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出版者:中国城市出版社

作者:闻新

出品人:

页数:210

译者:

出版时间:2002-1

价格:15.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787507413434

丛书系列:

图书标签:

• 个人成长
• 职场技能
• 领导力
• 时间管理
• 效率提升
• 思维模式
• 成功学
• 自我提升
• 目标设定
• 影响力

好的，这是一份关于一本名为《光影流转》的图书的详细简介，字数约1500字，内容不涉及“领先一步”这本书的任何信息： --- 《光影流转：电影艺术的百年回响》 导言：捕捉时间，重塑现实 《光影流转：电影艺术的百年回响》并非一部简单的电影史编年史，而是一次深入光影构建的哲学之旅。本书旨在探索电影作为一门综合性艺术，如何从诞生之初的魔术奇观，演变为影响人类感知、塑造集体记忆的强大媒介。我们试图解构的，是光线、运动与时间这三大核心要素，如何在二维平面上，创造出令人信服的、甚至超越现实的“第三维度”。 本书的结构围绕着电影艺术的几个关键的、具有里程碑意义的转折点展开，从默片时代的蒙太奇理论先驱，到好莱坞黄金时代的叙事规范，再到战后欧洲新浪潮对既有美学的颠覆，直至当代数字技术对真实边界的模糊化处理。我们关注的焦点始终是：电影如何“看”世界，以及世界如何因电影而“被看见”。 第一部分：萌芽与发明——凝固的瞬间与运动的幻觉 本部分追溯了电影的起源，聚焦于那些早期探索者如何克服技术限制，将静态的画面赋予生命的魔力。 1. 视觉的贪婪与技术的突破： 我们首先审视了爱迪生、卢米埃尔兄弟等先驱的早期实验。这不仅仅是关于发明了摄影机和放映机，更重要的是理解他们如何捕捉了“流逝”本身。卢米埃尔的《火车站进站》为何能引起观众的恐慌？这揭示了人类对于运动再现的原始本能反应。 2. 乔治·梅里爱与梦境的构建： 梅里爱将电影从纪实工具升华为奇幻画布。他的工作是电影史上第一次将“叙事”与“视觉奇观”并置。本章深入分析了早期剪辑技巧和特技的诞生，探讨了电影如何成为一个可以随意扭曲时空的“魔术箱”。我们着重分析了《月球旅行记》中对场景调度和布景设计的革新，它奠定了电影空间营造的基础。 3. 叙事的诞生：格里菲斯的结构与争议： D.W.格里菲斯将电影的长度从短片推向长篇，并系统化了叙事结构。本章详细剖析了交叉剪辑、景深镜头以及情感聚焦等手法如何被固定下来，形成了早期的好莱坞范式。当然，我们也必须正视其作品中存在的深刻的时代偏见和文化误读，探讨艺术表达与社会责任之间的复杂张力。 第二部分：蒙太奇的语言——构建意义的拼图 默片时代不仅是技术的竞赛，更是理论的爆发期。本部分聚焦于苏联蒙太奇学派，他们将剪辑从单纯的场景连接升级为思想传递的工具。 1. 爱森斯坦的“碰撞”与辩证法： 爱森斯坦的“冲突性剪辑”是电影史上最激进的理论贡献之一。我们详细解读了《十月》和《战舰波将金号》中的“镜头是细胞，蒙太奇是细胞分裂”的理论。通过对特定镜头的分解，展示了如何通过非逻辑的并置，引导观众产生预设的观念和情感共鸣。 2. 普多夫金的“连接”与情感的顺延： 与爱森斯坦的冲突理论相对，普多夫金更侧重于镜头的引导性和连接性，强调节奏对情绪的逐步积累。本章对比了两者的差异，揭示了早期电影语言的两种基本路径：一种是激烈的思想碰撞，另一种是流畅的情感导入。 3. 视觉的节奏与声音的解放： 有声电影的出现并非是对默片的简单补充，而是一场彻底的革命。我们考察了声音如何改变了镜头的运动规律和场景的设计。