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出版者:文物出版社

作者:启功

出品人:

页数:290 页

译者:

出版时间:2003年01月

价格:48.0

装帧:平装

isbn号码:9787501015146

丛书系列:

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• 文学
• 书法&书法研究
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• 论述

《笔墨春秋：中国古代书画鉴赏与流变》 —— 一部跨越千年的翰墨史诗 引言：凝视历史的纹理 艺术，是人类精神世界的物质投射，而书法与绘画，作为中华文明最核心的视觉载体，承载了数千年来的哲学思辨、审美旨趣与时代风云。本书《笔墨春秋：中国古代书画鉴赏与流变》，并非仅仅是一部冰冷的图录或僵硬的理论汇编，而是一次穿越时空的深度对话。我们试图剥开历史的尘埃，还原那些镌刻在绢素与纸张上的生命律动，探寻自先秦至晚清，中国书画艺术如何在中国特定的社会结构、文人精神以及技术革新中，熔铸出独步世界的辉煌图景。 本书的叙事脉络，遵循着历史发展的自然逻辑，将书法与绘画置于同一条时间轴上，展现二者如何相互影响、彼此渗透，共同构成了中国艺术史的宏大叙事。我们力求在宏观把握时代风格演变的同时，对关键的艺术转折点和里程碑式的人物进行细致入微的剖析。 --- 第一部：源起与奠基——萌芽时期的气韵探索（先秦至魏晋南北朝） 第一章：文字的造型革命与早期书风的萌芽 本章聚焦于中国书法的“基因”——汉字，如何从记录工具蜕变为独立的审美对象。从殷商的甲骨文，探究其质朴的契刻之美与神秘的宗教意涵；进入周代，重点分析金文（钟鼎文）在器物铭刻中展现出的雄浑庄重与规范性。秦朝的“书同文”，不仅是政治统一的标志，更是字体规范化的决定性一步，小篆的圆融典雅为此后隶书的诞生提供了结构基础。 第二章：隶变与楷模的形成：从“拙”到“韵” 隶书的出现，标志着中国书写从古朴的线条结构向成熟的笔画形态迈进的关键一步——“隶变”。本章详述隶书在汉代碑刻中的勃发之势，如《乙瑛碑》、《曹全碑》所代表的蚕头燕尾的韵致。随后，我们将目光投向魏晋时期，书法艺术完成其历史性飞跃的“黄金时代”。 第三章：魏晋风度与“二王”的绝唱 东汉末年，草书开始脱离实用而专注于抒情，张芝“章草”的出现是重要的里程碑。而真正的审美高峰，则由“书圣”王羲之及其子王献之共同铸就。本章将深入剖析《兰亭集序》在章法布局、用笔的提按顿挫中所蕴含的“中和之美”与“自然天成”的哲学意境，探讨士人阶层如何将个体的情感、儒家的中道与道家的自然观，完美地融入到方寸之间的笔墨之中，奠定了后世楷、行、草书的典范。 第四章：早期山水画的“言志”功能 与书法同步发展的绘画领域，在魏晋南北朝同样经历了从“图画”到“艺术”的转型。本章考察顾恺之“传神写照”的理论，分析其如何将人物画提升到精神表达的高度。在山水画方面，我们探讨谢赫“六法”的理论意义，重点梳理荆浩、关仝等北方山水画派的早期探索，理解山水画在文人眼中，如何成为寄托隐逸情怀的理想载体。 --- 第二部：盛唐气象与文人入画——范式的确立与发展（隋唐五代） 第五章：唐代书法的规范化与多元发展 隋唐，国力鼎盛，书法艺术也呈现出前所未有的恢弘气象。本章首先探讨初唐欧阳询、虞世南、褚遂良等人如何继承并发展“二王”体系，形成严谨、法度的楷书典范。接着，重点剖析盛唐颜真卿对书法的革新——其雄强浑厚的“颜体”如何体现盛唐的自信与气魄，成为后世学习的另一座高峰。同时，张旭、怀素的狂草，作为情感的极致宣泄，也在此期达到了顶峰，其笔势连绵，如龙蛇起舞。 第六章：唐代绘画的成熟与写实精神的觉醒 唐代是人物画的巅峰期，吴道子“吴带当风”的画风，标志着线条的造型能力达到前所未有的高度。本章细致分析吴道子、周昉、韩干等大家在人物画、鞍马画上的成就，探讨唐代艺术如何吸收西域文化，展现出饱满、富丽的时代特色。