故宫藏珐琅彩瓷

故宫藏珐琅彩瓷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:紫禁城
作者:刘伟
出品人:
页数:45
译者:
出版时间:2001-9
价格:10.00元
装帧:
isbn号码:9787800473548
丛书系列:故宫知识丛书
图书标签:
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具体描述

《故宫藏珐琅彩瓷》主要内容:清王朝是中国封建社会最后一个王朝,蜚声世界的中国陶瓷业在清代臻于鼎盛。尤其是在康、雍、乾三代,我国制瓷业取得了前所未有的辉煌成就。康熙时期的红釉、青花、五彩、素三彩,雍正时期的粉彩、珐琅彩、单色釉和乾隆时期的特种工艺瓷,都是前所未有之佳作。这些辉煌成绩的取得,无疑是继承了前代制瓷的成果,但是康熙、雍正、乾隆三朝皇帝对瓷器的特殊爱好和重视却起到了不容忽视的积极作用。康熙晚期的珐琅彩瓷,就是在康熙帝的直接授意下创烧的。它一经问世就享受着由宫廷画师出具样稿,由景德镇官窑瓷厂烧制上好素胎,然后送往京城皇宫内“造办处”选胎,再经“如意馆”画师绘画填彩,最后八宫内彩炉烘烧等一系列殊荣,在清宫内独领风骚近百年。珐琅彩瓷以洁白细腻的胎质,莹润如玉的釉面,明快艳丽的色调,以及精湛绝伦的技巧,成为紫禁城内皇帝后妃们赏玩的“御用瓷”。据档案记载:雍正三年(1724年),皇帝赐给暹罗国王各色官窑瓷器共146件,其中仅有一件是珐琅彩瓷。内廷大臣中也只有年羹尧在多次恳请下,才赐给一、二件。乾隆皇帝甚至颁御旨“庶民弗得一窥”。

