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出版者:第1版 (2004年4月1日)

作者:舒泽池

出品人:

页数:141

译者:

出版时间:2004-4

价格:18.00元

装帧:平装

isbn号码:9787806675304

丛书系列:

图书标签:

• 音乐考级
• 听力训练
• 音乐理论
• 考前冲刺
• 教材
• 音乐教学
• 技能提升
• 考级必备
• 音乐素养
• 练习题集

好的，这是一份为您量身定制的、不包含“音乐考生听力冲刺书面教程”内容的图书简介，字数约1500字。 《和声的艺术：从巴赫到德彪西的音乐结构解析》 一部深入剖析西方古典音乐核心体系的权威指南 书籍概述 《和声的艺术：从巴赫到德彪西的音乐结构解析》并非一本简单的乐理入门手册，而是一部旨在引导读者穿越数百年欧洲音乐史，系统掌握和声语言演变与内在逻辑的深度学术著作。本书聚焦于西方音乐体系中最为核心的构建模块——和声，通过详尽的分析和丰富的实例，揭示了从巴洛克晚期的严谨对位到印象主义自由色彩之间的技术脉络和美学变迁。本书面向具备一定基础乐理知识，希望深入理解古典音乐作品‘骨架’的音乐专业学生、教师、研究者以及资深音乐爱好者。 第一部分：巴洛克晚期的基石——功能和声的建立与规范 本部分将读者带回18世纪初，从J.S.巴赫的对位艺术入手，奠定功能和声的认知基础。 第一章：复调的逻辑与通奏低音的遗产 详细解析了复调音乐中如何通过声部独立性与垂直协和性的平衡来构建音乐，阐述了通奏低音（Basso Continuo）在确立和声功能性中的关键作用。重点剖析了和弦的编号系统（如Figured Bass）如何预示了未来功能和声的语法。 第二章：调性的确立与三和弦的统治 系统梳理了大小调体系的最终确立过程，深入探讨了主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）和下属和弦（Subdominant）这三大核心功能群的相互作用。通过对巴赫赋格曲和协奏曲中终止式（Cadences）的细致分析，展示了“解决”（Resolution）这一核心概念在稳定音乐情绪中的不可或缺性。 第三章：进阶和声语言——导音的张力与七和弦的应用 本章探讨了如何通过引入导音（Leading Tone）及其衍生的属七和弦（Dominant Seventh Chord）来增强和声的导向性和紧张感。深入解析了七和弦的转位及其在旋律进行中的处理规范，为理解古典主义时期的复杂织体做好准备。 第二部分：古典主义的平衡与转调的艺术 进入18世纪中后期，音乐结构在严谨中寻求清晰的表达和平衡的结构。 第四章：奏鸣曲式中的和声语言 奏鸣曲式是古典主义的标志，本章聚焦于奏鸣曲式结构（呈示部、展开部、再现部）中和声的布局。重点分析了呈示部如何通过转调（Modulation）建立对比，以及展开部中如何利用模糊的和声色彩来制造戏剧冲突，最终通过再现部的“大团圆”式解决回归主调。 第五章：副属和弦与增六度（Augmented Sixth Chords）的初步接触 为了丰富古典时期的色彩，作曲家开始使用更具色彩性的和弦。