CorelDRAW12手繪藝術

CorelDRAW12手繪藝術 pdf epub mobi txt 電子書 下載 在線閱讀 2026

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出版者:
作者:騰龍視覺設計工作室
出品人:
頁數:310
译者:
出版時間:2003-6
價格:41.00元
裝幀:
isbn號碼:9787111122555
叢書系列:
圖書標籤:
  • 軟件
  • 設計
  • CorelDRAW
  • CorelDRAW 12
  • 手繪
  • 藝術
  • 設計
  • 圖形設計
  • 教程
  • 軟件
  • 電腦繪圖
  • 矢量圖形
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具體描述

本書在機械工業齣版社2003年齣版的《CorelDRAW 11手繪藝術》的基礎上進行瞭升級,對原有的內容進行瞭補充和完善,並對CorelDRAW 12的新增功能和CorelDraw Graphics Suite 12軟件包中其他幾個應用程序的特點和使用方法進行瞭詳細介紹,便於用戶全麵係統地學習CorelDRAW 12。

  本書根據軟件的結構和實例的難易程序,循序漸進地為讀者講述瞭CorelDRAW 12的全部功能。內容包括CorelDRAW 12概述、基礎圖形繪圖、自由創建圖

形、文本的創建和編輯、使用色彩、調整與變換對象、放置與安排對象、創建與使用特效、編輯調整位圖、CorclDRAW中的輔助程序包和綜閤實例等。

  在理論知識的講述過程中,通過30個精美的實例解析,使讀者能夠快速掌握具體的繪圖技巧和操作方法,達到學以緻用的目的。本書的附帶光盤中除瞭大量精美的素材外,還包含視頻教學多媒體的內容,以便讀者更直觀地學習本書內容。

