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出版者:人民音乐出版社

作者:柏林

出品人:

页数:215

译者:

出版时间:2002-5

价格:51.90元

装帧:

isbn号码:9787103024874

丛书系列:

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鸿鹄之志：管弦乐器发展史与演奏技艺探微 本书深入探讨了管弦乐队这一复杂而迷人的音乐群体的演变历程，聚焦于木管、铜管、弦乐及打击乐器在不同历史时期的技术革新、音色特性及其在交响乐构架中的地位。全书以严谨的考据和丰富的案例分析为基础，力求勾勒出管弦乐艺术从巴洛克时期向浪漫主义乃至现代主义过渡的清晰脉络。 第一部分：管弦乐的起源与早期形态（约公元1600-1750年） 本部分追溯了早期管弦乐团的雏形，重点解析了巴洛克时期早期歌剧配器法对合奏形式的奠基作用。 第一章：早期合奏团的组织与功能 详细考察了16世纪末威尼斯歌剧院中乐队的构成。彼时，“管弦乐团”的概念尚未完全固化，乐器配置更多地取决于作品的即兴需要和当时的乐器制造水平。重点分析了羽管键（Harpsichord）或琉特琴（Lute）作为“通奏低音”（Basso Continuo）核心的不可替代性，以及这一传统对后世配器法的深远影响。介绍了小提琴家族的早期发展，特别是中提琴在早期合奏中相对边缘化的地位及其音色特点。 第二章：巴赫与亨德尔的配器哲学 深入剖析了约翰·塞巴斯蒂安·巴赫和乔治·弗雷德里克·亨德尔在器乐复调写作中对乐器性能的极致挖掘。 木管乐器的早期地位： 分析了双簧管（Oboe）和低音管（Bassoon）如何逐渐从纯粹的民间乐器融入宫廷乐队。探讨了巴赫在《布兰登堡协奏曲》中对木管乐器色彩组合的创新运用，例如对两支双簧管与英国管（Cor Anglais）之间音色对比的精妙处理。 铜管的限制与突破： 此时期的圆号（Natural Horn）和自然长号（Natural Trumpet）因缺乏活塞或键钮，其音域受到严格的自然音阶限制。本书细致研究了巴赫如何利用这些限制，通过高难度的音区切换和对特定调性的偏爱，反而创造出庄严、辉煌的铜管音响效果，特别是对D大调长号的运用范例。 第三章：协奏曲的结构与器乐对话 聚焦于阿尔比诺尼、维瓦尔第等人的协奏曲，探讨了“独奏乐器与乐队”（Concerto Grosso）的结构模式。强调了独奏声部与乐队声部之间紧张而平衡的对话关系，而非现代意义上纯粹的主导与烘托。 第二部分：古典主义的规范化与乐团的定型（约1750-1820年） 海顿和莫扎特的时代标志着管弦乐队的标准化进程。本部分阐释了均衡、清晰和结构性成为配器美学主流的过程。 第四章：管弦乐队的黄金标准 详述了在维也纳古典乐派时期，标准交响乐队的初步确立：两把木管乐器（双簧管、长笛、巴松管，圆号通常为两把）与弦乐组的固定配置。研究了莫扎特如何通过对不同声部平衡的精妙控制，实现其音乐的透明度和清晰度。分析了巴松管在古典主义配器中，从单纯的低音支持者转变为具备独立旋律功能的角色。 第五章：圆号与长号的解放 古典时期中期，配器技术的关键进步在于圆号的音域扩展。虽然活塞尚未完全普及，但作曲家开始探索更复杂的倚音和半音进行。本书对比了海顿晚期作品与莫扎特歌剧《费加罗的婚礼》中圆号的使用，展示了其如何从固定和声功能走向更具抒情性的表达。 第六章：早期管弦乐配器法的结构逻辑 系统分析了奏鸣曲式在交响乐中的应用，以及配器如何服务于这种结构——例如，通过突然的乐器组切换来强调呈示部、再现部的戏剧性对比，以及在发展部中通过复杂的对位和声部交织来增加织体密度。 第三部分：浪漫主义的色彩革命与乐器制造的飞跃（约1820-1900年） 本部分的核心在于解析贝多芬开启的浪漫主义精神如何推动乐器制造技术的革命性进步，并导致管弦乐队规模空前膨胀。 第七章：活塞的诞生与铜管的全面革新 这是本书的重点之一。详细描述了19世纪20年代活塞（Valves）和按键（Keys）的发明，如何彻底解放了圆号和长号的半音限制。 圆号的自由： 研究了门德尔松和舒曼如何率先利用全音域的圆号，创作出更流畅、更具叙事性的旋律线。 长号的地位提升： 重点分析了瓦格纳和威尔第歌剧中长号组（通常为三支次中音长号和一支低音长号）的引入，它们如何构建出前所未有的宏大、黑暗或英雄性的和声色彩，尤其是在歌剧《尼伯龙根的指环》中的运用。 第八章：木管的扩张与音色的“绘画” 阐述了19世纪中期，特别是席勒（Schillger）系统对长笛、双簧管和巴松管的机械改进，使得指法更加便捷，音准更加稳定。 新乐器的融合： 深入分析了英国管、低音单簧管（Bass Clarinet）和萨克斯风家族的引入。考察了柏辽兹和瓦格纳如何将这些新乐器视为“音色调色板”上的关键色彩，用于描绘特定的心理状态或自然景观。 第九章：弦乐的深化与表现力的极限 研究了浪漫主义时期对弦乐演奏技术的极高要求，包括弓法、揉弦（Vibrato）的广泛运用以及对音量的空前需求。分析了勃拉姆斯对巴赫复调精神的继承与如何通过更厚重的和声织体来重塑交响乐，以及德彪西和拉威尔在印象主义浪潮中对弦乐泛音（Harmonics）和拨弦（Pizzicato）的细微处理。 第四部分：20世纪及以后的配器探索 本部分关注现代主义对传统配器规则的颠覆，以及对非传统音色资源的开发。 第十章：对传统的解构与重组 探讨了斯特拉文斯基、勋伯格等作曲家如何挑战听觉习惯。分析了十二音体系和无调性音乐中，配器不再是为了追求和声的“美感”，而是为了突出音高之间的结构关系和纯粹的音色对比。 第十一章：打击乐器的地位跃升 细致梳理了定音鼓（Timpani）以外的打击乐器如何从单纯的节奏支撑，转变为重要的音高和色彩贡献者。重点分析了马林巴琴、颤音琴（Vibraphone）和各种新式打击乐器在20世纪配器中的独特作用，以及它们如何与电子音效进行并置。 第十二章：跨文化影响与电子媒介的融合 简要展望了当代配器实践，包括对民族乐器音色的采样和融入，以及电子合成器和音序器在现代管弦乐作品中与传统乐器组的共存与对话，展示了管弦乐艺术在技术时代下的持续演化。 本书旨在为严肃的音乐学习者、演奏家以及对管弦乐历史感兴趣的听众，提供一个全面、深入且聚焦于技术与美学交汇点的参考框架。

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