本章详细介绍了二级属和弦（Secondary Dominants）的使用规则，并引入了意大利式、德国式和法国式增六度和弦的构成原理及其在强进行转调中的关键作用。 第六章：海顿与莫扎特：和声的清晰度与优雅 通过对这两位大师作品的精选分析，探讨了他们如何在前人奠定的基础上，使和声进行更加清晰、旋律化，并擅长在看似简单的和声进行中，利用声部间的微妙互动产生深刻的意蕴。 第三部分：浪漫主义的拓展——色彩、情感与和声的极限探索 19世纪的音乐，在情感表达的需求下，和声语言开始突破既有的边界。 第七章：贝多芬的桥梁作用与调性的模糊化 贝多芬如何运用和声突破古典的界限是本章的核心。分析他如何通过远关系转调、大规模使用减七和弦（Diminished Seventh Chords）以及延长不协和音的解决时间，来服务于宏大的情感叙事。 第八章：李斯特与瓦格纳：色彩和声的爆发 本章深入探讨浪漫主义中和声色彩的极端运用。重点分析了李斯特在钢琴作品中对和弦的自由运用，以及瓦格纳歌剧中，特别是《特里斯坦与伊索尔德》中，著名的“特里斯坦和弦”如何挑战了传统功能和声的有效性，预示了调性的瓦解。 第九章：中音与低音的复杂进行：半音和声的盛行 阐释了如何利用大量半音进行（Chromaticism）来丰富和弦的内在联系，包括借用和弦（Borrowed Chords）和复杂的转位七和弦，它们使得和声进行不再仅仅依赖于三度关系，而是更多地依赖于声部进行的美感。 第四部分：从民族乐派到印象主义——和声的解构与重生 进入19世纪末和20世纪初，音乐不再满足于基于大小调的框架，和声走向了自由和探索。 第十章：民族乐派与调式和声的复兴 探讨了俄国五人组、德彪西等作曲家如何从民间音乐或古代音乐中汲取灵感，重新启用大调、小调之外的调式（如多利亚调式、弗里吉亚调式），打破传统大小调体系的束缚。 第十一章：德彪西与和声的“去功能化” 重点解析了印象主义音乐的特征——和声被视为纯粹的音色和氛围，而非推动音乐发展的驱动力。详细分析了平行和弦（Parallel Chords）、九和弦、十一和弦及十三和弦的广泛应用，以及如何通过全音音阶（Whole-Tone Scale）和五声音阶（Pentatonic Scale）来营造“朦胧”的音乐图景。 第十二章：总结与展望：后浪漫主义的和声走向 简要回顾了从巴赫到德彪西，和声从严格的“语法”如何逐步演变为自由的“语言”。本章为读者提供了理解20世纪初和声实验的基础，为后续学习序列主义、非功能和声等提供了概念性的过渡。 本书特色 实例驱动的分析： 每一理论点都紧密结合巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦、德彪西等大师的经典作品片段进行详尽的五线谱分析。 清晰的图表辅助： 包含数百张精绘的乐谱示例和和声功能图示，帮助读者直观理解复杂的声部进行和转调路径。 历史脉络的贯穿： 不孤立地看待某个和弦或技巧，而是将其置于西方音乐史的演变长河中，理解其产生的时代背景与功能转变。 专业的术语对译： 针对专业学习者，提供了详尽的德语、法语音乐术语对照，便于阅读原版乐谱分析。 《和声的艺术》：掌握音乐的底层代码，真正读懂古典音乐的精妙结构。