  本書既可作為初學者的入門教程,也可作為專業圖形設計人員的參考書。

探尋數字繪畫的無限可能:超越CorelDRAW 12的創意疆界 本書並非一本聚焦於特定軟件版本操作技巧的指南,而是緻力於拓寬數字藝術創作者的視野,探索在更廣闊的創意領域中,如何運用現代的數字工具和理念,構建引人入勝的視覺敘事。我們深知,工具的迭代速度遠超想象,而真正持久的價值在於創意的核心與錶達的深度。因此,本書將完全避開對“CorelDRAW 12”具體界麵、工具欄布局或特定版本限製的講解,轉而著眼於數字藝術創作的通用原則、進階方法論以及跨平颱整閤的藝術實踐。 第一部分:創意內核與視覺語言的重塑 本部分將深入探討數字藝術的“骨架”——視覺語言的構成要素,這些元素無論使用何種軟件,都是構建優秀作品的基礎。 一、概念先行:從靈感到草圖的升華 我們首先關注的是“想法的提煉”。一個強大的視覺作品源於一個清晰、有力的概念。本書將教授如何運用思維導圖、情緒闆(Mood Board)的構建,以及色彩心理學的基礎,將模糊的靈感轉化為可執行的視覺藍圖。這涉及到對目標受眾的深刻理解,以及如何通過視覺元素來傳達特定的情感光譜。我們將討論“敘事性設計”——如何讓每一個筆觸都服務於作品想要講述的故事。 二、綫條的藝術:嚮量思維的普適性 雖然本書不涉及CorelDRAW 12的路徑工具細節,但我們會探討“嚮量思維”的本質。嚮量圖形的魅力在於其無限的可伸縮性和精確性。我們將分析不同綫條的“重量”(Weight)、“質感”(Texture)和“動態”(Dynamics)如何影響最終的觀感。內容包括:如何運用不同級彆的平滑度(Bezier Curves的數學基礎原理而非軟件實現),來模擬手繪的自然律動,以及如何運用負空間(Negative Space)來增強畫麵的結構感和張力。此處的探討是關於“幾何如何服務於美學”。 三、光影的魔法:數字照明與體積感營造 光綫是賦予二維畫麵以三維生命的關鍵。本書將著重於“數字光照原理”的深入理解。我們不會討論特定軟件中的“漸變工具”設置,而是剖析自然界中的光綫行為:硬光、柔光、散射光、環境光遮蔽(Ambient Occlusion)的視覺效果。如何通過精確的明暗對比(Chiaroscuro)來塑造物體的體積感,如何利用環境色溫來烘托氣氛,以及如何通過高光和反射來暗示材質的物理屬性(如金屬的冰冷、皮革的溫潤)。 第二部分:高級技法與現代工作流 數字藝術的進步,很大程度上依賴於藝術傢如何有效地組織和管理復雜的工作流程,並整閤新興的技術。 四、色彩理論的實戰應用:超越色輪的限製 色彩不僅僅是RGB或CMYK值。本章將專注於色彩的“關係”與“情緒錨定”。我們將探討高級的色彩調和(Harmonization)方法,例如濛德裏安的色彩平衡理論,以及如何運用“受限調色闆”來統一復雜畫麵的視覺焦點。內容將涉及如何構建專屬於特定項目的自定義色庫,確保作品在不同輸齣介質上保持一緻的視覺衝擊力。我們將分析大師作品中的色彩運用規律,而非軟件內置的預設。 五、材質的模擬與肌理的構建 在現代數字繪畫中,“真實感”往往取決於對細節肌理的掌控。本書將探討如何通過層疊、混閤模式(Mixing Modes,抽象化討論其原理,而非具體操作步驟),以及噪聲(Noise)的運用,來模擬如布料縴維、風化木材或磨砂玻璃等復雜錶麵。重點在於理解不同材質對光綫的反射和吸收特性,從而創造齣可信的視覺觸感。 六、跨媒介整閤與效率最大化 一個成熟的數字藝術傢必須能夠熟練地在不同工具間遷移工作流。本書的後半部分將側重於“工作流的彈性”。我們將討論如何將基於矢量的精確性與基於像素的自由錶現力進行有效結閤。例如,如何利用外部三維模型的精確透視骨架來指導二維繪製,如何高效地管理和命名圖層結構(Layer Management)以便於後期動畫或互動媒體的二次開發,以及如何建立個人化的快捷鍵係統(無論使用何種平颱),以最大限度地縮短“思考時間”與“操作時間”的差距。 七、排版與信息架構的藝術 對於許多應用藝術(如圖形設計、插畫海報)而言,文字排版與圖像的融閤至關重要。本章將從藝術設計的角度審視字體選擇、字距(Kerning)、行距(Leading)如何影響整體布局的節奏感。我們探討的不是軟件中的字體麵闆設置,而是如何讓文字本身成為畫麵構圖的一部分,實現“圖文閤一”的視覺效果。 總結而言,本書旨在將讀者從對特定軟件界麵的依賴中解放齣來,使他們掌握的是數字藝術創作領域中那些永恒的、跨越版本的核心能力:構建概念、掌握光影、駕馭色彩、優化流程。讀者將獲得一套強大的方法論工具箱,足以應對未來任何圖形軟件的挑戰,專注於提升“我能看到什麼”,而非“我該點擊哪裏”。

作者簡介

目錄資訊

讀後感

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用戶評價

评分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計著實讓人眼前一亮,封麵色彩搭配大膽而和諧,那種老式印刷品的質感,一下子就把我拉迴到瞭那個技術尚在摸索,但創意卻噴薄而齣的年代。內頁紙張的選用也很考究,摸上去有一種溫潤的觸感,即便是反復翻閱,也不會輕易留下難看的摺痕。我尤其欣賞扉頁上那段引言,措辭極其典雅,似乎在暗示著這本書不僅僅是一本技術手冊,更是一部關於圖形藝術精神的宣言。盡管我還沒來得及深入研究具體的操作技巧,光是欣賞它所營造的這種氛圍,就已經覺得值迴票價瞭。它散發齣的那種對經典設計的敬意,通過排版布局的每一個細節都得以體現,比如章節標題的字體選擇,那種略帶襯綫的字體,沉穩又不失靈動,與如今充斥著極簡主義的界麵設計形成瞭鮮明的對比,反而讓人感到一種久違的踏實和專業感。我期待著通過這本書,能夠領略到那個時期藝術傢們是如何駕馭軟件,將他們的想象力轉化為清晰、有力的視覺語言的。這本書的實體書本身,就像一件精心打磨的藝術品,擺在書架上,本身就是一種審美的享受。

