具体描述
《艺术史研究13》是艺术史研究论文的结集。共收论文16篇。所收论文涉及艺术史研究的多个分支领域，较为充分地反映了近年来国内外学术界在多个领域内的前沿进展。主要内容包括：书画史方面，较有代表性的论文有：台湾学者白适铭的《隐者、徵君与访隐图像——「吏隐」思想与唐宋文人隐逸山水画的早期发展》以“唐宋社会变革”为背景对宋元时期山水隐逸题材作品的语境进行了新的前沿性探讨，其他如王照宇的《论道安素斋：倪瓒之〈苔痕树影图〉》，赵晶的《〈明实录〉所见明代宫廷画家汇考》，美国学者梅娜芳的《万历时期墨锭装饰风格及功能的转变》，封治国的《嘉兴项元汴生平若干问题再考》等文，反映艺术社会史研究的某些新的趋势。宗教艺术与美术考古方面，美国学者马小鹤的《黄道十二宫在中古东亚的流传》对黄道十二宫等星宿图传播的研究，是这一课题新的重要进展，其他如沈雪曼的《生死涅盘——唐宋、五代及北宋和潦代的墓葬与舍利埋藏》，常青的《关于北美收藏的山西寺院壁画的研究与问题》，谢继胜、常红红的《莫高窟76窟〈八塔斯社八塔变〉及相关的几个问题》，姚崇新、刘青莉的《四川安岳西禅寺1号龛僧伽三十二化变相图考释》等文，均有深度研究。建筑史方面，赖德霖的《是葬品还是棺椁决定的设计？——从马王堆墓看战国以来中国木构设计观念的一个转变》对中国古代墓葬建筑的结构发展及演变的规律进行了深入的探讨。全书约55万字，具有很强的专业性，面向国内外专业研究者及具有大学文化程度的一般美术史爱好者。
作者简介
目录信息
试论肢体语言在中古佛教艺术中的表现——以“五体投地”、“接足”、“顶戴”等为中心
从《道藏》的“图”谈宋代道教仪式的空间性与物质性
“大禾方鼎”寻钥——兼论殷商巫现的身份
黄道十二宫在中古东亚的流传
再释宋代湖州铜镜：一个物质文化研究视角
万历时期墨锭装饰风格及功能的转变
莫高窟76窟《八塔变》及相关的几个问题——11至13世纪中国多民族美术关系史研究
四川安岳西禅寺石窟侩伽三十二化变相及相关问题
论宋代善财童子五十三参图像
关于北美收藏的山西寺院壁画的研究与问题
巩义涉村宋代壁画墓“五郡兄弟”孝子图略论
永乐宫三清殿壁画题材补论
读宿白先生《张彦远和〈历代名画记〉》札记
《明实录》所见明代宫廷画家汇考
论道安素斋：倪瓒之《苔痕树影图》
嘉兴项元汴生平若干问题再考
书评
张天弓着《张天弓先唐书学考辨文集》
巫鸿着《黄泉下的美术：宏观中国古代墓葬》
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读后感
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用户评价
我一直认为，艺术史的叙述往往会忽略掉一些边缘的、不那么“主流”的声音。《艺术史研究-13》在这方面给了我一个惊喜。它并没有刻意追求宏大叙事，而是将目光投向了一些被传统艺术史研究相对忽视的领域，这让我眼前一亮。例如，书中对17世纪荷兰的静物画和风俗画的解读，就非常有深度。作者没有将它们简单地视为资产阶级生活的写照，而是深入剖析了这些画作背后所蕴含的社会变迁、宗教观念以及艺术家们在商业化浪潮中的探索。他对这些画作细节的关注，比如器皿的摆放、服饰的细节，都充满了解读的可能性，展现了这些看似平凡的场景背后隐藏的丰富意义。此外，书中对一些非西方艺术传统的介绍，虽然篇幅不长，但点到为止，却能引发读者极大的好奇心，让我开始思考艺术的普遍性与特殊性。这本书让我意识到，艺术史的视野可以更加开阔，可以包含更多元的视角和更丰富的表达。它鼓励我去打破固有的认知框架，去发现那些被隐藏在角落里的精彩。