故宫博物院珍藏系列:清代官窑瓷器研究 导言:一部跨越时代的宫廷艺术史诗 本书并非聚焦于某一特定装饰技法,而是以故宫博物院浩瀚的馆藏为依托,对清代(1644—1911年)官办窑场——特别是景德镇御窑——的瓷器烧造历史、技术演变、官办管理体制及其艺术风格的时代特征进行了一次全面而深入的梳理与剖析。 清代是中国封建王朝的最后一个鼎盛时期,同时也是中国传统手工艺技术发展至成熟与转型的关键阶段。御窑瓷器作为皇室专属的物质载体,其烧造不仅是技术竞争的巅峰,更是皇权审美、意识形态和国家财力的集中体现。本书旨在以严谨的学术态度,结合最新的考古发现与传世品研究成果,为读者呈现一个多维度的清代官窑瓷器世界。 第一章:清代御窑体系的建立与早期发展(康熙朝) 本章首先追溯清初政权对南方制瓷中心的接管与重建工作。重点分析了顺治、康熙初年景德镇御窑的恢复过程,包括对旧有技术人员的启用、官办制度的重新规范,以及对前期战乱后生产秩序的整顿。 康熙朝(1662—1722年)是清代瓷业的第一个高峰期。本章将详细探讨康熙朝的“厂随督”制度,分析督陶官如康熙二十六年至三十五年间的臧应选等人的贡献。在艺术层面,本章深入研究了康熙朝青花的恢复与创新。重点阐述了“康熙青花”以其“五彩青花”的鲜艳夺目和笔触的工细精准而著称的特点,与明代永乐、宣德青花的雄浑古朴形成鲜明对比。此外,对康熙朝初期的素三彩(不使用釉下彩,仅用釉上彩)以及铜红釉(尤其是著名的“郎窑红”)的烧制技术进行了专题分析,指出其在色彩控制上的突破性成就。 第二章:雍正朝:技术精度与审美趣味的完美结合 雍正一朝(1723—1735年)是清代官窑艺术成就的巅峰,也是中国制瓷史上技术最稳定、品种最丰富的时期之一。本书将雍正朝的研究视为一个聚焦于“技术与审美融合”的典范。 本章的核心在于探讨督陶官唐英(1728年起主政)对御窑的全面影响。唐英不仅是一位杰出的管理者,更是一位深谙制瓷工艺的艺术家。我们将细致分析雍正朝御窑在粉彩、仿古瓷器上的成就。粉彩技术在雍正时期趋于成熟,色彩的层次感和过渡自然度远超前朝,例如著名的“娇黄地轧花描金”、“藕荷地五彩”等复杂品种的烧制成功,标志着釉上彩技术的炉火纯青。 同时,本章将专题分析雍正朝对历代名窑的摹仿与创新,如对成化斗彩的追仿(雍正朝的斗彩更为精细,彩料填色更为饱满),以及对官窑仿制的哥、官釉的精妙掌握。通过对传世器物款识和款识书法的对比研究,勾勒出雍正时期严谨、内敛且追求极致写实的宫廷审美取向。 第三章:乾隆盛世:品种的空前繁盛与装饰的集大成 乾隆时期(1736—1795年)的制瓷业达到了空前的规模和空前的复杂性。本书将乾隆官窑置于“集大成与过度装饰”的时代背景下进行考察。 本章将详细梳理乾隆御窑在釉彩技术上的“百科全书”式发展。这不仅包括粉彩的进一步细化,如“画珐琅彩”的装饰手法在瓷胎上的移植(请注意,本书探讨的是此类装饰手法在瓷胎上的应用,而非特指某一类专门的珐琅彩瓷器),以及创新性的“金彩”使用。重点分析了“三朝官窑”中乾隆时期特有的“百花不落地”的繁缛装饰风格。 此外,本章将深入剖析乾隆时期出现的大量创新器型和仿古器型,例如仿漆器、仿竹木、仿珐琅器的瓷制品。通过对乾隆朝内务府档案的交叉验证,揭示了此时期官窑生产中“重数量、重创新、重繁复”的特点,以及这种追求创新带来的技术压力与艺术取向的转变。 第四章:清代中后期:技术保守与地方窑场的影响(嘉庆、道光、咸丰) 随着乾隆盛世的结束,清代官窑进入了维持与保守的阶段。本章探讨了嘉庆、道光、咸丰时期御窑所面临的内忧外患,如财政紧张、工匠技艺老化等问题对制瓷工艺的影响。 重点研究道光朝对早期经典(特别是雍正朝)的有意回溯和模仿,这体现出对“盛世气象”的追忆。虽然技术总量和创新性不如前代,但部分品种的烧造仍保持了较高的水准,如道光朝对黄釉和青釉的稳定控制。本章也将关注此时期地方名窑(如民窑的成功升级)对官窑生产所施加的间接影响和竞争压力。 第五章:晚清的转型与坚守(同治、光绪、宣统) 晚清时期,官窑生产面临重大的体制变革,包括同治年间官窑的短暂停烧与后来的恢复,以及光绪时期“官搭民烧”模式的出现。 本章将分析光绪朝(1875—1908年)御窑在技术上的努力与局限。虽然在光绪年间曾出现过对“同光体”的批判与对早期风格的再造,但由于技术传承的断裂和原料采购的困难,晚清瓷器在胎釉的精纯度上难以与盛世比肩。本章将重点研究晚清时期在装饰上对民间流行风格的吸收,以及青花、粉彩在色彩运用上日益显现的滞后性,但同时也肯定了晚清在某些特定品种(如刻花、浅绛彩的过渡)上的努力与价值。 结语:历史的镜鉴 本书最后总结了清代三百年官窑瓷器技术发展的完整脉络,强调了官窑作为国家意志体现的特殊性。它不仅仅是生活用具或艺术品,更是研究清代皇权制度、社会审美、东西方物料交流和技术人才培养的珍贵实物史料。通过对这些精美器物的深入考察,我们得以窥见一个庞大帝国在鼎盛、繁荣、保守与衰落各个阶段的文化心跳。

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读后感

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拿起这本书,总有一种庄重肃穆的历史感扑面而来,这大概是故宫藏品特有的气质吧。这本书的装帧和纸张的选择,充分体现了对文物本身的尊重。它不仅仅是展示了珐琅彩的色彩之美,更在于它不动声色地传达了一种“盛世气象”。那些用于皇室祭祀或朝贺的器物,其形制之恢弘、工艺之繁复,体现了那个时代国家强大的物力支持和对完美无瑕的极致追求。我感觉这本书的选材非常平衡,既有日常使用的茶具、笔筒,也有高规格的瓶、罐,形成了一个完整的宫廷用瓷的生态图景。阅读这本书的过程,就像是进行了一次高规格的“云参观”,虽然无法亲临现场感受文物周遭的环境温度,但通过这精心制作的图册,我能感受到那种独属于皇家艺术品的“孤傲与华贵”。它激励着我们去珍惜和保护这些流传下来的国之瑰宝,也让我对中国古代的审美哲学有了更深一层的体悟。

