音乐听觉训练12讲精选实例56 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海音乐出版社

作者:蒋维民

出品人:

页数:72

译者:

出版时间:2004-1

价格:12.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787806674055

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音域拓宽与精湛演奏：古典钢琴技巧的现代实践 本书聚焦于提升古典钢琴演奏者在表现力与技术控制上的深度与广度，旨在提供一套系统化、可操作的训练方案，以应对二十世纪及当代钢琴文献中日益复杂的技巧挑战与情感表达需求。 一、 速度、精准与耐力的多维度整合训练 本书并非简单地罗列音阶与琶音练习，而是将这些基础元素融入到具体的演奏情境之中，探讨如何在高难度段落中维持绝对的音高精准度与清晰度，同时确保持久的演奏耐力。 1. 复杂节奏型与非对称律动的解构与内化： 许多现代作曲家偏爱使用复杂的交叉节奏（如四对三、五对七的交织）和不断变化的拍号。本书通过特定的指法分配策略和双手独立训练法，帮助学习者快速适应这些“非标准”的律动，确保在高速演奏中，不同声部间的时值对比依然鲜明、平衡。我们详细分析了普罗科菲耶夫部分奏鸣曲及拉赫玛尼诺夫协奏曲中此类难点的处理方式，着重于如何通过身体的放松来实现指尖的爆发力。 2. 跨越式与远距离和弦的稳定精确性： 肖邦晚期作品、德彪西或巴托克作品中常出现的超宽音程跳跃，对钢琴家的手型稳定性和视觉预判能力提出了极高要求。本书提出了“视觉锚点定位法”与“触键惯性引导法”相结合的训练模块，旨在将跳跃动作从刻意的“移动”转化为流畅的“过渡”，有效减少因紧张导致的触键失误。特别关注了如何保持这种远距离触键后的手指力量均衡，避免“过冲”或“回弹不足”。 3. 触键力度与音色的精细控制： 古典钢琴的魅力在于其动态范围的广阔。本书深入探讨了从 pppp 到 ffff 之间，每一个动态标记背后所蕴含的身体发力机制。我们不满足于简单的“轻触”或“重击”，而是区分了“空气感轻柔的连奏（Legato Aereo）”与“强调清晰度的断奏（Staccato Marcato）”。通过对琴弦振动原理的理解，指导演奏者如何利用手指重量、手腕的微小转动，甚至是踏板的精确“呼吸”，来雕刻出不同层次的音色质感，尤其是在多声部对位中实现清晰的层次分离。 二、 踏板技艺的深化与情感色彩的渲染 延音踏板不仅仅是延长声音的工具，它是钢琴色彩学的核心要素。本书将踏板的使用提升到与指法同等重要的地位。 1. 渐进式踏板的运用（Gradual Pedal Changes）： 探讨如何在不中断旋律线的前提下，实现“半换踏板”到“全换踏板”之间的平滑过渡，尤其是在和声色彩需要微妙转变的段落。我们分析了李斯特作品中那种“浸润式”的踏板效果，教导如何利用踏板的“提与放”的微小时间差，来避免和声的模糊与“泥泞”。 2. 快速换踏与特制效果： 针对二十世纪音乐中对速度和清晰度有极高要求的段落（如某些德彪西或拉威尔的作品），本书详细分解了“快速换踏”的身体协调步骤，以及如何利用“局部踏板”技术来隔离或突出特定的声部。此外，我们还探讨了在特定老式钢琴上尝试“弱音踏板（Una Corda）”在不同力度下的音色变化，以重现历史演奏的某些特定声响特点。 三、 诠释的深度：超越技巧的音乐哲学探讨 技术是为音乐服务的。本书强调，只有深刻理解作品的结构、历史背景及作曲家的意图，技术才能真正转化为富有洞察力的演奏。 1. 结构分析与动机发展： 我们提供了一套系统的“结构导向型”练习方法。在练习技术难关时，演奏者需要同时在头脑中清晰地勾勒出该段落所属的宏大结构（如奏鸣曲式的发展部、赋格的再现部等）。这使得技术练习不再是机械的重复，而是对音乐逻辑的预演，有助于在演奏中自然地突出主要动机，并合理分配情感的高潮与低谷。 2. 历史语境下的风格辨析： 针对巴赫的复调音乐、莫扎特的古典主义清晰度、贝多芬的英雄气概，以及浪漫主义的自由抒情，本书提供了针对性的指法“哲学”。例如，在巴赫作品中，我们强调手指的“垂直敲击”以保持声部的独立性，而非浪漫派的“滚动式”触键；在贝多芬中，则着重于对冲击力与节奏重音的精确控制，体现其戏剧性。 3. 即兴思维在再现性音乐中的应用： 探讨如何在严格遵循乐谱的前提下，运用即兴演奏时养成的对和声进行、旋律线条的敏感度，来丰富每一次的演奏细节。这包括对装饰音的细微处理、对旋律起伏的自然呼吸感，以及在乐句收尾时赋予的独特“句读”。 本书面向所有致力于将古典钢琴演奏推向更高艺术境界的学习者、教师及音乐爱好者，它提供的是一套深入音乐内核的实践工具箱，旨在帮助演奏者构建一个既坚实又富有灵性的技术与诠释体系。