在山水画领域，李思训的金碧山水开创了青绿山水的绚烂之美。 第七章：五代十国：南北山水的分野与技法精进 唐末藩镇割据的混乱，促使画家将目光转向对自然山川的深入观察。本章详细阐述“南唐”的精细描摹与“荆浩、关仝”的北方雄伟山势的对比，特别是董源、巨然在江南丘陵地貌上的“披麻皴”的创造性运用，这为宋代山水画的理论化奠定了坚实的实践基础。 --- 第三部：理学与意境——宋元的审美转向（宋辽金元） 第八章：宋代尚“理”：书法由法度向意趣的过渡 宋代受程朱理学影响，书画审美开始从追求外在的完美转向强调内在的“意趣”。本章分析宋四家（苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄）对书法的贡献。苏轼强调“我书意造我”，黄庭坚以长枪大戟般的侧锋创造了独特的结体，米芾则以“刷字”展现了酣畅淋漓的性情。宋代审美鼓励书家在尊重古法的基础上，注入个体的学养与性情。 第九章：宋代绘画：院体体制与文人画的兴起 北宋的宫廷画院体制，以其对自然细致入微的观察和高超的写实技巧，创造了如范宽《溪山行旅图》、郭熙《早春图》般具有宏大叙事感和深远意境的山水杰作。同时，本章着重探讨苏轼、文同等人倡导的“士人画”（即后世所称的文人画），如何以墨的浓淡干湿来表达“胸中逸气”，强调“不求形似，但求神似”的核心理念。 第十章：元代：笔墨的独立宣言与“复古”浪潮 元代，汉族文人遭受压抑，书画艺术成为他们精神避难所与身份认同的载体。本章聚焦“元四家”（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙），分析他们如何继承北宋文人画传统，并将其推向极致，特别是倪瓒的“寂寞萧疏”与极简主义笔墨，如何成为后世文人画的终极标杆。在书法上，赵孟頫力倡“复古”，以秀劲妍美的笔法重建晋唐法度，对后世影响至深。 --- 第四部：高峰与程式化——明清的集大成与流变（明清） 第十一章：明代书法的“台阁体”与帖学的高峰 明代早期，以“台阁体”为代表的官方审美占据主导，强调规范和温润。然而，以祝允明、文徵明、唐寅、王铎为代表的“吴门书派”和晚明书家，则在民间和文人圈中高举反抗大旗。本章着重剖析晚明时期，在社会变革中，王铎、黄道周等人如何以欹侧多变的造型和奔放雄健的线条，将明代书法的个性化推向极致。 第十二章：明代绘画的流派纷呈与技法细化 明代绘画呈现出两大主流：一是以“院体”为基础，发展出如仇英这样严谨细腻的青绿山水与界画成就；二是以“吴门画派”为核心的文人画（水墨写意），沈周、文徵明的“集大成”标志着传统文人画理论的系统化。本章还将讨论晚明董其昌提出的“南北宗论”，及其对后世书画史观产生的深远影响。 第十三章：清代：碑学对帖学的挑战与“四王”的摹古 清代初期，以“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）为代表的宫廷画家，致力于集前代之大成，以“笔墨当随时代”的理念，将摹古推向程式化的高峰。然而，随着清代中后期碑刻的重新发现，一场静默的“碑学复兴”运动开始酝酿。本章详述邓石如、包世臣等人如何将金石学知识引入书法创作，使篆隶的雄强之气重回书坛，为近现代书法的革新埋下伏笔。 结语：笔墨的未来回响 本书以时间为轴，勾勒出中国古代书画艺术从文字的实用性探索，到人格精神的审美寄托，再到技法融汇与流派纷争的全景图。每一个朝代的更迭，都伴随着书画审美的细微调整，它们不仅是技艺的展示，更是特定历史时期社会心理的深刻反映。理解了这些流变，方能真正领会中国艺术的博大精深与绵延不绝的生命力。本书旨在为读者提供一个全面、系统的鉴赏框架，而非简单的艺术品罗列。 --- 【附录与索引】 中国历代重要书画作品年表 关键技法名词释义（如皴法、点染、篆刻、碑学等） 重要书画家生平与代表作精选（附高清图例分析，不限于简介中提及者） （总字数约 1500 字）

