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出版者:中国和平出版社

作者:国家电网公司生产运营部

出品人:

页数:67

译者:

出版时间:2004-4-1

价格:13.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787801548351

丛书系列:

图书标签:

• 儿童画
• 国画
• 入门
• 绘画
• 艺术
• 少儿
• 技法
• 教程
• 水墨
• 中国画

艺术的启蒙与传统的传承：一窥中国传统绘画的奇妙世界 《墨韵丹青：中国传统绘画艺术概览》 目标读者： 对中国传统文化、艺术史、水墨技法有浓厚兴趣的初学者、艺术爱好者、文化研究人员，以及希望系统了解中国绘画精髓的非专业读者。 本书特色： 本书并非一本绘画技法教材，而是一部深入浅出、全面剖析中国传统绘画历史脉络、美学思想与核心技法的文化导读与鉴赏指南。我们旨在搭建一座连接古代艺术大师与当代读者的桥梁，让读者在欣赏精美画作的同时，领悟其中蕴含的东方哲学与人文精神。 内容概述： 第一部分：溯源——历史的沉淀与流派的演变 中国绘画，是世界上历史最悠久、体系最完整的绘画传统之一。本部分将带领读者穿越时空，追溯其萌芽与壮大。 第一章：远古的回响与先秦的印记 探讨岩画、陶器装饰纹样中蕴含的早期图腾与生命力。介绍先秦时期青铜器、漆器上的纹饰，如何为后世的线条艺术奠定了基础。重点分析“意在笔先”思想的雏形。 第二章：魏晋风骨与士人精神的觉醒 聚焦魏晋南北朝时期，佛教艺术的兴盛对绘画构图与人物刻画的影响。深入解析顾恺之的“传神写照”理论，探讨“魏晋风度”如何融入画家的个体精神，使绘画从单纯的叙事工具升华为个体精神的载体。 第三章：盛唐气象与宋代工细 唐代：气势磅礴的时代写照。 研讨李思训、吴道子等大家对山水画和人物画的突破性贡献，分析盛唐社会对绘画题材与尺度的影响。 宋代：理学背景下的写实与意境。 详述宋徽宗“瘦金体”对线条美学的极致追求。重点剖析院体画（如范宽、郭熙）如何将自然观察推向科学与艺术结合的巅峰，以及文人画的初步萌芽。 第四章：元代的转型与水墨的成熟 元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的崛起标志着文人画的正式确立。本书将详细解析“笔墨当随时代”的内涵，讨论“写意”如何超越对客观物象的描摹，成为抒发内心情感的媒介。这一章节将细致阐述墨色的层次变化在文人画中的核心地位。 第五章：明清的争鸣与地域风格的繁荣 明代的“浙派”与“吴门画派”的技法差异与审美取向。清代“四王”对传统标准的回归与“四僧”的个性化探索。同时，本书也会触及岭南画派等地域风格的形成，展示中国绘画内部流派间的对话与张力。 第二部分：精髓——审美范式与核心技法透视 本部分将剥离历史表象，直击中国画的审美核心——“气韵生动”的内涵，并从技法层面进行宏观梳理。 第六章：气韵生动：东方艺术的灵魂 这不是一个空泛的口号，而是对生命力的捕捉。本书将从哲学（道家思想）和生理学（呼吸与线条）两个维度，阐释如何通过线条和墨色表现内在的生命律动。比较中西艺术对“神似”的不同理解。 第七章：线条的语言：骨法用笔的奥秘 中国画的骨架在于线条。本章将详细解析“十八描”等传统用笔方法，探讨不同线条（如中锋、侧锋、干笔、湿笔）如何赋予物象以不同的质感（如刚劲、柔润、苍茫）。重点分析“皴法”在山水画中构建体积与肌理的独特作用。 第八章：墨分的五色：从焦到淡的哲学转换 水墨，是中国画最标志性的语言。本书将系统介绍“墨分五色”（焦、浓、重、淡、清）的实际操作原理及其美学意义。如何通过控制水分和用墨的轻重，在二维平面上营造出无穷的深远感与空间层次。 第九章：留白之道：虚实相生的境界 中国画的“留白”并非空白，而是“未画之画”。本章深入探讨“计白当黑”、“虚实相生”的构图原则，分析留白在营造意境、引导视线、表现空气感和无限空间方面的决定性作用。 第十章：诗情画意：文人画的题跋与印章 绘画、书法、诗歌的“三绝”融合是中国艺术的独特标志。探讨题跋如何为画面提供情感的注解和哲理的深化，以及印章的色彩与形状在完成画面构图与“点睛”作用上的艺术价值。 第三部分：分野——题材的象征与精神的寄托 传统绘画的题材选择并非随意，每一种物象都承载着深厚的文化寓意和士大夫的情感投射。 第十一章：山水之志：胸中丘壑 山水画为何成为中国画的主流？分析山水画中“可游、可居、可观”的理想世界观，解析董源的“水墨浑厚”与李唐的“斧劈皴”在表现山川精神上的差异。 第十二章：花鸟之趣：物我两忘的境界 从工笔到写意，花鸟画如何体现“天人合一”的思想。重点解析梅兰竹菊（四君子）和岁寒三友的象征意义，以及工笔草虫画如何体现对微观世界的精细体察。 第十三章：人物之态：品格的塑造与历史的剪影 探讨人物画中对“形神兼备”的追求，分析历史故事画、仕女画、高士隐逸图所折射出的社会伦理、审美趣味和对隐逸生活的向往。 结语：传统的回响与当代的对话 总结中国画对当代艺术的启示，强调理解传统而非模仿传统的重要性，鼓励读者以更开阔的视角去欣赏和传承这一伟大的艺术遗产。 本书价值定位： 《墨韵丹青》力求以严谨的学术态度梳理历史脉络，以清晰的语言剖析复杂技法，以富含人文关怀的视角解读艺术意境。它不是一本教你如何拿起毛笔的工具书，而是一本助你理解中国绘画“为什么这样画”和“画的是什么”的深度阅读材料，是通往中国传统美学殿堂的必经之路。全书配以大量经典画作的高清解析图例，以辅助读者的理解和鉴赏。