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这本封面设计得极其低调的书，拿到手时说实话有点失望，感觉像是某个早期教材的复刻版，毫无现代感可言。我本来是抱着极大的期待想看看里面能有什么新颖的音乐理论或者实用的练习方法，结果翻开目录，感觉更像是在翻阅一本陈旧的乐理辞典。内容上，感觉作者似乎过于沉迷于对基础概念的枯燥罗列，每一个章节都像是在进行百科全书式的解释，缺乏必要的趣味性和启发性。对于初学者来说，可能光是理解这些术语就已经望而却步了，更别提从中找到学习的乐趣。我尝试去读其中关于和声进行的部分，发现它用了一种非常学术化、偏向于古典音乐学院派的视角来阐述，完全没有考虑到当下流行音乐或者现代作曲中更为灵活的运用。整体阅读体验下来，这本书更像是一份严谨的学术报告，而不是一本能激发听觉潜能的实用指南。我期待的是能有更多直击痛点的练习和案例分析，能让我立刻在自己的演奏或创作中找到应用点，但这本书似乎更专注于“知道”而不是“做到”。

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我尝试着去寻找书中宣传的“实用性”和“实战性”，但最终感觉这更像是一种夸大的宣传。书中提到了大量的理论分析框架，但却很少有清晰的步骤指导，告诉读者“如何”将这些理论知识转化为日常的听觉练习。例如，当作者讨论到如何快速分辨调性色彩时，理论上说得头头是道，但当涉及到具体的练习方法时，往往是一句“多听多模仿”就带过去了，这对于正在摸索阶段的听众来说，帮助微乎其微。这本书更像是一位资深教授对着一群已经掌握了基础乐理的学生进行高阶理论探讨的课堂笔记，而不是一本面向广大音乐爱好者的“训练手册”。如果缺少了可操作性强的、能即时反馈的练习环节，任何理论都只是空中楼阁。我希望能看到更多的“听-写”、“听-唱”的详细步骤和对照材料，而不是一味地强调对概念的理解。

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当我深入阅读这本书的中间部分时，我发现作者在某些章节的处理上显得有些力不从心，或者说，深度不够。比如在讨论听觉辨识的训练方法时，书中所提供的练习素材显得非常单一和重复，似乎只围绕着几种非常基础的音程和三和弦展开，对于更复杂的七和弦、九和弦乃至爵士和声的听觉训练几乎是只字未提。这让作为一名有一定基础的学习者感到非常困惑，因为市面上很多入门级的教材都能提供更丰富的听觉材料。更令人不解的是，某些章节的逻辑衔接非常跳跃，仿佛是把几篇独立的讲稿生硬地拼凑在了一起，阅读时需要不断地回头去查找前文的定义，才能理解作者此刻的论点。这极大地破坏了阅读的流畅性，也使得学习过程充满了挫败感。如果这本书的目的是系统性地提升听觉能力，那么它在广度和深度上都显得不够全面和均衡。我甚至怀疑作者是否真正理解了“训练”二字的精髓，训练应该是循序渐进、层层递进的，而不是简单地堆砌知识点。

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这本书的排版和印刷质量也着实让人捏了一把汗。作为一本以“精选实例”为卖点的书籍，我本以为会看到清晰、准确的乐谱示例，然而，书中的许多记谱符号都显得模糊不清，有些甚至出现了印刷错误，这对于需要精确辨识音高的听觉训练来说，简直是致命的缺陷。试想一下，如果教材本身提供的示例就不准确，学习者如何能建立起正确的听觉标准？另外，全书的字体选择和行间距设计也极其不友好，长时间阅读后眼睛非常容易疲劳。这让我不禁思考，出版方在制作这本书时是否进行了最基本的校对和审阅？一本旨在提升专业技能的书籍，其基础的物理呈现质量都无法保证，如何让人信服其内容的专业性呢？我宁愿花钱去购买那些排版精良、附带高质量音频资源的教材，至少它们能提供一个清晰的听觉输入环境。

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最后，从整体的价值衡量来看，这本书的定价与其提供的实际内容似乎并不匹配。如果它是一本内容极其深入、讲解细致入微的参考书，那么高价尚可理解。但鉴于其内容上的重复性、练习素材的局限性，以及排版和印刷上的粗糙，我实在难以推荐给任何一位认真对待听觉训练的朋友。它更像是一本早些年出版的、未经充分市场检验和修订的学术讲义集。我希望能找到一本能够真正激发我耳朵潜能的书籍，它应该拥有更现代的视角，更丰富的多媒体辅助（比如配套的音频资源，但这本完全没有），以及更具创新性的训练方法。很遗憾，这本书没有达到我期望中的那种“醍醐灌顶”的效果，反而让我感觉像是在进行一场沉闷而低效的知识灌输过程，整体体验较为平淡，缺乏亮点。

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