故宫藏历代仕女画选集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:李湜

出品人:

页数:53

译者:

出版时间:2002-12

价格:30.00元

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isbn号码:9787800474200

丛书系列:

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盛世华章：中国古代绘画的流光溢彩 一部跨越千年的艺术史诗，一次穿越时空的审美之旅 本书并非聚焦于某一特定题材或朝代的画作，而是一部旨在全面展现中国古代绘画艺术博大精深、辉煌灿烂的宏大选集。它如同一部精心编纂的画册，收录了自先秦至清代，涵盖山水、花鸟、人物、界画等主要画科的杰出作品。其核心价值在于，通过对不同历史时期、不同地域、不同画派代表性作品的精选与辑录，勾勒出中国绘画艺术演进的清晰脉络与丰富面貌。 第一卷：远古遗风与雏形初现（先秦至魏晋南北朝） 本卷追溯中国绘画的源头。我们将从殷商周的墓葬壁画、帛画遗迹中，探寻早期图腾与神话的痕迹，理解“图”与“画”最初的结合方式。进入秦汉，重点展示汉代画像砖石上的历史叙事与生活场景，如《宴乐图》、《车马出行图》的朴拙雄健之美，它们是研究汉代社会风貌的第一手资料。 魏晋南北朝时期，是中国绘画理论和实践开始自觉发展的关键阶段。本卷将着重呈现顾恺之《洛神赋图》（摹本）中“传神写照”的艺术理念的初步实践，解析其线条的遒劲与人物动态的韵味。同时，我们会收录如《五星二十八宿图》这类早期星相图的摹本，展现早期将宇宙观融入图绘的努力。色彩的运用开始丰富，士大夫阶层对艺术的参与，使得绘画开始脱离纯粹的宗教或礼仪范畴，转向个体精神世界的表达。 第二卷：唐风雍容与盛世气象（唐代） 唐代是中国古代艺术的巅峰之一，绘画领域尤其如此。本卷集中展示盛唐气象的恢弘与雍容。在人物画方面，周昉的“丰肥”审美在《簪花仕女图》中得到了淋漓尽致的体现，解析其对于女性服饰、仪态的精妙刻画。吴道子的“吴带当风”笔法，虽然真迹难觅，但其影响深远，本卷将通过后世的临摹或追随者的作品，展现其对线条力量感的把握。 山水画方面，李思训、李昭道父子的“青绿山水”，以其矿物颜料的浓烈与辉煌，构建了一个理想化的仙境。本卷将对比展示唐代山水画的两种主流倾向：一是工整富丽的“金碧山水”，二是注重写意的文人山水（如王维的禅意山水，虽多失传，但其理论对后世影响巨大）。花鸟画在唐代亦有重要发展，如边鸾的写实风格，反映了宫廷生活对自然细节的关注。 第三卷：五代十国与宋代：写实主义与意境的极致（五代至宋代） 五代十国时期是山水画技法成熟的关键过渡期，此间的画家们开始系统地整理和运用“皴法”。本卷将重点呈现荆浩、关仝、董源等北方和江南山水画派的代表作。他们的作品，如《匡庐图》、《夏景山口待渡图》，展现了对自然宏大结构与气候变化的深刻洞察。 进入北宋，绘画艺术达到了一个高峰。以范宽的《溪山行旅图》为代表，雄伟壮阔的北方山水成为主流。本卷详细分析宋代如何将哲学思想（如理学）融入山水，使之成为“可居、可游、可观”的精神家园。 南宋时期，艺术转向内敛与精致。李唐、刘松年等“院体”画家，笔墨更加精炼，强调诗意和哲理。花鸟画在宋徽宗的推动下，达到了写实技巧的巅峰，本卷将收录体现“院体”严谨细致风格的作品。同时，文人画的代表人物如苏轼、米芾，他们“论画”的思想，为后世的文人画发展奠定了理论基石。 第四卷：元代的文人独立与笔墨转型（元代） 元代，随着蒙古族统治，传统士大夫阶层将艺术的重心彻底转向“写意”和“抒发胸臆”。本卷核心围绕“四王”之前的文人画大师展开。 黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙——“元四家”的作品是本卷的重中之重。倪瓒的“一笔书”式的萧疏淡远，象征着对世俗的疏离；黄公望的《富春山居图》则展现了浑厚平和的笔墨语言，将山水融入个人的心境之中。本卷将辨析元代画家如何用笔墨的“意”来对抗学院派的“形”，使笔墨本身成为表达情感的工具。 第五卷：明清：流派纷呈与艺术的变革（明清） 明代初期，画坛上承元代遗风，但很快出现了“浙派”和“吴门画派”的竞争。以吴伟为代表的浙派，继承了院体的写实功底和强劲的笔墨。而沈周、文徵明为核心的吴门画派，则将文人画推向了更为精致和典雅的境界，使之成为主流审美。 晚明时期，以董其昌为理论核心的“南北宗论”对后世影响深远。他推崇江南文人画，形成了具有高度程式化和笔墨趣味的“董派”。本卷还将探讨晚明如何从宗教题材转向市民趣味的题材，例如新兴的版画艺术对绘画的影响。 清代，一方面是以“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）为代表的集大成者，他们系统整理了前代技法，形成了宫廷和士林共同认可的正统画风。另一方面，以“四僧”（八大山人、石涛等）为代表的个性化创作，他们以奇特的构图和强烈的个人情感，对僵化的传统发起了挑战。石涛的“搜尽奇峰打草稿”精神，预示了中国艺术向现代转型的内在驱动力。 结语：千载薪火，融汇东西 本书不仅是视觉的盛宴，更是对中国文化精神的深度梳理。它清晰地展示了中国绘画如何从早期朴素的记录，逐步发展成为一种高度成熟的、将诗、书、画融为一体的独特艺术形式。通过对比不同时代对“自然”、“人生”、“笔墨”的理解，读者得以领略中华文明数千年来审美品位的流变与不朽的生命力。全书旨在呈现一个全面、系统、兼具学术深度与审美愉悦的古代绘画全景图。

