花鸟画起步 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:

作者:徐家昌

出品人:

页数:36

译者:

出版时间:2004-8

价格:4.50元

装帧:

isbn号码:9787534232268

丛书系列:

图书标签:

• 花朵的书
• 花鸟画
• 绘画
• 艺术
• 入门
• 技法
• 教程
• 中国画
• 绘画技巧
• 绘画基础
• 艺术学习

《山水意境：中国山水画的审美与技法》 一、 引言：气韵生动，咫尺千里 中国山水画，作为中华民族艺术宝库中最璀璨的明珠之一，它不仅是客观景物的摹写，更是画家“胸中山水”的表达，是天人合一思想的视觉呈现。它以独特的笔墨语言，构建了一个既具象又写意的精神世界。本书《山水意境：中国山水画的审美与技法》旨在带领读者深入探索中国山水画的悠久历史脉络、核心审美观念，以及从基础笔墨到复杂章法布局的系统性实践方法，使学习者能够真正领悟“卧游山水”的艺术精髓。 二、 历史溯源：从魏晋风骨到宋元气象 山水画的发展，犹如一条奔腾不息的长河，记载着中国哲学、文学与绘画艺术的交融。 1. 早期萌芽与魏晋风骨： 追溯山水画的独立倾向，早期多作为人物画的背景。东晋顾恺之已开始注重景物的精神性表达。至六朝，宗炳提出“外师造化，中得心源”的理论，奠定了山水画以“写心”为主的基调。 2. 唐代：李思训与王维的并峙： 唐代山水画发展出两大流派：青绿山水以李思训为代表，色彩绚丽，气势雄浑，注重法度；水墨山水则以王维为先驱，强调诗意和禅意，开创了文人画的先河。 3. 五代两宋：集大成之鼎盛： 五代十国时期，荆浩、关仝、董源等人深入自然，形成了气势磅礴的北方山水（如荆浩的“斧劈皴”）和温润秀雅的江南山水（如董源的“披麻皴”）。北宋范宽、李成、郭熙，南宋李唐、刘松年，皆将构图与空间处理推向极致。尤其是郭熙《早春图》中所体现的“可行、可望、可游、可居”的空间哲学，成为后世学习的典范。 4. 元四家与明清：文人趣味的深化： 元代黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙，将山水画彻底推向了文人精神的制高点。他们不再追求逼真的形似，而强调笔墨的趣味和个人情操的抒发，确立了“以书入画”的笔墨规范。明代吴门画派（沈周、文徵明）继承元人衣钵，并融合宋人之法。清初“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）提倡“集大成”，强调对前代经典的深入研究与程式化继承，形成了影响深远的传统。 三、 审美核心：笔墨丹青中的哲学意蕴 中国山水画的魅力，在于其深厚的文化内涵，而非单纯的视觉愉悦。 1. “气”与“韵”的追求： 山水画的最高境界在于“气韵生动”。“气”指画面的生命力与精神贯通；“韵”指意境的含蓄与回味无穷。这要求画家通过笔墨的提按顿挫，表现出自然界永恒的运动规律和内在的生命节奏。 2. “虚实”与“留白”的辩证： 留白（空白处）是中国山水画区别于西方绘画的重要特征。它不仅是未画之景，更是“此处无声胜有声”的意境所在，是引导观者想象力的空间，体现了道家“有无相生”的哲学观。 3. “皴法”的象征意义： 皴法是表现山石肌理、质感的关键技法。不同的皴法（如披麻皴、荷叶皴、斧劈皴、折带皴等）不仅是为了写形，更是画家心性的投射。例如，斧劈皴的刚劲，常用于表现北方山脉的雄强；披麻皴的柔和，则适用于江南丘陵的温润。 四、 技法精研：从用笔到章法布局 本书将详细拆解山水画从基础到成熟阶段所需掌握的各项技法。 1. 基础笔墨训练： 执笔与用墨： 阐述中锋、侧锋的运用，以及干、湿、浓、淡、焦五墨色的层次变化。重点练习“点苔”和“点叶”的基本功法，为描绘树木和植被打下基础。 皴法的拆解与实践： 分类讲解主要皴法（如董源的披麻皴、范宽的雨点皴、李唐的斧劈皴）的起笔、行笔、收笔要领，并指导如何将不同皴法有机结合，表现山体的不同结构。 2. 树法与点景要素： 树的画法： 掌握松、柏、杂树的画法。重点区分“点叶法”（如介字点、胡椒点、圆形点）与“勾勒法”（如双勾、三青点苔法），理解树的枝干结构（如鹿角枝、蟹爪枝）的季节性变化。 水、云、雾的处理： 学习“留白法”表现云雾缭绕之态，以及用淡墨渲染勾勒水面的动感与层次。 3. 构图与章法布局： 三远法（高远、深远、平远）： 深入解析米芾提出的“三远”构图法，这是构建山水画空间深度的核心方法。学习如何通过层层推进的布局，实现“咫尺之内再造乾坤”。 主次关系与视觉引导： 讲解如何确立画面的主体山峰（主峰），以及如何运用中景（过渡）、远景（烘托）来组织画面，确保视觉焦点明确。 五、 文人情怀：诗画合一的境界追求 山水画的最终目的，在于寄托性灵。本书最后部分将引导学习者理解如何在作品中融入个人情感与文化素养。 1. 诗题与印章的配合： 探讨题跋（诗词）如何深化画面意境，以及印章的选择与位置如何平衡画面结构，使之成为不可分割的有机整体。 2. 师古与出新： 强调学习传统的必要性，但更鼓励在深入理解古人笔墨规律的基础上，结合当代生活体验，形成属于自己的笔墨语言，实现“笔墨当随时代”的艺术追求。 结语： 《山水意境》不仅是一本技法手册，更是一份通往中国传统艺术精神世界的地图。通过对历史、审美和技法的全面梳理，希望读者能真正把握山水画“以形写神”的精髓，使自己的创作达到“胸中有丘壑”的艺术高度。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的讲解方式简直是为我这种“手残党”量身定做的。我之前买过好几本号称是“零基础入门”的画册，结果不是步骤跳跃太大，就是对细节描述过于笼统，看了跟没看一个样。但《花鸟画起步》的厉害之处在于，它把复杂的绘画过程拆解成了无数个极小的、可执行的步骤。比如画一只常见的喜鹊，它会先用极淡的墨勾勒出整体的结构线，然后分好几层来上色，每一层上色都明确告诉你，这个区域需要多浓的墨，用多快的速度运笔。更贴心的是，书中还配有大量的“错误示范与纠正”的对比图。看到自己画出来的鸟儿总是显得呆板无生气，再对照书中那些笔触灵动、栩栩如生的范例，立马就能找到自己的症结所在——原来是我的“提”和“按”的力度控制得不够微妙。这种“看见问题、解决问题”的学习闭环，极大地增强了我继续下去的信心。读完前几章，我竟然敢于拿起笔，在配套的练习纸上涂抹了，虽然画得依旧稚嫩，但至少我感觉自己真正“动起手来”了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量也值得称赞。作为一本实用性的绘画教材，它居然采用了相当厚实的哑光纸，这对于需要反复练习和临摹的读者来说太重要了。要知道，如果纸张太薄，反复用湿润的毛笔上色或勾勒后，很容易洇墨或破损，影响学习体验。这本书的色彩还原度做得非常好，范画的每一个层次变化都清晰可见，特别是对那些微妙的赭石、花青等矿物颜料的晕染效果，处理得十分到位。我对比了书中的范画和我自己尝试用同一种颜料调色出来的效果，发现书中对颜料在宣纸上“洇开”的习性分析得极其到位，解释了为什么同样是藤黄，在不同的湿度下会呈现出截然不同的光泽感。这不仅仅是一本教你怎么画的书，更像是一本关于“水与纸的对话”的指南，让我对中国传统绘画材料的特性有了更深的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

