荣宝斋画谱.166,人物部分 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:荣宝斋

作者:刘国辉

出品人:

页数:42

译者:

出版时间:2004-7

价格:18.00元

装帧:

isbn号码:9787500307242

丛书系列:

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《中国历代名家花鸟画选粹》：一部跨越时空的艺术画卷 引言： 中国艺术史浩如烟海，其中花鸟画以其独特的审美情趣和深厚的文化内涵，占据着不可替代的地位。它不仅是对自然万物的精微描摹，更是画家心境、学识与哲思的外化。本书《中国历代名家花鸟画选粹》并非仅仅收录了一些精美的图画，而是一次对中国花鸟画发展脉络的系统梳理与深度解读。我们旨在通过精选的数百件作品，为读者勾勒出一幅气象万千、生动活泼的艺术画卷，涵盖了从唐代至近现代的各个重要流派与艺术高峰。 第一部分：源起与奠基——唐宋的勃兴与院体的精严 花鸟画的独立发展，肇始于唐代，彼时“写实”与“写意”的种子已然埋下。本书开篇聚焦于唐代吴道子、边鸾等画家的作品，虽存世稀少，但其对物象的精准捕捉和气韵的初步确立，为后世提供了坚实的基础。 进入宋代，花鸟画迎来了空前的繁荣，尤其以宫廷画院为中心，形成了严谨精妙的“院体”风格。我们重点收录了宋徽宗赵佶的《瑞鹤同春图》等代表作。这些作品的特点在于：结构严谨、造型准确、色彩富丽而不俗艳，体现了宋人对“格物致知”哲学的极致追求。花鸟形象栩栩如生，羽毛的层次、花瓣的脉络，无不体现了画家超凡的观察力和精湛的笔墨功力。同时，本书也收录了如崔白、李嵩等民间画家的作品，展现了院体之外的另一番生活气息。 第二部分：意趣与觉醒——文人画的崛起与“写意”的探索 自宋代苏轼提倡“论画以形似，见与儿童邻”以来，文人画（士人画）逐渐成为一股与院体分庭抗礼的重要力量。文人花鸟画的核心在于“写意”——强调主观情感的抒发而非纯粹的客观描摹。 在本书的第二编中，我们详细展示了元代花鸟画的变革。赵孟頫在继承前人基础上，力图以书法入画，其作品中线条的流畅与意境的古雅，为后来的“写意”奠定了基调。尤为重要的是对“四君子”（梅、兰、竹、菊）的深入挖掘。滕普贤、王冕等人的作品，将梅之傲骨、兰之幽香、竹之气节、菊之高洁融入笔端，使其成为文人精神的象征符号。 第三部分：画派纷呈——明清时期的风格大变 明清两代，花鸟画领域呈现出百花齐放、流派纷呈的盛况。 明代，以“台阁体”的延续和吴门画派的兴盛为代表。我们精选了沈周、文徵明、唐寅、仇英的佳作。沈周的浑厚、文徵明的秀雅、唐寅的俊逸，各自展现了不同的人生况味。特别是明中后期，以陈淳、徐渭为代表的写意大师的出现，标志着花鸟画彻底摆脱了对物象的拘束，进入了高度主观化的阶段。徐渭的泼墨大写意，如狂草般奔放的笔触，将情感的张力推向极致，极具震撼力。 清代的画坛则更为多元。清初的“四僧”（弘仁、髡残、朱耷、渐江），虽然他们以山水名世，但其花鸟作品中的笔墨趣味和禅意，对后世产生了深远影响。朱耷（八大山人）的白眼鱼、孤傲的鸟，是极端的个体精神的象征。 清中叶，以扬州八怪为代表的群体，更是将文人画的自由精神发挥到了极致。郑板桥的竹石，不仅是笔墨的练习，更是对官场腐败的嘲讽和对自由的向往。 第四部分：近代转型——学院教育与写意精神的融合 进入近现代，随着西方艺术思潮的涌入和中国画教育体系的建立，花鸟画面临着“如何变革”的重大课题。本书的后半部分，着重展示了这一转型期的杰出代表。 海派吴昌硕将金石入画，以苍劲老辣的笔法和强烈的民间审美趣味，开创了“后海派”的磅礴之风，其牡丹、蔬果，气势夺目。 岭南画派的赵少昂、关山月等人，则将岭南地区的热带花卉引入画中，并注重色彩的运用和光影的处理，使传统花鸟画增添了时代的气息与地域特色。 最重要的，我们深入探讨了齐白石的艺术成就。齐白石的作品将民间艺术的纯真、文人画的意境与对日常生活的细腻观察完美结合，他笔下的虾、虫、鱼、瓜果，达到了“似与不似之间”的艺术最高境界。他的成功在于，他找到了一个既能表达深厚文化底蕴，又为大众所喜爱的艺术语言。 结语：永恒的生命力 《中国历代名家花鸟画选粹》通过对数百年间不同地域、不同流派、不同风格作品的梳理，清晰地展现了中国花鸟画从技法规范到精神自由的演变轨迹。它告诉我们，花鸟画不仅是描绘自然美景的图式，更是中国文人士大夫精神气节的载体，承载着中国人对生命、自然与和谐的终极思考。本书力求做到图文并茂，旨在引领读者深入体会这一艺术门类所蕴含的无穷魅力与文化深度。