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作为一位痴迷于中国传统文化的爱好者,我常常感叹于清宫造办处的强大能力。这本书里展示的珐琅彩瓷器,其主题之丰富,涵盖了诗词典故、吉祥图案乃至西洋风光,令人叹为观止。我尤其喜欢其中描绘的《竹石图》和几件带有题诗的碗碟。那些诗句,往往是皇帝或大臣亲临指导的印证,使得这些冰冷的瓷器瞬间充满了人文气息和历史温度。翻阅时,我仿佛能听到乾隆皇帝在养心殿里,对着画师和匠人指点江山的场景。书中的排版设计也十分考究,大开本的印刷使得器物的全貌得以充分展现,但又不失细节的捕捉。每一页的留白恰到好处,既保证了视觉的呼吸感,又突出了主体文物的庄重感。对于想提升自己古典文学素养和审美情趣的读者而言,这本书提供了极佳的文化背景支撑,它教会你如何“读懂”这些皇家御用之物背后的文化密码。

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说实话,我对古董鉴赏一直抱着敬畏又好奇的态度,这本书的出现,无疑为我打开了一扇了解清代官窑制作工艺的窗户。我最欣赏的是它在描述珐琅彩的烧造技艺和色彩构成上的细腻笔触。珐琅彩的“西洋画法”与传统中国“写意”的完美融合,是这门技艺最迷人的地方。书中对珐琅彩的“料彩”成分,以及如何在地胎上绘制和二次焙烧的复杂过程进行了深入浅出的讲解,这让我明白了为什么这些瓷器能够拥有如此惊人的立体感和油画般的质感。比如书中展示的那几件以山水人物为主题的瓶子,人物的衣褶、远山的墨韵,那种层次感是如何通过不同温度的烧制实现的,书里都有涉及。我感觉作者不仅是简单地罗列珍宝,更是在讲述每一件器物背后的“工匠故事”。这种注重技术层面的介绍,让这本书的价值超越了一般的美术图集,更偏向于工艺史的记录,非常严谨扎实。

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这本书的学术价值和收藏参考价值简直是并驾齐驱。我注意到,对于每件重点展品,作者都提供了详尽的出处、尺寸、重量,乃至流传历史的线索,这对于研究者来说极其重要。特别是关于不同时期珐琅彩款识的对比分析,非常细致。比如,雍正时期早期的款识与中晚期的略有不同,书中通过清晰的局部放大图进行了对比,辨识度很高。这说明编纂团队在资料搜集和整理上花费了巨大的心血,不是简单地将故宫库存照片汇编成册。我个人最感兴趣的是那些传世量极少的器型,比如一些异形器皿,它们在书中的出现,极大地丰富了我对清代官窑造型创新的认知。这本书无疑是梳理和研究珐琅彩瓷脉络的一部重要参考工具书,对于希望深入进行学术研究或者进行高端收藏的藏家来说,这本书是不可替代的“定海神针”。

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这本《故宫藏珐琅彩瓷》的图录,简直是艺术爱好者们的视觉盛宴!我拿到手的时候就被它精美的印刷质量所震撼,每一幅彩瓷的特写都清晰得仿佛能触摸到那温润的釉光和细腻的彩绘笔触。尤其是那些康熙、雍正、乾隆三朝的精品,色彩的过渡、纹饰的繁复,通过这册书得到了极佳的再现。我特别关注了那些描绘花卉禽鸟的器物,那些工笔勾勒出的牡丹、海棠,以及灵动的小鸟,其神韵完全不输于原作。书中对器型、款识的介绍也十分到位,虽然我不是专业的陶瓷研究者,但通过图文对照,也能感受到不同时期工艺上的细微差别和审美取向的变化。比如,雍正时期的那种秀美典雅,和乾隆时期那种富丽堂皇,在书中的呈现就很有对比性。这本书对于那些想深入了解清代宫廷御用瓷器巅峰之作的读者来说,绝对是案头必备的参考书。它不仅仅是一本“看图集”,更像是一次穿越时空、近距离欣赏皇家气派的无声对话。

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