这本书的章节设置非常人性化，它采用了“主题单元”的结构。而不是简单地按“画花——画鸟”来划分。它会集中讲解某一类题材的综合处理，比如“清晨的竹雀”单元，会将竹子的画法、雀鸟的形态、以及如何用淡墨表现清晨的雾气和光影，全部整合在一起进行系统教学。这种“场景化”的练习方法，让我能够更快地将分散的单个技法组合成一幅完整的作品。在我尝试画第一幅完整的场景画时，我发现自己不再需要频繁地翻阅书的前半部分去查找“竹叶怎么画”“鸟的眼睛怎么点睛”，因为在实践中遇到的每一个技术难题，都在这个单元里得到了及时的、有针对性的解答和巩固。这种循序渐进、螺旋上升的学习路径，让整个入门过程变得既有挑战性又不至于产生挫败感，非常适合希望快速建立起完整绘画框架的初学者。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书最可贵的一点，在于它传达的文化底蕴，而非仅仅停留在技法层面。作者在讲解某些花卉题材时，会穿插讲述该花卉在古代诗词、典故中的象征意义。比如，画梅花时，不会只教你如何画“S”形的枝干，而是会引导你体会“冰雪中傲然挺立”的意境。这种将绘画、文学、历史融为一体的讲解方式，让我的学习过程不再是单纯的技能训练，而是一场文化之旅。每一次下笔，都仿佛在与古人对话，试图在画面中注入一份属于自己的理解和情感。对于我这种文化爱好者来说，这比纯粹的技法书要吸引人得多。它让我明白，花鸟画的精髓在于“写意”，是心境的外化，而不是一板一眼的写实记录。这极大地拓宽了我对艺术的理解边界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常雅致，淡雅的米黄色背景上，几笔遒劲的枝干和几朵盛放的花朵跃然纸上，一下子就抓住了我的眼球。我一直对传统国画心生向往，但总觉得高不可攀，总觉得那些大师们的作品里蕴含着太多的玄奥，让人望而却步。这本书的出现，就像一位和蔼的引路人，轻声细语地告诉我：“别怕，来，我带你入门。” 刚翻开目录，我就被它清晰的脉络吸引了。它没有上来就讲复杂的笔墨皴法，而是从最基础的“笔”和“墨”讲起，细致入微地讲解了不同毛笔的特性，如何握笔才能更好地控制力度和线条的粗细。墨的研磨、调配，浓淡干湿的变化，作者都用图文并茂的方式呈现出来，即便是初学者也能一目了然。我尤其喜欢其中关于“观察自然”的章节，作者强调，画画的精髓在于“形神兼备”，光靠模仿是得不到神韵的。他鼓励我们走出门，去细细观察窗外的麻雀如何跳跃，昙花如何含苞待放，这种将理论与实践紧密结合的教学方式，让我觉得学习过程充满了乐趣和探索性，而不是枯燥的临摹。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