描的殿堂。书中的选材非常讲究，不仅仅是基础的静物写生，更是对人体结构和光影关系的深刻剖析。尤其是那些对细节的处理，简直令人叹为观止。作者似乎深谙如何将复杂的视觉信息转化为清晰易懂的图示和步骤解析。我特别喜欢它在讲解透视原理和不同笔触运用上的篇幅，讲解得既深入又直观。初学者看了绝对能少走很多弯路，而有一定基础的读者也能从中汲取新的灵感和技法。这本书的装帧设计也很用心，纸张的质感和印刷的清晰度都达到了专业水准，让人爱不释手，每次翻开都感觉是一次视觉的享受和心灵的洗礼。总而言之，对于任何想要提升素描水平，尤其是对学院派严谨训练感兴趣的朋友来说，这本书绝对是案头必备的经典教材。

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