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我最近在研究中国传统戏曲中的人物造型，想找一些古典的、有韵味的人物范本来参考。无意中发现了这本荣宝斋的画谱。它里面的几组“舞台定格”式的人物群像，简直是为我量身定做的宝藏。那些夸张却又符合人物身份的面部表情和手势，生动地再现了舞台上的瞬间张力。比如一个正在挥舞长鞭的角色，全身的肌肉都在发力，那种动感即便凝固在纸面上，依然能让人感受到强烈的冲击力。我惊喜地发现，书里收录的这些人物，很多都带有很强的地域或时代特色，比如江南的闺秀与北方的健儿，其服饰、仪态都有着明显的区别。这对于我深入理解中国传统文化的多样性非常有帮助，它不是一个扁平化的“古代人”集合，而是活生生的文化样本。

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说实话，我购买这套画谱主要是为了临摹，想提升一下自己对人物造型的把握能力。但说实话，很多大师的作品，那种气韵生动的东西，是真的难以复制。这本册子收录的作品风格跨度很大，既有工笔的细腻，也有水墨的酣畅。我尝试临摹了几张比较偏向水墨写意的作品，发现最大的难点在于“墨分五色”的运用。同样是黑色，在浓淡干湿的处理上，作者能通过细微的层次变化，表现出光影、质感和情绪。比如一个老者的胡须，有的如钢丝般坚硬，有的则轻柔如烟。这本书的印制质量非常高，墨色的还原度很不错，这对于临摹者来说至关重要，因为如果墨色失真，那么对原作神韵的理解就可能产生偏差。它更像是一个高保真的“范本库”，而不是简单的教程，你需要自己去挖掘里面的学习点。

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作为一名长期接触中国传统艺术的研究者，我必须承认，很多古代画谱的装帧和印刷往往跟不上时代，导致很多细节在翻印中丢失。但这本《荣宝斋画谱.166》在处理上，体现了极高的专业水准。特别是对人物面部的刻画，眼睛、眉毛的处理是最考验功力的。在这本画谱里，即便是最简单的白描人物，其眼神也能传达出复杂的情绪——有的是迷茫，有的是坚定，有的是超脱。这种对“眼神”的精妙拿捏，是很多现代画家难以企及的。它让我意识到，中国画的精髓并不在于描绘五官的精确度，而在于如何通过最少的笔触去激活读者的想象空间，让观者自己去“补全”人物的内心世界。这本书无疑是为我们这些想钻研中国人物画精神内核的人，提供了一把开启大门的钥匙，值得反复揣摩，细细品味其中的奥妙。

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这本画谱，拿到手的时候，就被它那种沉甸甸的历史感给镇住了。封面设计简洁却不失韵味，一看就知道是出自名家之手。我原本以为“人物部分”会是一些比较刻板的、学院派的描摹，毕竟荣宝斋这个牌子太响亮了，总带着点儿“标准答案”的味道。可翻开之后，惊喜接踵而至。它收录的这些人物画作，不仅仅是技法的展示，更像是一部流动的中国社会风俗史。从古代仕女的含蓄内敛，到市井小人物的生动活泼，每一笔线条都仿佛带着人物的呼吸和心跳。尤其是一些写意人物，寥寥数笔，神韵毕现，那种“形神兼备”的境界，让人不得不佩服古人的功力。对于我这种业余爱好者来说，它提供了一个极好的参照系，让我明白中国画的人文精神远超技巧本身。更棒的是，对每幅画的作者和背景介绍都相当详尽，这使得我们在欣赏艺术的同时，也能触摸到那个时代的文化脉搏，这书简直是案头必备的艺术指南。

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初接触这套画谱时，我主要关注的是它在“写意”上的处理。我对那种过度写实的画法兴趣不大，总觉得少了点中国画的灵气。而这本人物部分，恰恰满足了我对“意境”的追求。里面很多古代画师对人物动态的捕捉，简直是神来之笔。比如，画一个正在拂弦的乐师，手臂的转折、手指的力度感，甚至连他微微低垂的目光中都蕴含着音乐的流动，这种细节的把控，绝非一日之功。我特意对照了几本西方的解剖学书籍来看，发现中国画的人物结构虽然看似“不准”，但其内在的力学逻辑和生命力却更为强大。它教会我的不是如何“画像”，而是如何“传神”。那些对衣褶的处理，看似随意，实则处处暗藏玄机，比如一组对襟长袍的褶皱，就能看出人物是站立、行走还是沉思。这本书的价值，就在于它把这种“不言自明”的东方美学，用最直观的方式呈现了出来。

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