具体描述
内容提要
本书介绍了电视节目制作中的艺术基础、技巧基础和电视编导的基
本常识，介绍了一些与电视节目制作相关的计算机软件。全书共分八章：
第一章绪论；第二章电视镜头的摄制；第三章蒙太奇及其分类；第四章电
视镜头的组接；第五章声音和配音；第六章稿本的编写；第七章电视照明；
第八章影视计算机应用软件。
本书内容丰富，通俗易懂，可作大专院校有关专业的教学参考书，可
供从事电视制作的有关人员参考，还可供广大的业余爱好者使用。
作者简介
目录信息
第一章 绪 论
第一节 电视媒介及其在教育上的作用
一 电视是一种有力的传播媒介
二 教育技术学的发展及有关理论
第二节 电视节目的分类
一 按摄制的目的和传播的效果分类
二 按制作方法分类
第三节 电视节目制作方式
一 ENG方式
二 EFP方式
三 演播室制作方式
第四节 电视节目制作程序
一 稿本阶段
二 前期准备阶段
三 录制阶段
四 后期制作阶段
第五节 电视和录像机发展简史
一 电视发展简史
二 录像机发展简史
第六节 电视和电影的关系
第二章 电视镜头的摄制
第一节 画面的视觉要素
一 人物
二 环境
三 物件
四 光线
五 色彩
第二节 镜头画面的安排
一 明确画面的主体
二 艺术地处理陪体
三 环境的烘托作用
四 空白和均衡
第三节 景别的划分和作用
一 远景
二 全景
三 中景
四 近景
五 特写
六 显微
第四节 镜头和镜头的运动形式
一 摇
二 移
三 推
四 拉
五 跟
第五节 电视特技
一 电子特技
二 摄像特技
第三章 蒙太奇及其分类
第一节 什么是蒙太奇
一 蒙太奇的概念
二 蒙太奇的产生
三 蒙太奇的发展
第二节 蒙太奇的依据
一 观察和认识世界的方法
二 艺术创作的原则
第三节 蒙太奇的艺术功能
一 选择、概括和集中
二 引导注意力、激发联想
三 创造独特的影视空间和时间
四 形成不同的节奏
五 组织、综合各种元素
六 表达寓意、创造意境
第四节 蒙太奇的分类
一 叙述式蒙太奇
二 表现式蒙太奇
三 内部蒙太奇
四 声画蒙太奇
五 蒙太奇句子
第四章 电视镜头的组接
第一节 镜头组接的原则
一 符合观察规律和思维逻辑
二 注意“轴线规律”
三 “动接动’、“静接静”
四 景别的变化要和内容的节奏相一致
五 注意机位和景别的变化
六 保持影调和色调的统一
七 掌握好镜头的长度
第二节 镜头组接的技巧
一 主体动作的连接
二 不同主体的相似动作的连接
三 依靠心理的连接
四 特写连接
五 利用语言和音响的连接
六 空镜头和全暗画面的连接
第三节 电视镜头的编辑
一 磁带录像编辑
二 非线性编辑
三 编辑的作用
四 编辑工作
五 编辑点的控制和检查
第五章 声音和配音
第一节 声音元素和声画关系
一 声音元素
二 声画关系
第二节 有声语言的作用
一 对话的作用
二 旁白和解说的作用
三 独白的作用
第三节 效果声和音乐的作用
一 效果声的作用
二 音乐的作用
第四节 配音的方法和艺术
一 配音的方法
二 声音的艺术处理
第六章 稿本的编写
第一节 文字稿本
一 文字稿本的作用和特征
二 文字稿本的形式
第二节 分镜头稿本
一 什么是分镜头稿本
二 怎样写好分镜头稿本
第三节 电视教材
一 电视教材的定义和特点
二 电视教材的表达形式
第七章 电视照明
第一节 电视照明的作用和工艺流程
一 电视照明的作用
二 电视照明的工艺流程
第二节 电视照明的特点
一 色温和显色性
二 照度
三 照明光比
第三节 电视照明的布光
一 布光的依据
二 光位和光种
三 影调和色调
四 基本的布光方法
五 人物光的处理
第四节 照明灯具简介
一 照明灯具的分类
二 影视灯具
第八章 影视计算机应用软件
第一节 影视制作中信号数字化的基本概念
一 视频数字化
二 音频数字化
三 信号的压缩
第二节 在动画制作中常用的软件
一 3DSMAX
二 DIRECTOR
三 PHOTO MORPH
第三节 在后期制作中常用的软件
一 ADOBEPPEMMRE
二 梦幻大师字幕制作软件
三 梦幻大师图文制作软件
主要参考文献
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
