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出版者:上海人民美术出版社

作者:胡传海

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:1998-3-1

价格:7.50元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787532217885

丛书系列:

图书标签:

• 书法
• 书法教程
• 书法入门
• 楷书
• 临摹
• 字帖
• 书法技法
• 文化艺术
• 教育
• 书法学习

翰墨丹青：中国传统绘画入门精要 作者： 王墨轩 出版社： 华夏文化艺术出版社 装帧： 精装，全彩印刷 页数： 480页 定价： 188.00 元 --- 内容提要： 《翰墨丹青：中国传统绘画入门精要》是一部系统而深入介绍中国传统绘画（国画）基础技法、理论思想与美学精神的权威性教材。本书旨在为初学者提供一条清晰、扎实的学习路径，帮助读者跨越门槛，领略水墨丹青的无穷魅力。全书内容涵盖了中国画的起源、发展脉络、基本笔墨技法、文人画精神，以及山水、花鸟、人物三大主流画科的入门要领。 --- 第一部分：溯源与基石——中国画的哲学与工具 第一章：中华丹青的千年之约 本章深入探讨中国绘画的历史演变，从远古的岩画遗迹，历经魏晋风骨的初成，唐宋盛世的规范确立，至元明清的文人画高峰，勾勒出中国画在不同历史阶段的时代精神与艺术取向。重点解析了“随类赋彩”、“骨法用笔”、“气韵生动”等核心审美范畴的哲学内涵，强调绘画并非单纯的摹写，而是“心手相应”的媒介。 第二章：笔墨纸砚——入道的器物之学 详细介绍了中国画创作所依赖的四大“文房用具”——笔、墨、纸、砚的材质特性、选择标准与日常养护之道。 画笔精选与执笔之法： 区分狼毫、兼毫、羊毫等不同特性对线条表现力的影响，规范“执笔”的姿势（提、按、顿、挫），这是控制笔触力量的基础。 墨的晕化与层次： 探讨松烟、油烟墨的差异，重点讲解“墨分五色”的原理，即通过兑水比例控制浓、重、饱、破、飞等不同墨色的运用，实现画面丰富的视觉层次。 宣纸的吸水性与适应性： 介绍生宣、熟宣的特性，以及皮纸、棉纸在不同技法中的应用，强调如何根据创作意图选择合适的载体。 第三章：线条的哲学——“十八描”与骨法用笔 线条是中国画的骨架与灵魂。本章集中剖析中国画线条的“造型”与“写意”功能。 用笔的力度与节奏： 讲解如何通过控制毛笔的侧锋、中锋、偏锋，展现出力度、速度和弹性。 十八描法详解： 以清晰的图解方式，示范陈旧、高古游丝描、兰叶描、铁线描等经典线条的画法要领，帮助学习者理解不同线条对表现对象质感、体积的决定性作用。 皴法的初探： 简要介绍山水画中用于表现山石肌理的皴法（如披麻皴、斧劈皴）的初步概念，作为后续深入学习的铺垫。 --- 第二部分：三大画科的入门技法 本部分将三大主流画科（山水、花鸟、人物）的入门技巧进行拆解，注重从基础元素入手，实现可操作性的教学。 第四章：山峦的呼吸——山水画的写景与立意 山水画是中国画体系中气象最宏大、技法要求最复杂的一科。本章侧重于构图与整体气势的把握。 点景元素的组合： 讲解树法（如松针的画法、杂树的布局）、水法（云雾、流水的处理）以及点景（房屋、桥梁、人物）的规范。 远、中、近景的空间处理： 运用“高远、深远、平远”三种传统构图法，示范如何通过墨色的浓淡变化来营造空间纵深感。 初试青绿与浅绛： 简要介绍早期的设色山水（青绿山水）和文人画中常用的浅绛山水（以淡墨皴擦后施以赭石、花青染色）的基本步骤。 第五章：生命的赞歌——花鸟画的观察与造型 花鸟画是最贴近生活的画科，本章强调对自然物象的细致观察和“传神”的表达。 “一笔画”的奥秘： 重点讲解如何用最精炼的笔墨（如“一笔鹅”、“二笔竹”）表现物体的神态。 花卉的结构与姿态： 针对梅、兰、竹、菊“四君子”进行专项训练，如画竹的节、枝、叶的向背关系，以及写梅花的虬枝与傲骨。 禽鸟的动态捕捉： 示范如何通过观察鸟类的骨骼结构，用活泼的线条捕捉停歇、飞翔时的瞬间姿态，强调“活”而非“像”。 第六章：风骨与气度——人物画的写意与传神 人物画是中国画中最注重“气韵”与“品格”的画科。 “三停五官”的比例规范： 介绍中国人物画中对于人体结构的基本简化和程式化处理，避免西方透视的干扰。 线条与衣纹的结合： 深入讲解衣纹的表现技法，如“曹衣带水”、“吴带当风”等不同流派对衣褶的处理方法，使人物造型既有立体感又不失飘逸感。 “写意”的入门： 探讨如何在速写中捕捉人物的内在气质，而非仅仅描绘外形，从“勾勒”到“写意”的过渡技巧。 --- 第三部分：审美升华与创作实践 第七章：文人精神与意境的营造 本章探讨中国画的独特价值——文人画（士人画）的兴起及其核心思想。 “诗、书、画、印”的融合： 阐释中国画的“四绝”是如何相互渗透，共同构建画面的意境与文化层次。 留白（计白当黑）的艺术： 深入解析“计白当黑”在构建画面气氛、引导观者视线中的重要作用，理解“虚实相生”的东方美学。 题款与印章的学问： 指导初学者如何根据画面内容和自身学养，恰当地在画上题写诗词或引文，以及如何正确使用和布局自己的印章。 第八章：临摹与创作的转化 强调“从临摹中汲取营养，向生活获取灵感”的学习方法。 精准临摹的步骤： 详细指导初学者如何进行“对临”与“仿作”，重点在于分析原作的笔墨逻辑，而非简单复制表象。 创作的起始与构思： 引导读者如何将前述的技法知识融会贯通，从确定主题、选择题材到完成一幅具有个人面貌的作品。 --- 本书特色： 1. 体系完整： 从工具介绍到理论阐释，再到三大画科的技法实操，构成一个无缝衔接的学习闭环。 2. 图文并茂： 全书配有数千幅高清的步骤分解图、名家原作赏析图，以及作者亲手绘制的示范图例，清晰直观。 3. 强调内涵： 不仅教授“如何画”，更深入讲解“为何这样画”，引导学习者理解中国画背后蕴含的传统哲学思想与人格修养。 适合人群： 零基础、有志于系统学习中国传统绘画的爱好者、艺术院校相关专业的学生、以及希望提高艺术素养的文化工作者。 --- 【附录：经典画作鉴赏速查手册】 精选历代山水、花鸟、人物画作的代表作50幅，简要分析其笔墨特点与时代背景。 --- （总计约1500字）

