崔兰田名剧名段 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:河南文艺出版社

作者:郭光宇

出品人:

页数:138

译者:

出版时间:2004-5

价格:8.00

装帧:平装

isbn号码:9787806234877

丛书系列:

图书标签:

• 戏曲
• 京剧
• 崔兰田
• 名段
• 唱腔
• 表演
• 艺术
• 戏曲教学
• 传统文化
• 戏曲经典

好的，这是一部关于中国传统戏曲的深度研究著作的简介，内容完全不涉及您提到的那本特定书籍。 --- 《梨园遗韵：徽班进京前后声腔艺术的流变与重构》 图书简介 一、 绪论：历史的交汇点与艺术的熔炉 《梨园遗韵：徽班进京前后声腔艺术的流变与重构》一书，并非一部简单的戏曲史料汇编，而是一部聚焦于十八世纪中叶至十九世纪上半叶，中国戏曲舞台上发生的最具决定性意义的艺术转型期——徽班入京及其对京剧声腔基础的奠定过程的学术专著。 本书的核心关切在于“流变”与“重构”。我们试图穿透历史的迷雾，探究那些被传统叙事简化或忽略的细节：徽班在抵达北京前后，如何吸收、消化、融合了昆曲的婉转、秦腔的刚劲、弋阳腔的质朴，最终在新兴的都市文化土壤上，孕育出京剧这一“国剧”的雏形。作者从戏曲声腔的本体出发，结合当时的社会文化生态、剧目结构的变化，系统梳理了声腔艺术从地方化、区域性审美趣味向全国性、主流化审美范式转变的内在逻辑。 二、 声腔的基因图谱：徽班的艺术底色与初探 本书的第一部分，重点对徽班（特别是以“四大徽班”为代表的演出团体）的初始艺术形态进行了细致的“考古式”重建。我们深知，清代中叶的戏班信息存留不易，故作者广泛采撷了当时的奏折、地方志、诗文笔记乃至民间歌谣中的零星记载，力求勾勒出徽班在安徽、江西等地演出的初期面貌。 研究表明，徽班的初始腔调，即“徽调”，并非一个单一的音乐体系，而是多重声腔元素的集合体。作者引入了音乐人类学的研究方法，对现有能考证到的徽调曲牌的结构、板式运用、以及其主要的演唱风格（如对“板式变化”的初步尝试）进行了音位学层面的分析。本部分尤其关注徽班如何处理传统戏曲中“唱、念、做、打”的平衡，以及他们在民间审美压力下，对叙事效率和情感张力的早期取舍。 三、 “借腔吐妙音”：合流与创新的关键十年 京剧艺术的成熟离不开与昆曲的“对台戏”和“强行融合”。本书的精髓部分，集中于对乾隆末年至嘉庆初年，徽班在北京的“借调”过程的深度剖析。 作者摒弃了“昆曲衰亡导致京剧兴起”的简单论断，转而探讨了徽班如何主动利用昆曲的音乐资源来提升其艺术品味和市场竞争力。核心章节细致对比了徽调与昆腔在“韵白”处理上的差异，并重点分析了“二黄”与“西皮”两大声腔体系的定型过程。这不仅是曲调的模仿，更是对文辞处理方式、情感表达层次的全面升级。我们通过对早期剧本残片中“曲牌互换”、“板式移植”的实例分析，揭示了京剧初创期，艺术家们如何大胆地进行艺术的“资本运作”，将昆曲的“雅”与徽调的“劲”熔于一炉。 四、 舞台的重构：从地方戏到“宫廷乐舞”的身份嬗变 徽班进京，不仅是艺术的融合，更是社会地位的提升。本书的后半部分，探讨了京剧声腔艺术如何适应和反作用于其新的演出环境——从民间戏园到广设堂会乃至进入清宫的转变。 作者详细考察了在这一历史节点上，剧目题材的“宫廷化”倾向，以及声腔对“规矩”的日益重视。特别是对“京胡”这一标志性伴奏乐器的出现及其对演唱风格的塑造，进行了独立而深入的论述。京胡的“点腔”和“过门”，极大地丰富了京剧声腔的叙事节奏，并最终帮助确立了京剧程式化表演中对“气口”和“韵味”的极致追求。本书认为，正是这种对舞台空间、观众期待和政治环境的敏感反应，使得京剧的声腔体系最终完成了从“地方腔”到“官方认可的典雅之声”的华丽转身。 五、 结语：余韵悠长——对后世剧种的影响 全书最后，作者将视角投向了京剧成型后，其声腔体系对周边剧种，如徽汉合流后的“汉调”以及后来的地方戏曲改良运动所产生的深远影响。我们总结了徽班进京所带来的艺术革命的本质：它并非简单的替代，而是中国传统音乐剧场艺术一次成功的“结构性创新”。 本书特色： 跨学科视角： 结合音乐学、社会史学、民俗学的多重研究方法，避免了传统戏曲研究中常见的孤立文本分析。 详实考据： 大量引用鲜为人知的地方档案和私人笔记，力求还原历史现场的复杂性。 聚焦转型： 集中火力于最关键的数十年，深入挖掘声腔艺术从“无形”到“定型”的微观过程。 《梨园遗韵》不仅是戏曲研究者的案头必备，也是对中国传统表演艺术发展史感兴趣的文化史爱好者的深度阅读之选。它带领读者回到那个充满创造力的“熔炉时代”，倾听历史深处，那穿越百年的、正在被重塑的“梨园遗韵”。