评分☆☆☆☆☆

我必須承認,書中某些關於圖層混閤模式和位圖處理的章節,其深度和廣度遠遠超齣瞭我預期的“基礎教程”範疇。特彆是關於位圖轉矢量化過程中,如何權衡細節保留與文件大小優化之間的矛盾,作者提齣瞭一套非常個人化的“經驗法則”。他似乎對早期掃描儀和圖形闆卡的性能限製有著深刻的記憶,並據此開發齣瞭一套獨特的“摺衷”工作流程。其中提到的一種利用網格變形工具來模擬手繪筆觸中細微的顫抖和不均勻感的方法,雖然操作步驟繁瑣,但最終效果卻充滿瞭人情味,避免瞭純矢量圖形的冰冷感。這本書的價值就在於,它把軟件功能的使用,上升到瞭對“手繪精神”的模仿和緻敬,它不是教你如何操作工具,而是教你如何像一個老派匠人那樣思考工具的限製與可能性。這需要讀者具備一定的耐心和對曆史技術的興趣。

评分☆☆☆☆☆

我花瞭好幾天時間,沉浸在那些關於“麯綫的魔力”的理論探討中,雖然這些理論聽起來有些玄乎,但作者用非常生活化的比喻,將復雜的數學原理剖析得深入淺齣。我特彆留意瞭其中關於“控製點與句柄的微妙平衡”那一章,文字描述極其細膩,仿佛能看到一雙經驗豐富的手,在屏幕上如同演奏樂器般調整著路徑的走嚮。書中對於不同類型的麯綫——比如貝塞爾麯綫和樣條麯綫——在特定應用場景下的優劣分析,簡直就是一部小型的幾何學簡史。它並沒有直接給齣“點擊此處,拖動至彼處”這種僵硬的指令,而是引導讀者去“感受”麯綫的張力與鬆弛。這種教學方式,迫使我必須放慢速度,用更哲學的眼光去看待每一個錨點的位置。坦白說,這對習慣瞭快速獲取答案的現代讀者來說,是一種挑戰,但這種挑戰帶來的心流體驗是無與倫比的,它建立的不是肌肉記憶,而是視覺思維的底層邏輯。

评分☆☆☆☆☆

整本書的後半部分,似乎更側重於“項目實戰”與“設計哲學”的結閤。我重點看瞭關於“海報設計中的視覺層次構建”的那幾個案例,案例的時代背景是上世紀末的文化宣傳活動。這些案例的拆解步驟異常細緻,從最初的草圖概念構思,到墨綫稿的精細打磨,再到最後效果的渲染,每一步都配有詳細的圖文說明。最讓我感到啓發的是,作者強調瞭“留白”在構圖中的主動性,認為空白區域不應被視為未填充的空間,而應是與主體元素同等重要的對話者。這種對負空間的深刻理解,即便在今天的極簡設計中也依然適用,但從這本書中讀齣,卻帶著一種對古典構圖學原理的虔誠迴歸。它讓我意識到,很多當下流行的設計趨勢,其根源都可以在這些看似過時的軟件和經典案例中找到清晰的脈絡。這本書更像是一份關於“如何看設計”的入門指南,而非僅僅是“如何用軟件”的說明書。

评分☆☆☆☆☆

這本書在色彩理論的應用部分,展現瞭一種近乎偏執的嚴謹性。它不是簡單地羅列色輪和RGB/CMYK值,而是深入探討瞭特定曆史時期中,設計師們是如何看待和使用色彩的。我記得有一段描述瞭如何通過調整特定色彩的明度和飽和度,來模擬齣老式印刷品中墨水滲透到紙張縴維裏的那種“邊緣擴散”效果,這個細節令我拍案叫絕。作者似乎對早期噴墨和激光打印機的局限性瞭如指掌,並將這些“局限”轉化為瞭獨特的藝術風格的基石。讀到這裏,我開始反思自己過去過於依賴軟件內置的“完美”色彩庫,而忽略瞭色彩在物理世界中與介質的交互。書中的案例分析,雖然截屏的清晰度受限於那個時代的屏幕分辨率,但其背後的設計意圖和色彩心理學分析,至今看來依然振聾發聵,充滿瞭洞察力。它教會我,好的設計首先是理解限製,然後超越限製。

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