和声通用教程(2) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海音乐出版社

作者:杜鹤鸣

出品人:

页数:251

译者:

出版时间:2000-11

价格:18.00元

装帧:精装(无盘)

isbn号码:9787805539256

丛书系列:

图书标签:

• 和声学
• 和声学
• 音乐理论
• 音乐教学
• 高等教育
• 音乐专业
• 和声分析
• 功能和声
• 调性音乐
• 音乐教材
• 作曲

好的，这里有一份关于一本不同书籍的详细简介，该书并非《和声通用教程(2)》。 --- 《巴赫：音乐神话与人文精神》 作者： 艾伦·T. 霍金斯 出版年份： 2023年 出版社： 世纪之声出版社 内容简介： 本书深入剖析了约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的音乐遗产，旨在超越传统的和声技术分析，将其置于18世纪启蒙运动的宏大历史背景中进行考察。霍金斯教授以其深厚的音乐学功底和广博的人文素养，构建了一座连接巴赫的宗教信仰、哲学思想与他独特音乐语言的桥梁。 一、 历史语境：在巴洛克与启蒙的交界 本书首先细致描绘了巴赫所处的时代图景。18世纪初的德意志地区正处于文化剧变的边缘，古老的宗教热情与新兴的理性主义思潮激烈碰撞。霍金斯指出，巴赫的音乐——尤其体现在他的清唱剧和受难曲中——不仅是对传统虔诚的坚守，更是对人类精神困境的深刻冥想。我们不再仅仅视其为“对位法的典范”，而是将其视为一个在信仰危机中寻求秩序与真理的哲人。书中详尽分析了当时莱比锡的教会政治环境，以及巴赫如何在严格的教规限制下，依然能将音乐的表达推向极致。 二、 结构与神学：看不见的建筑 不同于侧重于功能和声的分析手册，本书的核心在于揭示巴赫音乐结构中的“神圣几何”。霍金斯运用了包括数秘学、象征主义在内的方法，探讨了巴赫在《平均律键盘曲集》和《哥德堡变奏曲》中对数字序列和对称性的偏爱。例如，作者论证了巴赫如何通过对位法的精妙布局（如卡农和赋格），象征性地再现了三位一体的教义，或是通过对位声部的相互追逐，映射出人类灵魂对永恒的追寻。其中，对《音乐的奉献》的解读尤为精妙，霍金斯将其中复杂的螺旋上升主题视为对宇宙秩序的音乐化表达，而非仅仅是炫技之作。 三、 人文关怀：世俗之声的张力 尽管巴赫被誉为“教会音乐的巨人”，但本书并未忽略他作品中涌现出的强大世俗情怀。霍金斯仔细研究了《勃兰登堡协奏曲》和多部管弦乐组曲，强调了巴赫对意大利协奏曲曲式和法国舞蹈元素的吸收与转化。他认为，巴赫的伟大之处在于，他能将最严谨的宗教音乐语汇与最富感染力的世俗节奏融合。书中分析了巴赫在担任宫廷乐长时期的创作，展示了音乐家如何在服务于贵族的过程中，依然保持了艺术的独立性和人文的深度。 四、 键盘艺术：触键的哲学 本书的第四部分聚焦于巴赫的键盘作品，尤其是他晚期的理论性创作。作者详细梳理了巴赫在教育子嗣时编写的教材，如《小前奏曲与赋格》等，将其视为一套完整的音乐认知体系。霍金斯特别关注了巴赫对“装饰音”的处理，他认为这些装饰并非仅仅是声音的点缀，而是表达情感的微小而精确的符号，体现了德语世界中对细节的极致追求。对《平均律》的分析不再停留在“C大调的音阶练习”，而是将其视为一部键盘音域的“创世纪”，探讨了十二平均律系统如何为未来的音乐发展奠定了基础。 五、 影响与再现：跨越时代的对话 最后，本书探讨了巴赫音乐在随后的历史长河中的命运。从莫扎特和贝多芬对巴赫的崇拜，到门德尔松在1829年成功复兴的里程碑意义，再到20世纪的“巴赫复兴运动”。霍金斯认为，巴赫的音乐之所以能够穿越时空，是因为其核心结构中蕴含着普遍的数学美和人类情感的永恒主题。书的结尾部分，作者通过对当代演绎风格的梳理，探讨了演奏者如何在一个日益碎片化的世界中，重新诠释巴赫音乐中的“和声秩序”与“精神慰藉”。 读者定位： 本书适合音乐学院学生、专业演奏家、音乐史研究人员，以及对古典音乐、哲学和欧洲文化史有浓厚兴趣的严肃读者。它提供了一种深入而富有启发性的视角，帮助读者理解巴赫音乐背后复杂而迷人的思想世界。本书论证严谨，文笔优美，是理解巴赫作品不可或缺的深度读物。

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坦白说，我购买这本书是基于一位资深音乐教育家的推荐，带着一丝“试试看”的心态。起初我对它的篇幅感到有些畏惧，毕竟内容似乎相当厚重。然而，一旦进入阅读状态，时间仿佛被拉伸了。这本书的叙事节奏掌握得非常好，它懂得何时应该放慢速度，详细阐述一个核心概念，何时又可以快速地引导读者进入下一个更广阔的领域。例如，在处理离调和声时，作者用了大量篇幅来构建一个由浅入深的逻辑链条，从最基础的同主音转调开始，逐步过渡到远关系调的连接，每一步都像是脚踏实地地攀登一座知识的高峰，让人感到每一步的努力都有明确的回报。我尤其欣赏它在强调“听觉直觉”方面所下的功夫。书中多次提醒读者，理论终究是工具，真正的和声大师是通过耳朵来驾驭声音的。为此，它设计了一些“听辨练习”，这些练习并非传统的视唱练耳题型，而是要求读者在脑海中构筑一个和声场景，然后用耳朵去检验自己的逻辑推导是否符合实际的听觉体验。这种强调“内化”而非“背诵”的学习方式，对培养真正的音乐感具有不可估量的价值。