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**评论一：** 这本《书法教程（上）》的书脊设计着实让人眼前一亮，那种沉稳的墨绿色搭配烫金的字体，初上手时就有一种对传统文化的敬畏感。我本是抱着试一试的心态买的，因为之前尝试过几本所谓的“入门”教材，结果要么是图文过于繁杂，要么就是讲解过于晦涩，让我这个完全的门外汉感到无从下手。然而，这本书的开篇布局非常巧妙，它没有直接跳入复杂的笔画结构，而是花了大篇幅来介绍“执笔”的细微差别，从如何放松虎口到手指的相对位置，甚至连坐姿的微小调整都配上了清晰的侧视图和俯视图。我特别欣赏作者在讲解“腕运”时所用的比喻，比如将手腕比作船舵，需要“柔中有刚，刚而不僵”。这种富有生活气息的描述，极大地降低了学习的心理门槛。我跟着书中的步骤练习了几天，虽然成果依然稚嫩，但至少感觉到自己的手腕开始有意识地去协调手臂的力量，不再是僵硬地“写”字，而是尝试去“控”笔。至于具体的字帖范例，我个人认为选择的是相当经典的，比如颜体的楷书入门部分，选取的字例都是结构相对均衡、笔画变化适中的，避免了一开始就接触到过于雄奇或过于精微的范本，这对建立良好的基础信心至关重要。整体来说，这本教程在“教你如何开始”这个阶段做得非常扎实，为后续的深入学习打下了坚实的物理基础。

