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出版者:第1版 (2003年9月1日)

作者:严晨

出品人:

页数:233 页

译者:

出版时间:2003年9月1日

价格:33.00

装帧:平装

isbn号码:9787502546632

丛书系列:

图书标签:

• 多媒体艺术
• 数字艺术
• 艺术设计
• 计算机艺术
• 视觉传达
• 创意设计
• 图像处理
• 动画制作
• 交互设计
• 新媒体艺术

好的，这是一份关于其他图书的详细简介，严格避免提及“多媒体数字艺术”一书的任何内容，并力求自然流畅： --- 《炼金术士的秘密：失落的符号与宇宙秩序》 作者： 伊格纳修斯·冯·赫尔姆霍茨 页数： 680页（含大量插图与图表） 装帧： 欧式硬皮精装，仿羊皮纸内页 定价： 198.00 元 内容简介： 《炼金术士的秘密》并非一本关于点石成金的通俗读物，而是一部跨越中世纪晚期到文艺复兴初期，对西方神秘主义思想进行深度挖掘的学术巨著。本书作者伊格纳修斯·冯·赫尔姆霍茨教授，穷尽数十年光阴，游历欧洲各大隐修会档案馆与私人图书馆，重构了一个宏大而复杂的知识体系——炼金术的真正意图。 本书开篇即指出，我们对炼金术的理解长期被“伪科学”的标签所束缚。赫尔姆霍茨教授通过对大量晦涩难懂的拉丁文、希腊文及早期德文手稿的细致比对，提出了一个颠覆性的观点：炼金术的终极目标并非物质层面的转化（如将铅转化为金），而是精神层面的净化与宇宙知识的重构。 全书结构严谨，逻辑清晰，分为五个相互关联的篇章： 第一部分：符号的迷宫——理解中世纪的密码学 此部分深入剖析了炼金术文献中普遍存在的象征性语言。教授详细解读了“贤者之石”所代表的哲学意义，探讨了“硫磺、盐、汞”三要素理论在神学与心理学上的投射。赫尔姆霍茨教授特别绘制了一系列详细的图表，比对了不同流派（如亚历山大派、阿拉伯派、早期德国玫瑰十字会）对“兔、乌鸦、凤凰”等核心意象的不同诠释，揭示了这些符号如何在不同历史时期被用来规避宗教审查，同时又暗含着对宇宙本源的探究。他强调，要理解炼金术，首先必须成为一名合格的符号学家。 第二部分：元素的悖论与物质的形而上学 本篇聚焦于炼金术对“元素”概念的独特认知。与亚里士多德的四元素理论不同，炼金术士构建了一套基于“潜能”与“实在”的物质观。赫尔姆霍茨教授引用了大量来自巴塞尔和帕拉塞尔苏斯学派的文本，探讨了“本性”（Natura）的腐败与重生过程，即“大功业”（Magnum Opus）的七个阶段。书中详尽对比了早期实验记录中关于“溶解”、“凝固”、“蒸馏”等操作的实际化学意义，并巧妙地将其与个体内在精神状态的转变过程进行了对照分析，论证了物质实验是实现内在转化的外部仪式。 第三部分：星辰的印记——炼金术与天文学的交汇点 本章探讨了炼金术士如何将宇宙的秩序（Macrocosm）映射到个体生命的进程（Microcosm）中。赫尔姆霍茨教授详细考察了约翰·迪伊、威廉·彭博等学者如何整合占星术、卡巴拉思想与炼金实验。书中收录了数个珍贵的星盘图与实验时间表，揭示了炼金术士如何选择特定的月相、行星相位来进行关键的提纯步骤，他们坚信，只有与宇宙的“脉搏”同步，物质与精神的转化才能真正发生。这一部分极大地拓宽了我们对文艺复兴时期自然哲学的认知边界。 第四部分：从工坊到沙龙——炼金术的社会渗透与政治影响 炼金术并非只存在于秘密的地窖中。本书的第四部分将视角投向了社会层面。赫尔姆霍茨教授考察了炼金术士在欧洲宫廷中的角色——他们是如何成为皇帝、教皇和贵族的顾问、药剂师乃至外交官的。通过分析鲁道夫二世宫廷的档案，本书揭示了炼金术思想如何影响了早期现代国家的经济管理、军事科学（如火药的改进）以及宫廷艺术的审美取向。这一分析挑战了将炼金术完全视为边缘学科的传统观点，将其置于早期现代科学革命的摇篮之中。 