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拿到这本画册时，我首先关注的是它在数字化时代如何处理原作的“气韵”。很多古代的绘画作品，一旦扫描或印刷，那种笔墨的层次感和光影的微妙变化就很容易丢失。令人欣慰的是，这本选集在影印技术上显然下了血本，很多细节，比如仕女发髻上细小的金饰反光，或者衣袖边缘的晕染效果，都得到了极好的保留。这让我感觉像是近距离在博物馆里观摩原作一般。我个人对明清时期那些描绘女性宴饮、游园场景的作品情有独钟，因为那时的画作更富有人间烟火气，少了几分早期作品的刻板与神性。如果能针对性地增加一些关于这几百年间，不同地域画派（比如江南画派与京派）在人物造型和设色上的细微差异的比较分析，这本书的鉴赏价值会进一步提升。现在的风格偏向于图录式的汇编，这固然清晰明了，但对于一个渴望探究风格演变奥秘的读者而言，我更期待一些能引导我进行深层比较的学术引导，即使只是简短的比较段落也好。

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说实话，我买这本书的初衷其实是想研究一下宋代以来的女性形象是如何在不同朝代的审美中进行转化的，尤其关注那些描绘宫廷日常与闺阁情思的作品。这本书的选目无疑是顶级的，每一幅画作的清晰度和色彩还原度都达到了令人赞叹的程度，这对于一个痴迷于古代绘画细节的人来说，简直是福音。然而，我发现如果仅从这本书本身提供的资料来看，这方面的深度挖掘似乎略显不足。那些关于画作的作者、创作年代的考证，虽然标注得清晰，但往往止步于基础信息层面。我希望能看到一些关于“意境”的阐述，比如某位画家是如何通过环境的渲染来烘托人物心境的，或者不同流派在表现女性的“柔美”与“坚韧”之间是如何取得平衡的。这本书在视觉呈现上是无可挑剔的，但对于像我这样希望通过图像来反推社会心理学变迁的读者来说，它更像是一个极佳的素材库，而非完整的论述体。我猜想，那些关于笔墨技法和材料科学的探讨也许在其他更专业的文献中可以找到，但如果能在这本选集中适当穿插，哪怕是一小段脚注，都会让整体的学术价值倍增。