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**评论四：** 这本书的装帧和纸张选择，我认为是它最值得称赞的地方之一。作为一本需要反复蘸墨、反复书写的教程，它的纸张厚度适中，吸墨性处理得非常到位，即便是使用浓墨，也没有出现墨水穿透到下一页的尴尬情况。我用过不少教材，要不纸张太光滑导致笔锋打滑，要不就是吸墨太快导致墨色变化不明显。这本《书法教程（上）》的纸张似乎找到了一个完美的平衡点，使得初学者在控制墨量和观察笔迹变化时，能得到最直观、最及时的反馈。另外，书中对“工具的选择与保养”这一环节的介绍，非常详尽和实用。它不仅推荐了适合初学者的羊毫兼毫笔，还详细说明了如何正确地“开笔”和“养笔”，甚至对不同产地的毛笔在弹性上的细微差异都有所提及。这让我意识到，以前我总觉得是自己技术不行，现在才明白，合适的工具能让事半功倍。这种对学习者全方位体验的关怀，使得这本书不仅仅是一本教材，更像是一位资深前辈的工具箱指南，让人感到非常贴心和专业。

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**评论五：** 如果说前几部分是教我“怎么做”，那么这本书后半段关于“心法”的阐述，则真正触动了我。作者在介绍完楷书的基础结构后，并没有急于进入行书或草书，而是用了一种非常文学化的笔触，探讨了“书法与性情”的关系。他引用了大量的古代名人轶事，比如苏轼的旷达、王羲之的内敛，来佐证不同的心境如何投射到笔端。这对我来说非常重要，因为我发现自己练习书法时，常常因为追求形似而显得心浮气躁，写出来的字也僵硬无比。这本书提醒我，书法最终的目的是“修身养性”，而非仅仅是模仿古人。其中有一段关于“心静则笔直，笔直则意畅”的论述，给了我极大的启发。它让我开始学会在练习前进行短暂的冥想，试着将心头的杂念清空，再落笔。虽然这听起来有点玄乎，但当我真正尝试用一种更平和的心态去面对那张白纸时，我发现笔画的起承转合确实变得更加自然流畅，少了一份刻意为之的痕迹。这种对内在世界的关注，使得这本教程的价值远远超越了技巧层面的指导，更像是一本艺术哲学的入门读物。

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**评论三：** 坦率地说，我对书法艺术的理解一直停留在“好看”的层面，从未想过其中蕴含着如此复杂的结构学和空间哲学。这本《书法教程（上）》在这方面给了我一个全新的视角。它没有把重心放在某个名家的“风格”上，而是回归到了最本质的“结构平衡”理论。作者引入了类似建筑学中的“重心”和“力线”概念来分析汉字的布局，这一点对我这样偏爱逻辑性的学习者来说，简直是醍醐灌顶。比如在讲解“点”的形态时，书里提到“点非点，乃是力的骤停之处”，并详细对比了楷书的“坠点”、隶书的“方点”在字形中所起到的支撑作用。我过去练习时总是觉得某个字写出来“歪”，但看了这本书后，我开始意识到问题出在笔画之间的“气”没有连贯起来，而不是单个笔画的形态有问题。书中对于“疏密得当”的讲解尤其深刻，它不再是简单的教你“留白”，而是教你如何通过笔画的粗细变化，来控制文字内部的气流，使整个字形在视觉上达到一种动态的稳定感。这种从宏观到微观，再回到整体平衡的教学路径，让学习过程充满了理性的思考，而非纯粹的机械模仿。

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**评论二：** 我购买这本《书法教程（上）》主要是冲着它宣传中提到的“数字化辅助学习体系”，结果发现，虽然纸质书本身质量上乘，装帧考究，但真正让我感到惊喜的，是其中关于“墨分五色”的探讨。对于初学者来说，大家往往只关注黑白分明的笔画，却忽略了墨的浓淡干湿对线条质感的影响。这本书在这方面做了细致的剖析，不仅有不同浓度墨水在宣纸上洇开的微距照片，甚至还引入了古代文人对墨锭研磨时间长短的记载，将书法从单纯的“写字”提升到了“用墨的艺术”。我尝试着根据书中的建议，调整了研墨的力度和时间，发现即便是同一个“永”字，在略微偏干的墨和饱满的墨中写出来，给人的感觉是完全不同的——前者刚劲有力，后者温润内敛。此外，书中对基础笔画的拆解也相当有创意，比如“横”这个最简单的笔画，就被分为了起笔的“藏锋”、行笔的“中锋平过”和收笔的“回锋”三个独立章节，每一个环节都配有慢动作分解图，我对着图例练习时，感觉就像有位老师在旁边耐心地指导，而不是干巴巴地看着一个静态的字帖临摹。这种细致入微的指导，让那些原本以为自己“悟性不够”的技巧，似乎触手可及了。

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