评分这是一本读起来非常有“味道”的书，它并非那种一眼就能看透的浅显读物，而是需要静下心来，细细品味，每一次阅读都会有新的收获。作者在处理古代艺术，特别是希腊罗马时期的艺术时，展现出了极高的专业素养和独特的见解。他并没有仅仅罗列那些古老的雕塑和建筑，而是将它们置于当时的哲学思想、政治格局以及社会生活之中进行考察。书中关于“完美”与“理想”在古希腊艺术中的体现，以及这种理想如何在罗马时期被转化为一种更加实用和世俗化的表达，都写得鞭辟入里。我尤其欣赏作者对古代神话在艺术创作中的作用的分析，他揭示了神话叙事如何不仅仅是故事，更是承载着社会价值观、道德准则和宇宙观的重要载体，并通过对具体艺术作品的解读，展现了这些神话如何被艺术家们转化为视觉语言。读到关于帕特农神庙的章节时，我才真正理解了其建筑结构与宗教意义的完美融合，以及它所象征的民主与理性精神。这本书让我感受到，古老艺术的魅力，在于它能够跨越时空的阻隔，与我们进行一场深刻的思想对话。
评分我一直对现代艺术的抽象表现主义流派颇感兴趣，但总觉得很多解读过于晦涩，让人望而却步。《艺术史研究-13》在这方面为我打开了一扇全新的窗户。作者并没有回避这一流派的复杂性和挑战性，而是选择了一种非常接地气的方式来解构它。他从抽象表现主义兴起的时代背景——二战后的美国社会氛围、冷战的紧张局势，以及当时艺术家们所面临的精神困境入手，生动地描绘了艺术家们如何在画布上宣泄内心的挣扎与渴望。书中对几位代表性艺术家的分析，尤其是他们作品中色彩、线条、构图的“意义”，不再是生硬的理论堆砌，而是通过与艺术家个人经历、心理状态的巧妙关联，变得鲜活而富有感染力。我特别喜欢书中关于“行动绘画”的阐述，作者将绘画过程本身视为一种行为艺术，强调了艺术家在创作过程中的身体投入和情感释放，这让我对波洛克那些看似杂乱无章的滴画有了更深层次的理解。它不再是“乱画”，而是艺术家与画布进行一场充满张力的对话，一次生命的能量释放。这本书让我明白，理解抽象艺术，不仅仅是看懂“画了什么”，更是要去感受“为何而画”，以及“画如何呈现”的背后逻辑。
评分这本书带给我的体验，更像是一场与时间对话的旅程。作者以一种非常独特的视角，串联起了不同时代、不同地域的艺术作品，展现了它们之间微妙的联系和影响。我尤其喜欢书中对“模仿”与“创新”这个艺术史核心议题的探讨。他并没有简单地将艺术家的创作视为对前人的复制，而是深入分析了艺术家如何在继承传统的基础上，通过对材料、技法、主题的革新，发展出属于自己时代的独特风格。例如，在探讨中国山水画与西方风景画的比较时，作者就非常巧妙地指出了两者在哲学观念、表现手法上的根本差异，但同时也揭示了它们在捕捉自然之美、表达人文情怀方面的共通之处。这种跨文化的比较，不仅拓展了我的艺术视野，更让我反思了不同文化背景下，人类对于美的追求是如何以不同的方式得以体现的。这本书的结构安排非常精妙，仿佛一张精心编织的网，将散落的艺术珍珠串联起来，形成了一幅连贯而富有逻辑的艺术发展脉络。它让我明白，艺术史不是一堆孤立的事件，而是一个生生不息、不断演进的有机整体。
评分这次翻阅《艺术史研究-13》的过程，真是一次意料之外的智识探险。我原本以为会是一本偏重理论分析、充斥着学术术语的书，但实际读下来，却发现作者以一种相当亲切且富有启发性的方式，引导我一步步深入探索了那些我曾以为自己已了如指掌的艺术作品背后隐藏的深邃含义。例如，书中关于文艺复兴时期雕塑的章节，并没有停留在对肌肉线条、比例结构的简单描述，而是深入挖掘了当时社会经济背景、宗教信仰以及艺术家个体命运如何交织，最终塑造了那些不朽的杰作。作者通过细致入微的文本分析，配合出色的图片呈现，让我仿佛亲临佛罗伦萨的作坊，感受着大理石在凿子下一点点拥有灵魂的奇迹。尤其令我印象深刻的是，作者在探讨同一位艺术家不同时期作品时，那种对风格演变与内在心绪转变的精准捕捉，让我对艺术创作的复杂性有了全新的认识。它不只是技巧的精进，更是艺术家面对世界、反思自我的过程的真实写照。阅读过程中，我时不时会停下来，回味书中提出的观点，并忍不住拿出其他艺术史书籍与之对照，那种发现新视角、获得新感悟的乐趣，是无可比拟的。这本书最大的魅力在于，它始终牢记着读者作为“观赏者”的身份，提醒我们艺术不仅仅是历史的陈迹，更是可以被当下深刻理解和感悟的活态生命。
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