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从装帧和印刷的角度来审视，这套书的处理绝对是典范级别的。墨色的还原度极高，那些需要细心辨别的“飞白”和“涨墨”效果，都得到了精确的呈现，这对于我们学习者来说至关重要，因为它关系到对原作笔触细节的真实感知。而且，开本的大小设置非常人性化，既保证了欣赏的舒展度，又便于携带和随时取阅。我注意到，在对几幅重要手札的局部放大处理上，编辑团队显然下了大功夫，使得那些微妙的笔锋回旋和起收之势得以纤毫毕现。这种对细节的尊重，体现了对传统艺术的敬畏之心。与我过去收藏的几部同类书籍相比，这本在纸张的选择上更为考究，减少了反光，使得眼睛在长时间阅读后不易疲劳。它让“看”的过程变成了一种愉悦的、沉浸式的体验，而非任务式的“打卡”。

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真正打动我的，是贯穿全书的那种“文气”。它所展现的不仅仅是高超的技巧，更是一种文人对生活、对历史、对自我审视的深度思考。这种气韵，是时间磨砺出来的，不是一朝一夕的练习可以达到的。翻阅全书，我能感受到一种从容不迫的气度，即使是应对那些繁复的章法，作者也始终保持着内心的秩序感。它教会我，好的作品不是堆砌技巧，而是精神的自然流淌。这种“自然”，并非是随意，而是对法度、对韵律的极高掌握后达到的浑然天成。那些看似稀疏的字句，实则气脉贯通，如同行云流水，一气呵成，读来令人心神俱畅。这本书提供了一种极高的审美标杆，它鼓励每一个学习者去追求技艺之上的“道”与“德”，是值得反复品味、常置案头的珍品。

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坦白说，我原本对这类汇编性质的书籍抱持着一丝保留，总觉得难免鱼龙混杂，难以形成统一的风格体系。然而，当我翻开这本册子时，那种疑虑瞬间烟消云散。整体来看，作品的取舍标准极其严苛，选录的每一幅字稿，都达到了令人心悦诚服的高度。尤其值得称道的是，它巧妙地将不同时期的作品穿插陈列，使得读者可以清晰地捕捉到书家在艺术生命不同阶段的探索与突破。那份对魏晋风度的追摹，那种将碑刻的雄强融入行楷的细腻，展现出一种既有出处又绝不泥古的大家气象。我甚至在其中几幅看似草率的小行书中，读出了一种超脱尘世的洒脱和豁达。这本书的装帧工艺，尤其那装裱的细节处理，也体现了极高的职业水准，使得整体的品相经得起反复摩挲和长久把玩。它绝非市场上那些粗制滥造的“字帖”可比，而更像是一份珍贵的历史文献。

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这部书法集，初捧在手，便觉一股沉静的力量扑面而来。纸张的质感细腻温润，恰到好处地衬托了那些墨痕深处的韵味。我向来对传统文化的精髓抱有深深的敬意，而这本册子所收录的作品，无疑是经过时间淘洗、沉淀下来的精华。观其笔画，不急不躁，行笔之间自有天地。特别是那些看似随意的撇捺，实则暗藏着千锤百炼的功力。欣赏的过程中，我仿佛能听到笔尖与宣纸摩擦时发出的沙沙声，那是对艺术最为纯粹的致敬。装帧设计也颇为考究，古朴中透着雅致，让人在翻阅时，心绪也随之变得安宁平和。这本书的版式安排很巧妙，每一页的留白都经过深思熟虑，使得主体内容得以充分呼吸，没有丝毫的拥挤感。对于长期沉浸在临摹和学习中的同道中人来说，这无疑是一份难得的视觉与精神的双重盛宴，它不仅仅是书法的展示，更像是一部无声的教导书，指引着我们如何在方寸之间寻求“中和”之美。

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这本书给我最直观的感受，就是它在“意境”营造上的高明。很多时候，我们看书法，往往只关注笔画的结构和结体的平衡，却忽略了作品背后书家内心的波澜。但这里的每一幅字，都像是一扇窗，让你得以窥见创作者那份独有的生命体验。有些篇章，笔势遒劲，如同山峦叠嶂，气势磅礴，读之令人精神一振，仿佛置身于天地开阔之处；而另一些，则转折圆融，内敛含蓄，像深秋的湖水，静谧中蕴含着无尽的力量。我花了好几个下午，只是单纯地对着其中一两幅作品凝视，试图理解那墨色浓淡变化所传达的微妙情感。这种层次感和丰富性，是单纯依靠文字描述难以企及的。对于致力于提升自身审美境界的爱好者而言，这本书提供的参照系是极其宝贵的，它提醒我们，书法是“写心”的艺术，而非仅仅是“写字”的技术活。

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