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这本书的装帧设计和印刷质量也让我非常满意，这在儿童读物中往往是被忽略的细节。纸张的厚度适中，吸墨性很好，即使用孩子刚开始控制不好力度时墨水稍微洇开，也不会穿透到下一页去，这对于反复练习者来说太重要了。色彩还原度极高，国画的微妙色阶非常依赖印刷的精准度，而这本画册在这方面做得相当出色，保证了孩子看到的范例效果和他们自己实际操作出来的效果差异不会太大，避免了挫败感。而且，全书的排版非常舒展，留白很多，这本身就符合国画的审美习惯，让阅读过程本身就是一种放松和享受，而不是压迫感十足的知识灌输。对比市面上那些色彩饱和度过高、内容拥挤的少儿画册，《儿童国画入门》的这种克制和高雅，无疑更适合培养孩子高品质的艺术审美。

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说实话，我原本以为这种针对少儿的入门书，内容难免会有些肤浅，但《儿童国画入门》完全颠覆了我的认知。它在基础训练部分做得极其扎实，这点非常重要，因为很多启蒙教育往往因为图好看而忽略了基本功的训练。这本书对“文房四宝”的介绍，不是简单的罗列，而是详细讲解了每一种工具的特性以及如何正确握笔、调墨的细节。尤其是关于墨色的浓淡干湿的控制，书中用了非常巧妙的比喻来解释，比如“淡墨像清晨的薄雾，浓墨则像傍晚的厚云”，这种形象化的描述，让孩子在实际操作中能立刻体会到变化。我记得我们试着画了第一张水仙花，孩子以前画花都是用颜料平涂，但这本书教了他如何用湿润的笔尖去“晕染”出花瓣的层次感，那种惊喜感简直无法言喻。这种由浅入深、注重手眼协调和观察力的训练，让这本书的价值远超一本普通的绘画教程，它更像是一本关于“如何观察世界并用线条记录世界”的工具书。

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我是一个对传统文化有着深深敬意的成年人，寻找一本既能让孩子接受，又不失国画精髓的教材着实不易，庆幸我发现了《儿童国画入门》。这本书最让我欣赏的一点在于，它在教授技法的同时，非常注重“意境”的培养。它并没有完全西化绘画的表达方式，而是坚持用中国画的审美体系来构建教学框架。例如，在教画山石时，它强调“留白”的重要性，解释说白色的部分不是“没有画”，而是“想象的空间”。这种对东方哲学思想的潜移默化渗透，让我在陪孩子学习的过程中，自己也重新审视了国画的博大精深。书中的选材也十分考究，从梅兰竹菊到飞禽走兽，都是国画中最具代表性的题材，但处理方式都做了极大的简化和提炼，确保了艺术性和可操作性之间的完美平衡。这不仅仅是教孩子画画，更是在为他们打开一扇通往中华传统美学的窗户，这份用心值得我们这些家长深思和赞赏。

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从实用性和互动性来看，《儿童国画入门》表现出超乎预期的亲和力。书中设计了很多“小挑战”环节，比如“尝试用你今天学到的三种笔法画一只快乐的小鸟”，这种引导式的开放性练习，极大地激发了孩子的创造力和主动性。它不会强迫孩子必须一模一样地复制范画，而是鼓励他们将所学技巧应用到自己的想象中。我观察到，孩子在学习了如何用焦墨画出松树的苍劲之后，他自己会主动去观察家里的盆栽，试图模仿那种粗粝的质感。这种从“模仿”到“再创造”的转变，正是启蒙教育最核心的目标。此外，书中还附带了一些关于国画小知识的“冷知识”角，比如历代画家的小故事或者一些绘画的典故，这些小小的文化点缀，让学习过程变得丰富有趣，不再是单调的技法操练，而是融合了历史、文化和艺术的综合体验，非常棒的一本入门宝典！

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这本《儿童国画入门》简直是为我家那个对画画充满好奇心的小家伙量身定制的！我得说，从我这个“门外汉”的角度来看，这本书的编排简直是教科书级别的清晰易懂。首先映入眼帘的就是那些色彩鲜明又充满童趣的插图，看得出来作者在研究儿童心理这方面下了不少功夫。它不是那种枯燥的理论说教，而是把复杂的笔墨技巧分解成了孩子们一看就懂的步骤。比如，教画竹子那几页，不是直接让你去模仿一幅完整的画作，而是把竹叶的“点”法、竹竿的“皴”法，用非常直观的图解方式呈现出来，旁边还配有小小的、俏皮的文字提示，比如“你看，这个点要像小小的饺子一样哦！”这种引导方式，让孩子完全没有畏难情绪，反而觉得绘画是一件充满乐趣的游戏。更让我惊喜的是，书中对于“气韵生动”这种比较抽象的国画理念，也找到了非常接地气的解释方法，比如通过观察自然界中花草树木的生长姿态来理解线条的生命力。我的孩子现在每天都吵着要拿起毛笔，即使只是乱涂乱画，也能感受到他对传统艺术的亲近感。这本书真的成功地搭建了孩子与国画之间那座最初、也是最坚固的桥梁。

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