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这本书的纸质感非常棒，拿在手上很有分量，感觉不像是一本教材，倒像是一件值得珍藏的艺术品。我特别留意了一下里面的乐谱示例，它们印刷得极为清晰，每一个音符的符头、符干、甚至连那些细微的表情记号都纤毫毕现。对于学习和声的人来说，清晰的乐谱是至关重要的，因为一个错误的半音或升降记号，都可能导致对整个和声色彩的误判。这本书在这方面做到了极致，我甚至不需要借助放大镜就能轻松辨认那些复杂的复调织体。更让我惊喜的是，它在讲解节奏和韵律与和声交织的部分，提供了许多值得玩味的视角。很多教程往往将节奏和和声视为两个相对独立的板块来讲解，但这本教程却强调了它们之间内在的相互作用力——例如，特定的切分音是如何增强或削弱一个和弦的稳定性的。这种跨学科的整合思维，极大地拓宽了我的音乐视野。我发现，当我开始用这种整合的眼光去聆听音乐时，我所感受到的立体感和层次感是前所未有的丰富。这绝对是一本值得反复研读，并且会在不同人生阶段给你不同启示的宝典。

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这本书的装帧设计，特别是封皮的材质选择，带有一种低调的奢华感，摸上去的触感非常舒适，这使得每一次拿起它都成为一种享受。更重要的是，书中的某些章节对于解决我长期以来在配器实践中遇到的一个核心难题——如何使和声在管弦乐中保持清晰而不混浊——提供了关键性的指导。教程并非仅仅停留在键盘乐器的和声配置上，而是深入探讨了不同乐器音色对和声色彩的染色作用。比如，它详细分析了圆号的弱奏如何为下属和弦增加一种温暖而朦胧的质感，以及小提琴高把位的泛音如何使增三和弦听起来更具尖锐的戏剧性。这种对“乐器属性与和声功能耦合”的探讨，在许多传统和声教材中是极其罕见的深度。我甚至将书中关于配器和声的章节摘录出来，作为我个人作曲工作坊的案头参考资料。它不仅仅是一本理论学习的书籍，更像是一本高级作曲家才会去钻研的“声音调色板”指南。这本书无疑是提升实践者音乐素养的绝佳载体，它的价值远超其标价，是值得所有严肃的音乐学习者和创作者拥有的案头必备良书。

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说实话，我原本对“通用教程”这类标题抱持着一种谨慎的态度，总觉得它可能意味着“面面俱到但无一精深”。但这本书完全颠覆了我的刻板印象。它的深度和广度令人赞叹，尤其是在处理转调和半音和声的部分，简直是教科书级别的解析。作者对于功能和声的梳理清晰得令人发指，他没有仅仅停留在“属-主”这种基础的公式化讲解上，而是深入挖掘了每一个和弦内部的张力与解决机制。我最欣赏的是它对不同音乐风格的兼容并蓄。在讲解到复杂的九和弦、十一和弦时，作者巧妙地引入了近现代音乐的例子，这使得教程不至于沉溺于巴洛克或古典时期的框架中走不出来。我记得有一次，我在尝试分析一首二十世纪的作品时遇到了瓶颈，就是卡在了某个不和谐音程的处理上。后来翻阅到教程中关于“色彩性和弦的非功能性运用”那一节时，茅塞顿开。那种感觉就像是迷雾中突然出现了一束光，指引我找到了正确的分析路径。此外，书中附带的练习题设计得极其巧妙，它们并非那种机械的、重复性的计算，而是要求读者进行创造性的思维，去“听”出和声的逻辑，而不是仅仅“算出”和声的结构。这本书，毋庸置疑，是献给那些真正想要深入音乐肌理的求知者的。

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这本书的封面设计简直是视觉的盛宴，那种深沉的靛蓝与跃动的金色交织在一起，让人忍不住想一探究竟。我一直对音乐理论抱有浓厚的兴趣，但总觉得市面上的教材要么过于枯燥，要么就是故作高深，让人望而却步。然而，当我翻开这本《和声通用教程(2)》时，那种感觉完全消失了。它没有用那些让人昏昏欲睡的术语堆砌篇章，而是用一种近乎讲述故事的方式，娓娓道来和声的奥秘。特别是第一章对调性色彩的探讨，作者仿佛化身为一位经验老到的调香师，细致入微地分析了每一个和弦在不同情境下散发出的独特“气味”。我感觉自己不是在学习理论，而是在进行一次奇妙的听觉探险。尤其是那些穿插其中的历史典故和作曲家的小轶事，让原本抽象的概念变得鲜活起来，充满了人情味。阅读的过程中，我时常会停下来，走到钢琴前，亲手实验书中所描述的那些和声进行，那种指尖触碰到琴键，声音在空气中流淌的美妙瞬间，是任何文字都难以完全描绘的。这本书的排版也十分考究，留白得当，字体选择典雅而不失现代感，即便是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。总的来说，这本书成功地架起了一座连接理论与实践的桥梁，让复杂的和声学知识变得触手可及，充满了探索的乐趣。

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