第五部分：遗失的传承——对现代科学与心理学的预示 最后一部分是全书的高潮，赫尔姆霍茨教授探讨了炼金术思想如何间接地渗透到现代科学的萌芽阶段，尤其是在化学基础的建立上。更引人注目的是，他对卡尔·荣格的分析心理学产生了深远影响的观点进行了溯源。书中明确指出，荣格关于“原型”和“个体化”的理论，其核心架构可以追溯到中世纪炼金术士对“完善的自我”的追求。通过这种跨学科的审视，本书最终将炼金术从神秘主义的窠臼中解放出来，确立了其作为人类思想史上一个重要阶段的地位。 目标读者： 本书适合对西方神秘学历史、文艺复兴时期思想史、早期化学史、符号学以及跨学科哲学研究有浓厚兴趣的读者。它需要读者具备一定的学术耐心和对复杂概念的接受能力。 --- 《塞壬之歌的航海日志：大航海时代与声音的地理学》 作者： 埃利亚斯·范·德·梅尔 页数： 450页（附送高分辨率海图复刻集） 装帧： 仿古皮质封面，烫金船锚纹饰 定价： 145.00 元 内容简介： 《塞壬之歌的航海日志》是一部独特的历史地理学著作，它将大航海时代的探索主题，聚焦于一个常被忽略却至关重要的元素：声音。作者埃利亚斯·范·德·梅尔，一位精通海洋历史与声学原理的学者，带领读者脱离了对黄金、香料和新大陆的传统叙事，转而探索海洋如何被“聆听”和“记录”的历史。 本书的立足点在于，在早期的海上航行中，视觉信息极为有限，而声音——无论是自然界的声音还是人造的声音——成为了导航、警示、交流乃至心理支撑的核心工具。 全书围绕“声音的地理学”这一核心概念展开，分为四个相互咬合的章节： 第一章：风暴的语言与船体的低语 这一章详尽描述了不同海域和天气条件下，船只所面临的声学环境。作者查阅了大量荷兰东印度公司（VOC）和西班牙皇家海军的日志，重现了风暴来临前，空气压力变化导致桅杆和船体发出的独特“呻吟”。书中特别分析了“水下听音器”——也就是船底安装的木质共振器——在早期探测暗礁和冰山时的作用。通过对历史记录中对“低频震动”的描述进行声学重建，作者生动地再现了航海者如何在黑暗中依靠听觉来判断自身与环境的距离。 第二章：信标与边界：人为声源的地理定位 在大洋深处，人类如何界定彼此的位置？本章深入探讨了早期海上信号系统。作者详细考察了从火炮齐射、军号、到船只编队间使用的不同旗语附带的音频信号。重点内容包括对不同时期使用的“船笛标准频率”的考证，以及在浓雾中，不同国家船只的鸣笛模式差异如何构成了非文字的“声音国界”。此外，书中还收录了对早期灯塔声响装置（如雾角、汽笛）的详细技术分析，解释了这些设备如何被战略性地部署在关键的贸易航线上。 第三章：异域的音景与文化冲击 当船只抵达陌生海岸时，首先涌入船员感官的是截然不同的音景。本章将焦点转向了与原住民的首次接触。作者对比了欧洲航海家对美洲、非洲以及亚洲沿海声音的记录差异：例如，对某些部落复杂鼓乐的“恐惧化”描述，以及对热带雨林中丰富鸟鸣的“异国情调化”描绘。范·德·梅尔教授认为，这些声音记录不仅是地理见闻，更是欧洲中心主义看待新世界的一种听觉投射。书中还收录了几段关于“塞壬”和“人鱼”传说的考证，解释了这些神话如何在船员长期听觉疲劳和海怪低鸣的环境下被“地理化”和“故事化”。 第四章：从日志到乐谱：声音的档案化与传播 本书的结尾探讨了这些声音信息如何被记录、传递和系统化。作者分析了航海日志中那些看似随意的声音描述（如“深海传来如鲸鱼般的叹息”）是如何被后来的海洋学家和博物学家所解读和利用的。范·德·梅尔教授展示了早期的声学测量工具的局限性，以及这些有限的记录如何间接推动了现代海洋生物学和海洋声学的发展。最后，作者将焦点放回了船只本身，探讨了船员们在漫长航行中，如何通过共同的歌谣（Sea Shanties）来对抗寂静和恐惧，创造出一种临时的、移动的“听觉社区”。 《塞壬之歌的航海日志》是一部极富创意的历史著作，它邀请读者放下望远镜，戴上“想象中的听筒”，重新体验那个充满未知和声响的大航海时代。 ---