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这本关于乐理基础的教材，内容编排得实在太扎实了！我从前对和声学那些概念总是感到云里雾里，尤其是那些复杂的转调和不协和音程的处理，光是看定义就头疼。但这本书，它不是简单地罗列规则，而是用一种非常直观的方式，把抽象的音乐结构可视化了。比如，讲解到调式色彩时，作者没有直接给出枯燥的音级排列，而是配上了大量历史上不同时期作曲家作品的片段作为实例，让你在听觉上立刻就能捕捉到多利亚调式那种略带忧郁，又充满前进感的“味道”。而且，书中的练习题设计得很有层次感，从基础的旋律模写，到后面的和声进行分析，每一步都稳扎稳打，不会让人产生“突然难度飙升”的挫败感。我尤其欣赏它对“听觉训练”的重视，它强调的不是死记硬背音高，而是培养一种对声音关系的敏感度，这对于一个音乐学习者来说，是比任何技巧都宝贵的财富。我感觉自己不再是被动地接受音乐，而是主动地去“解码”它。这本书更像是一个经验丰富的老教授，在你耳边耐心指点，让你看到音乐背后的逻辑之美。它不仅仅是一本工具书，更像是一扇通往更深层次音乐理解的大门。

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作为一名在职的乐器演奏者，我的训练时间非常有限，急需一本能够迅速提升我“乐感精确度”的材料。我翻阅了市面上许多强调“快速入门”的书籍，但往往都是浅尝辄止，无法解决我实际演奏中遇到的瓶颈问题。这本教材特别关注了细节处理上的偏差。它用非常精细的图表和音频对比，展示了诸如“上行琶音的气息支撑点”与“下行琶音的重力释放”之间的微妙差异。这些内容不是在教你如何弹奏某个音符，而是在教你如何控制你控制音符的“方式”。比如，针对颤音的稳定性，它提供了一套科学的肌肉放松与控制方法，这比单纯告诉我“要保持均匀”有效得多。书中对于情感表达层面的探讨也十分到位，它将复杂的音乐术语（如Appassionato, Dolce）转化为可以操作的生理指令，让演奏者知道如何调动身体来实现特定的听觉效果。对我而言，这本书就像一个随身的音乐顾问，随时提醒我，音乐的深度往往藏在那些被忽略的百分之一秒的力度变化之中。

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我最近在为我的艺术类专业课考试做准备，市面上那么多辅导材料，很多都停留在应试技巧的层面，读起来干巴巴的，记住了公式却抓不住精髓。然而，这本关于曲式分析的参考书，给我的感觉完全不一样。它深入浅出地剖析了奏鸣曲式、回旋曲式这些“大部头”的内在骨架。它没有采用那种教科书式的、冷冰冰的结构划分，而是像在讲述一个个精彩的音乐故事。作者擅长用比喻来解释复杂的结构关系，比如将奏鸣曲呈示部比作一场戏剧的“铺陈与矛盾激化”，发展部则是“高潮与冲突”，再现部则是“回归与解决”。这种叙事性的讲解方式，让我在阅读时，脑海中自然而然地浮现出贝多芬或莫扎特作品的音乐画面。更棒的是，它还讨论了不同时期作曲家对同一曲式结构的个性化处理，这极大地拓宽了我的视野，让我明白规则是用来遵守的，更是用来打破和创新的。对于需要大量分析和背诵的应试者来说，这种能够激发主动思考的教材，价值远超一般纯粹的知识点罗列。

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说实话，我以前对“视唱练耳”这件事一直抱着一种抵触情绪，总觉得那玩意儿太机械、太枯燥，就是不断地唱音阶、找音程，和真正的音乐欣赏相去甚远。直到我接触到这本侧重于旋律构建和节奏感培养的读物，我的看法彻底改变了。它里面有一章专门讲如何“听”出节奏的“呼吸感”，而不是简单地数拍子。作者非常强调身体与音乐的连接，鼓励读者在练习时要用肢体去感受三拍子和四拍子带来的不同律动，甚至还穿插了一些不同民族音乐的节奏特点介绍，比如拉丁美洲音乐中那种自由起伏的切分音。这让我的练习从“完成任务”变成了一种身体与声音的互动游戏。此外，它对旋律的线条感把握得极其到位，讲解了如何通过对强弱、连贯性（legato）的细微调整，来赋予一段平淡的音符以生命力。这本书真正做到了，把视唱练耳从一个纯粹的技能训练，提升到了对音乐表达力的核心训练层面。

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这本关于音乐史脉络梳理的著作，最让我惊喜的地方在于它颠覆了我过去对音乐史“时间轴”的刻板印象。我原以为它会按照固定的年代顺序，罗列巴洛克、古典、浪漫主义的代表人物和作品。但这本书采取了一种“主题式”的探讨方法，它不是线性叙事，而是围绕几个核心的音乐概念——比如“对位法的演变”、“歌剧的社会功能”、“技术革新对音乐形态的影响”——来回溯历史。这种结构让不同时期的音乐元素得以交叉对比，比如它会把十六世纪的复调音乐和二十世纪的序列音乐放在一起讨论，从而揭示出音乐结构中的一些永恒的、反复出现的张力。这种宏观的、跳跃式的视角，极大地培养了我分析音乐思潮演变的能力，而不是简单地记忆历史事件。它引导我思考，为什么在某个特定的社会背景下，作曲家会选择某种特定的表达方式，这让音乐史不再是尘封的档案，而是一部关于人类精神和情感表达的连续剧。阅读这本书的过程，更像是在参与一场跨越数百年的思想对话。

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