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说实话，初翻这本书的时候，我有点被那种排版和语言风格“劝退”了。它用的词汇非常讲究，很多都是行话，初看会觉得有点门槛。但耐下心来，跟着作者的思路走，逐渐地，那些晦涩的术语仿佛被一层层剥开，露出了里面坚实的核心。这本书的厉害之处在于，它不仅仅是记录了表演，它更像是在“解构”表演的内在逻辑。比如，它对某个角色在特定场景下，情绪是如何通过水袖的翻转、步法的轻重来实现递进的，分析得丝丝入扣，让人茅塞顿开。我过去看戏，总觉得“好看”是一种玄妙的感觉，读完这本书，我明白了，那份“好看”背后，是无数次磨练和精准计算的结果。它让我对戏曲的“程式化”有了全新的认识，明白那份规范之美是如何服务于情感表达的。这本书里的观点非常鲜明，作者毫不掩饰自己对某些流派的推崇和对某些弊端的批评，这种直率的态度让阅读体验变得更加生动有趣，仿佛在和一个资深戏迷面对面辩论艺术真谛。

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这本厚厚的书，拿到手的时候，沉甸甸的，封面上那几个遒劲有力的隶书大字，透着一股子老艺术家的沉稳劲儿。我本来是想找点现代戏曲的评论集来看看，没想到误打误撞翻到了这本。它似乎专注于一个特定时代、一个特定流派的艺术探索。里面的文字，从头到尾都弥漫着一种近乎虔诚的对舞台艺术的剖析，每一个动作、每一个眼神的描摹都极其细致入微，仿佛作者就坐在台下，用放大镜观察着演员的一举一动，然后将那份心血浓缩成一个个精妙的文字段落。阅读的过程，与其说是看书，不如说是一次深入幕后的体验。作者对唱腔的韵味把握得极其精准，那种“口传心授”的技艺，在纸面上竟也能感受到一丝丝的悠远回响。我尤其喜欢其中几处对特定名角“绝招”的描述，那些近乎失传的技巧，被文字赋予了新的生命力，让人不禁拍案叫绝，深感传统艺术传承的艰辛与不易。整本书的结构很考究，像是一部精密的学术论文，又带着浓厚的个人情感色彩，读起来既需要专注，又能从中体会到一种穿越时空的美学享受。

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这本书的装帧和印刷质量非常棒，纸张手感细腻，这在如今这个追求快速消费的时代里，已经算是一种小小的奢侈了。内容上，它似乎是一套完整的艺术史考察笔记，但又比纯粹的史料要鲜活得多。我发现它在描述那些经典桥段时，常常会引用当时的剧评和观众的反馈，这种多维度的视角构建起了一个立体的艺术现场。读到那些老一辈艺术家在艰苦条件下依然坚持艺术追求的轶事，心中不免涌起一股敬意。书中对“身段”的论述尤其深刻，作者似乎能透过文字，让我们“听见”演员在舞台上发出的每一个细微的声响——可能是鞋子擦过地面的摩擦声，也可能是甩发时带起的风声。这些声音的描写，极大地丰富了读者的想象空间，让那些定格的剧照仿佛又活动了起来。这本书读下来，需要时间消化，它不是那种可以随意翻阅的“消遣读物”，更像是一本需要反复研读的“工具书”和“艺术宝典”。

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我原本对戏曲了解不深，只是偶尔在电视上看看热闹，所以一开始对这本书的期待值不高，怕自己看不懂。但这本书的叙事方式非常巧妙，它没有一开始就堆砌艰深的理论，而是从一个具体的、具有传奇色彩的剧目切入，像剥洋葱一样，一层层深入到该剧的艺术特色和表演精髓。作者的文字功底扎实，叙事流畅，即使是描述那些极其复杂的武打和场面调度，也能写得清晰明了，画面感十足。我特别喜欢其中穿插的那些幕后花絮，关于服装的考究、道具的使用禁忌，这些细节的展现，极大地满足了我对“舞台奥秘”的好奇心。它成功地将原本高冷的艺术殿堂，拉到了普通爱好者的可触及的范围内。读完之后，我立刻去视频网站上搜索了书中提到的那些经典剧目重温，发现带着书中的理解去看，感触完全不一样了，很多过去忽略的细节，现在都变得熠熠生辉。这本书，无疑是开启我深入了解这门艺术的一把钥匙。

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这本书的价值，对于研究特定领域艺术的人来说，绝对是无可替代的。它呈现的不是简单的“台词摘录”或“剧情梗概”，而是一套严谨的、带有强烈个人印记的艺术方法论展示。我注意到，书中对“亮相”的处理尤其耐人寻味。作者花了大量篇幅，分析了不同流派在不同情绪顶点时，如何通过凝固的瞬间来完成情感的爆发与收束。这种对“静”的极致追求和掌控，在如今这个快速变动的世界里，显得尤为珍贵。书中引用的那些历史资料，考据得非常严谨，很多都是一手资料的解读，显示出作者深厚的学术功底和长期的田野调查成果。阅读这本书，就像是跟着一位经验丰富的老匠人，学习如何打磨一件传世的艺术品。它教会我的，不仅是关于舞台的知识，更是一种对待技艺的敬畏之心和精益求精的工匠精神。我打算把它放在手边，以后每当重温经典剧目时，都可以拿出来对照参考，相信每次都会有新的领悟。

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