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这套书的装帧设计真是让人眼前一亮，尤其是外封的材质和触感，透着一股沉静而典雅的历史韵味。初翻阅时，我立刻被那种手工装订的质感所吸引，每一页的边缘都处理得非常细致，可见出版方在细节上的用心。虽然我更偏爱阅读那些探讨艺术史发展脉络的学术著作，但仅仅是捧着这本书，就能感受到一种穿越时空的力量。我一直对古代贵族阶层的生活方式抱有强烈的好奇心，想象着那些画中仕女们衣袂飘飘，在深宫大院中的一颦一笑。如果这本书能附带一些关于画作所反映的社会风俗、服饰演变或者甚至是一些简短的作者小传，那就更完美了。现在，更多的是一种纯粹的视觉享受，色彩的过渡、线条的勾勒，都展现了那个时代绘画技艺的巅峰。我期待着能找到更多关于这些画作背后的文化背景解读，比如它们在当时的审美标准中占据了何种地位，或者它们如何影响了后世的文学作品。目前的版本更像是一本精美的画册，收藏价值极高，但如果能增加一些深入的赏析文字，无疑会大大提升其阅读深度。

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从一个单纯的艺术爱好者角度来看，这套书无疑是一次视觉盛宴，装帧的厚重感和纸张的细腻度，完美匹配了所选画作的价值。我尤其欣赏那些大胆采用高饱和度色彩的篇章，它们展现了盛唐气象的雍容华贵，与后期宋代那种清淡、内敛的审美形成了鲜明的对比。这种跨越时空的对比性呈现，是此书的一大亮点。不过，我发现，如果是对古代服饰文化感兴趣的读者，可能会觉得信息量稍显不足。虽然我们能看到华丽的头饰和复杂的衣褶，但缺乏对特定服饰形制（比如比甲、褙子等的演变）的专门注释或侧重分析。我通常需要对照着其他服饰史的资料才能完全理解画中人物装束的精确年代和等级含义。因此，这本书更像是激发兴趣的起点，而非提供全面知识的终点。它完美地做到了“展示”，但若想“讲解”得更透彻一些，那便是另一个层面的工作了，但作为一个精选集，它已经做得非常出色了。

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翻开这本画册，我立刻被那种扑面而来的古典气息所震撼。我本身是研究中国古典文学的，一直对“闺怨”题材特别感兴趣，那些含蓄的、欲说还休的情感表达，总能深深打动我。这本书里收录的那些仕女图，无疑是理解古代文人如何通过视觉语言来描绘女性内心世界的绝佳窗口。比如，通过观察某些画作中人物的眼神、手势，甚至是她们所处的室内陈设，我仿佛能捕捉到那个时代对“德言容功”的具象化要求。当然，我更希望了解这些画作在当时士大夫阶层中的流通情况，它们是作为私密欣赏品还是作为礼仪教化的工具而存在的？目前的介绍更侧重于作品的艺术性本身，比如线条的流畅性、人物造型的比例感等，这些我都能从画中直观感受到。但要真正将这些图像与我所研究的诗词歌赋联系起来，我需要更多关于这些画作的社会功能和流传历史的论述。这本书的版式设计非常大气，留白得当，使得每一幅画都有足够的空间呼吸，这本身也是一种对艺术的尊重，这点值得称赞。

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