具体描述
This remarkable collection challenges traditional ways of thinking about the relationship between genre and gender, understanding their meeting as a mutually transformative encounter. Responding to postmodernist conceptions of genre and post-feminist theories of gender and sexuality, these essays move beyond the limits of representation. Testing new thinking about genre, gender, and sexuality against closely analyzed films, they explore generic convention as means of putting into play what our culture makes of us, while finding in genre's repetitions infinite possibilities of cross-generic, cross-gender, cross-sex permutation. At the same time the aesthetic and emotional dimensions of gender and sexuality come into view as elements fuelling the dramatic worlds of film genres, producing in the encounter new gendered perceptions, affects, and effects. Drawing on the intensifying transnational context of film production and on postcolonial thinking, this volume includes essays that explore the transformational transactions between gender and genre as world-circulating Hollywood generic practices intersect with and are stimulated by American independent, European, Indian, and Hong Kong cinemas. Such revised concepts of genre and gender question taken-for-granted relationships between authorship and genre, between centre and periphery, between feminism and generic filmmaking, and the supposed gendering of genres, filmmakers and their audiences. Contributors are Ira Bhaskar, Xiangyang Chen, Steven Cohan, Luke Collins, Pam Cook, Lucy Fischer, Jane Gaines, Christine Gledhill, Derek Kane-Meddock, E. Ann Kaplan, Samiha Matin, Katie Model, E. Deidre Pribram, Vicente Rodriguez Ortega, Adam Segal, Chris Straayer, Yvonne Tasker, and Deborah Thomas.
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读后感
用户评价
读完这本书，我感觉自己像刚刚完成了一场漫长而深刻的学术研讨会，与作者进行了一次思想上的高强度对话。作者在处理不同地域和文化背景下的战后电影现象时，展现出了极高的跨文化敏感度，避免了西方中心主义的窠臼。特别是对欧洲大陆电影的剖析部分，那种对存在主义思潮与电影叙事交织的探讨，简直是妙笔生花。那种对“意义缺失”和“身份迷失”主题的精准捕捉，使得电影不再是单纯的娱乐产品，而是严肃的哲学载体。阅读过程中，我不得不频繁地停下来，查阅作者提及的那些冷门理论家的著作，这本身就是对这本书知识密度和启发性的最好证明。它强迫你走出舒适区，去直面那些关于战争、记忆和身份认同的尖锐问题。这本书的语言风格略带古朴和严谨，但正是这种沉稳，赋予了其观点持久的重量感，让人感觉每一个论断都经过了千锤百炼。
从读者的角度来说，这本书的阅读体验是非常具有挑战性，但也极其丰厚的回馈。它不像那些市面上常见的、追求通俗易懂的电影普及读物，它更像是邀请你进入一个思想的迷宫，需要你投入全部的智力资源去探索。作者对叙事非线性的偏爱，在分析电影结构时表现得淋漓尽致，她似乎并不满足于简单的因果链条，而是热衷于探讨那些“断裂”和“闪回”在传达历史创伤时的强大效力。我尤其欣赏作者在不经意间流露出的对电影制作幕后的敬畏之心，她让我们明白，一部伟大的电影是无数个艰难抉择和妥协的产物。读完之后，我对于“叙事”这件事本身产生了更深的敬畏，因为它不仅仅是讲故事，更是建构世界观的过程。这本书提供的分析工具和理论框架，足以支撑我未来很长一段时间对任何后经典时期电影的研究和欣赏。
这本书最让我震撼的是其对技术与艺术融合的独到见解。它并没有将电影的演变简单归结为社会思潮的反映，而是深入探讨了新的摄影技术、剪辑手法以及声音设计如何共同塑造了战后观众全新的感知模式。例如，作者分析了某些特定焦距镜头在表现战后人物内心疏离感时的微妙作用，这细节的观察入微到了令人发指的地步。对于那些战后新兴的电影流派，比如新现实主义运动的后期形态，作者没有流于表面上的“真实性”讨论，而是探讨了“真实”本身在战后语境下是如何被解构和重构的。这本书的排版和插图选择也极为考究，那些黑白剧照的选取，本身就带有一种肃穆的历史感，与文字内容相得益彰。我发现自己不仅在阅读电影史，更是在学习如何用更具批判性和系统性的眼光去审视任何形式的视觉艺术创作。这本书是那种需要反复品读，每次都会有新发现的珍贵文本。
这本书简直是本视觉盛宴，作者的叙事功力令人惊叹，我仿佛跟着片中的人物一起经历了那个动荡的时代。首先吸引我的是它对于战后电影美学转变的敏锐捕捉。那种从旧日辉煌跌落后的挣扎与新生，被细腻地呈现在银幕上，不仅仅是技术层面的进步，更是精神层面的觉醒。电影中的光影处理，那种特有的冷峻与疏离感，仿佛在无声地诉说着一代人的集体创伤和随后的自我重建过程。我特别喜欢作者对那些早期经典影片的深度挖掘，那些原本以为已经烂熟于心的镜头，在作者的笔下焕发出了全新的生命力，揭示了隐藏在叙事表象之下的深层文化焦虑。每一次翻页，都像是在进行一场沉浸式的电影考古，让人不禁思考，艺术是如何在历史的巨变中，充当时代的镜子与良心的。那些关于角色心理侧写的分析尤其精彩，人物的矛盾与挣扎不再是简单的戏剧冲突，而成为了时代精神的缩影，我几乎能感受到他们呼吸的节奏和眼神中的复杂情绪。
这本书的结构安排堪称教科书级别，逻辑层层递进，读起来酣畅淋漓，毫无晦涩之感。作者在梳理战后电影工业的转型时，展现了惊人的行业洞察力，无论是制片厂制度的瓦解，还是独立电影力量的崛起，都被勾勒得清晰明了。我最欣赏的一点是，它没有停留在对名导名作的堆砌上，而是将焦点放在了那些经常被主流历史叙事忽略的边缘声音和先锋尝试上。比如，对于某些在当时并不卖座，但对后世影响深远的实验性短片和纪录片的重估，就极大地拓宽了我的电影视野。那种对细节的执着和对文献资料的扎实考据，使得整本书的论证充满了无可辩驳的力量感。读完后，我立刻去重温了几部过去觉得平淡无奇的影片，结果完全是醍醐灌顶，才明白当初的“平淡”实则蕴含了多么巨大的思想张力。这本书的价值在于，它不仅仅是回顾历史，更是提供了一套理解当代电影语境的全新底层逻辑。