这部教材的编排实在让人眼前一亮，它不像以往那些晦涩难懂的理论堆砌，而是真正将“制作”这件事的流程拆解得极其清晰。比如，书中对前期策划阶段的描述，简直就是一份可操作的行动指南。作者显然深谙实战的重要性，每一个环节，从创意捕捉到可行性分析，都配上了大量来自实际案例的佐证。我尤其欣赏它对“受众画像”的细致探讨，它没有停留在宽泛的“了解你的观众”，而是深入到心理学和社会学层面，教你如何构建一个能有效触动目标群体的叙事框架。看完这部分，我立刻感觉自己过去对“选题”的理解太肤浅了，仿佛突然拿到了一个能穿透市场迷雾的透镜。它没有直接谈论技术细节，但却为技术执行打下了坚实的概念基础，让你明白每一个剪辑点、每一次运镜选择背后的传播意图。这种自上而下的逻辑构建，让整个制作流程不再是零散的步骤组合，而是一个有机的、目标导向的系统工程。即便是对行业新手而言，也能快速建立起一个完整的认知地图，知道自己在哪一步，下一步该做什么，以及为什么这么做。
这本书在叙事结构的处理上，展现出一种成熟的、后现代的思辨深度。它没有固守单一的线性叙事标准，而是通过跨章节的引用和对比，引导读者去思考“真实性”在媒介中的构建过程。作者对“非虚构”节目的探讨尤其深刻，他没有简单地将纪实等同于“记录事实”，而是深入挖掘了“记录本身就是一种干预”的伦理困境。书中对历史片段的重构案例分析，简直是思想的盛宴，它展示了如何通过剪辑节奏、背景音乐的选择乃至画质的细微调整，来实现对观众情感和认知倾向的微妙引导。这种批判性的视角，极大地提升了阅读的层次感，它迫使你跳出“如何拍”的层面，去思索“为何要以这种方式去拍”的终极问题。读完这部分，我再看任何新闻报道或纪录片时，都会下意识地去解构其背后的意识形态和制作意图。
对视觉语言的阐释，这本书的处理方式堪称艺术品级的精妙。它没有堆砌大量的光圈、快门、景深这些枯燥的技术参数，而是用极富画面感的文字来描绘“光影的心理学”。例如，书中通过对特定电影片段的逐帧分析，阐述了高对比度与低饱和度色彩组合如何微妙地暗示角色的孤立感和疏离感，这比单纯讲解曝光三角要有效得多。它将镜头语言视为一种情感的延伸，教会读者如何像画家运用颜料一样，精准地调动光线和构图来烘托气氛。特别是关于“运动镜头”的章节，它不再只是教你如何稳定摇臂，而是深入解析了平移、推拉、环绕等动作背后的叙事功能——是展现压迫感，还是营造探索欲。这让原本冰冷的技术操作，瞬间充满了诗意和目的性，彻底改变了我对“镜头运动”的看法。
这本书最令人耳目一新的地方，在于它对“后期制作中的版权与法律边界”的实用性指导。在如今内容迭代极快的时代，知识产权的雷区遍布每一个角落，而这本书提供了一份详尽的“避雷指南”。它没有用枯燥的法律条文轰炸读者，而是通过一系列近乎“反面教材”的案例，详细说明了何时使用公共领域素材、如何恰当地引用他人作品以及如何处理音乐授权的复杂流程。这种对行业“灰色地带”的坦诚揭示，极大地增强了这本书的实战价值。它告诉你，一个伟大的创意如果败在版权诉讼上，那一切都是徒劳。这种务实到近乎“风险管理”的论述，对于任何希望将作品推向商业或公开播放的制作人来说，都是无价之宝，它确保了创意的生命力不会被后续的法律问题所扼杀。
阅读体验上，这本书的语言风格非常接地气，但绝非粗浅的口水话。它更像是一位经验丰富、不爱卖弄的资深制作人，在深夜的剪辑间隙，一边喝着咖啡一边跟你聊心法。书中对“现场调度”和“人际沟通”的论述，简直是教科书级别的职场情商指南。它没有把制作团队描绘成一个冰冷的机器，而是聚焦于其中最不稳定的变量——人。作者花了好大篇幅去解析如何处理导演与摄影师之间的技术分歧，如何安抚焦躁的制片人，以及如何在一个高压环境中保持团队的创造力不被扼杀。这种对“幕后政治”和“非技术性挑战”的坦诚剖析，是市面上其他书籍极少涉及的。它让我意识到，一个好的节目，一半靠技术，一半靠情商和管理。那些关于冲突解决和动机激励的小插曲，比任何关于场记板使用的说明都要来得珍贵和实用，它教你如何驾驭这个混乱而迷人的制作环境。
年代有些久远
李琳。
李琳。
李琳。
就算看全一遍，里面也背了不少东西了……