声音不再仅仅是画面的伴奏，而是成为了叙事结构的一部分，为后来的表现主义和黑色电影奠定了基础。 第三部分：黄金时代的规范与风格的张力 好莱坞的工业化生产塑造了大众对“电影是什么”的普遍认知。本部分探讨了制片厂制度下，如何在一套严格的规则内，诞生出风格迥异的大师作品。 1. 景深镜头与空间的深度（奥逊·威尔斯与卡恩）： 我们分析了深焦镜头如何打破了传统好莱坞浅景深对叙事重心的单一控制。通过研究《公民凯恩》，我们看到空间不再是背景，而是参与到角色冲突和心理状态塑造中的活跃元素。摄影师格雷格·托兰对光线和构图的运用，挑战了既有的视觉逻辑。 2. 黑色电影的心理阴影： 黑色电影（Film Noir）是美国大萧条后集体焦虑的投射。本章剖析了其美学特征：低角度仰拍、强烈的明暗对比（明暗对比法）、都市的迷宫感以及蛇蝎美人的原型。这不仅是风格的复兴，更是对美国“光荣叙事”的一次深刻的自我审视。 3. 视觉的作者性：西班牙的阴影与德国的表现主义： 本部分也拓宽视野，考察了欧洲在同一时期的风格贡献。从德国表现主义对扭曲线条和非自然光线的迷恋，到西班牙导演布努埃尔对超现实主义的嫁接，电影开始展现出强烈的个人印记和对社会现实的隐秘批判。 第四部分：战后的解构与重塑——现代主义的电影宣言 二战结束后，欧洲的知识分子对既有的电影语言产生了深刻的怀疑和反思，促成了电影艺术的“现代主义”转向。 1. 意大利新现实主义的回归大地： 新现实主义将镜头从摄影棚拉向了废墟般的街头。本章探讨了如何使用非职业演员、自然光和即兴叙事，来捕捉战后意大利人民的真实困境。其对“日常生活”的关注，是对好莱坞宏大叙事的直接反叛。 2. 法国新浪潮的“场面调度”与个人主体性： 特吕弗、戈达尔等人高举“作者论”，将导演视为电影的唯一作者。他们打破了经典的连续性剪辑，引入了跳切、即兴对白和直接对镜头讲话（打破第四面墙）。本书着重分析了戈达尔的《精疲力尽》如何通过节奏的打断，来表达现代主体性的碎片化和疏离感。 3. 塔可夫斯基与“雕刻时间”： 与西方电影的锐利和快速不同，安德烈·塔可夫斯基的电影追求一种沉思性的、诗意的节奏。他提出了“雕刻时间”的概念，强调长镜头和镜头的“湿润性”，即镜头在空间中移动时，所携带的时间的重量和意境。 第五部分：奇观的扩散与数字的边界 进入当代，电影艺术面临着技术爆炸带来的双重挑战：商业奇观的无限扩张与独立电影对形式的持续实验。 1. 工业奇观的巅峰：特效与沉浸感： 从《星球大战》到詹姆斯·卡梅隆的作品，数字技术如何重塑了观众对“真实”的期待？本章分析了CGI技术如何解放了想象力，同时也探讨了过度依赖特效可能带来的叙事空洞化风险。 2. 后现代的解构与互文性： 当代电影常常自我指涉，互相引用。昆汀·塔伦蒂诺等导演的作品是对类型片历史的戏仿与重组。我们探讨了这种“拼贴”美学如何反映了信息爆炸时代下，文化记忆的碎片化状态。 3. 屏幕的未来与存在的疑问： 最后，本书触及了流媒体平台、虚拟现实技术对传统电影放映体验的冲击。当叙事不再被限制在固定画框内，当观众可以主动选择视角时，电影艺术的核心——即集体观看的仪式感和导演对“时间”的控制权——将发生怎样的根本性变化？ 结语：光影之外的永恒追问 《光影流转》试图证明，电影的伟大之处，不在于它能“记录”什么，而在于它“如何看待”所记录的一切。它是一门关于感知、关于记忆、关于我们如何理解自身的艺术。每一次技术和美学的革新，都是对人类精神世界的一次深刻探索。本书期望为读者提供一套分析工具，使他们能够更深入地欣赏和批判那些塑造了我们共同视觉文化的长久回响。 ---

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