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说实话，我买这本书的时候，心里是有点打鼓的，担心它会陷入那种空洞的、只会堆砌时髦词汇的“前沿科技”的陷阱。毕竟，“多媒体数字艺术”这个范畴实在太大了，很容易变成一锅大杂烩。然而，这本书的编排逻辑出乎意料地严谨和清晰。它采取了一种螺旋上升的结构，从基础的数字成像原理和色彩理论开始，稳扎稳打地过渡到更复杂的动态图形和声音设计。我最欣赏的是它对“时间维度”在数字艺术中作用的强调。不同于传统艺术的静态展示，作者用大量的篇幅讨论了如何通过帧率、延迟和同步性来控制观众的感知节奏，这在沉浸式体验设计中是至关重要的。书中的技术讲解部分，虽然详尽，但绝非照本宣科的说明书，而是紧密结合了艺术表达的需求。例如，在讲解粒子系统时，它会立刻关联到对“混沌美学”的探讨，而不是单纯讨论参数设置。这种深度融合，让这本书的价值远远超出了工具手册的范畴，更像是一部探讨数字时代审美哲学的专著。

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我必须承认，这本书的体量相当可观，内容密度极高，初次翻阅时会感到有些压力。但正是这种厚重感，体现了作者对“多媒体数字艺术”这个领域所付出的系统性努力。它不像那些快速出版的速成指南，而是像一部经过多年沉淀的学术专著。我特别赞赏它在“跨平台部署与兼容性”这一实际操作层面给出的详尽指导。例如，它详细比较了WebGL、Unity和TouchDesigner在处理复杂实时渲染时的优劣势，并提供了针对不同操作系统和硬件限制下的优化策略。对于那些计划将作品从原型阶段推向公共展示（比如博物馆或艺术节）的实践者来说，这些信息是无价的，它们避免了太多不必要的项目延误和技术陷阱。这本书的参考书目也非常精良，为后续的深入研究提供了清晰的导航图。它不是终点，而是一个扎实、可靠的起点，引领我进入一个更加广阔和严谨的数字创作领域。

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这本《多媒体数字艺术》绝对是为我这种渴望在像素和代码的交汇处寻找灵感的创作者量身打造的。我尤其欣赏它对“媒介融合”这一概念的深入剖析。书中不仅仅停留在罗列各种软件和工具的层面，而是巧妙地将历史上的艺术流派——比如达达主义对偶然性的探索，或者概念艺术对作品意义的解构——与当代数字技术（如生成艺术、虚拟现实）的特性进行对话。作者并没有急于给出一个“标准答案”，而是通过大量的案例分析，引导我们思考：当算法成为画笔，当数据成为雕塑材料时，我们如何重新定义“原创性”与“作者身份”？我花了整整一个下午沉浸在关于交互式叙事设计的章节里，它详细阐述了从线性叙事到多分支、用户驱动叙事结构的演变过程，并配有清晰的流程图和批判性的思考引导。对于初学者而言，它提供了坚实的理论基础；对于资深从业者来说，它提供的视角是极富挑战性和启发性的，迫使我们跳出熟悉的舒适区，去探索那些尚未被完全开发的数字疆域。这本书的排版和视觉设计也堪称一绝，大量的彩图和信息图表使复杂的理论变得直观易懂，阅读体验极为愉悦。

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这本书给我的最大震撼在于它对“跨学科”的实践性指导。我是一名学习传统动画的毕业生，一直对如何将我的技能嫁接到最新的数字平台上感到迷茫。这本书的“案例研究”部分简直就是一座宝库。它没有停留在理论层面，而是详细拆解了几个里程碑式的多媒体装置艺术项目，从最初的概念草图、使用的硬件/软件栈，到最终的现场调试和观众反馈收集，都有详尽的描述。特别是关于“传感器反馈与实时数据可视化”的章节，它教会了我如何将环境数据（如温度、声音强度）转化为视觉或听觉元素，从而创造出真正“活的”艺术品。这不仅仅是关于如何使用特定API的教程，更深层次地，它是在探讨如何建立一个“有生命的系统”来进行艺术创作。阅读过程中，我不断停下来，在脑中规划着我自己的项目，那种被激发出的创作冲动是无与伦比的。它成功地弥合了艺术学院的理论壁垒与工业界的技术实践之间的鸿沟。

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这本书的阅读体验是分层的，适合不同深度的读者。如果你只是对新奇的数字影像感兴趣，前几章快速浏览也能获得对当前领域脉络的基本了解。但如果你像我一样，试图深入挖掘技术背后的文化意涵，那么这本书的后半部分才是精华所在。我对其中探讨的“后人类主义视角下的数字身体”的章节印象尤为深刻。作者勇敢地触及了诸如AI生成内容的伦理困境、数字永生（Digital Immortality）的设想，以及虚拟身份的建构与解构。这种批判性的反思，使得整本书的论述不至于流于浮夸的表面，而是具有了深厚的思辨力量。它迫使读者去思考，我们创造的这些数字世界，最终会如何反作用于我们自身的存在。与其他只关注“做什么”的书籍不同，它聚焦于“为什么做”和“这样做意味着什么”，极大地拓宽了我的哲学视野。

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