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出版者:湖南美术出版社

作者:李蒲星编

出品人:

页数:308 页

译者:

出版时间:2004年1月1日

价格:42.0

装帧:平装

isbn号码:9787535620026

丛书系列:

图书标签:

• 美术史
• 艺术史
• 西方美术
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 艺术
• 文化
• 历史
• 艺术鉴赏

艺术的脉络：世界建筑的宏伟叙事 内容提要： 本书旨在为读者勾勒出一幅宏大而细致的世界建筑史图景，深度剖析人类文明发展进程中，不同地域、不同时代所孕育出的建筑艺术的精髓、风格演变及其背后的社会文化驱动力。我们将跨越数千年，从史前巨石阵的神秘力量，到古埃及金字塔的永恒象征；从古希腊爱奥尼柱式的和谐韵律，到古罗马拱券技术的工程奇迹；深入中世纪欧洲的哥特式大教堂对天堂的无限追逐，以及拜占庭帝国马赛克的辉煌光芒。 随后，我们将探讨文艺复兴时期对古典理想的回归与重塑，巴洛克与洛可可的激情与奢华，以及新古典主义对理性秩序的重新强调。进入近现代，本书将详尽分析工业革命带来的材料与技术革新，对铁路、桥梁、摩天大楼等新型建筑的催生，以及现代主义建筑大师如勒·柯布西耶、密斯·凡德罗等人如何以“机器美学”彻底颠覆传统。最后，我们将聚焦后现代主义的多元回归、解构主义的破碎与张力，以及当代可持续设计和参数化设计的前沿探索。 本书不仅关注建筑的形式与技术，更侧重于探讨建筑作为一种文化载体，如何记录历史、反映权力结构、塑造社会生活，并最终影响人类对自身存在的认知。 --- 第一部分：文明的基石——古代建筑的起源与象征 第一章：史前与早期文明的物质表达 建筑的诞生并非偶然，而是人类对生存空间需求与对超自然力量敬畏的直接投射。本章首先考察欧洲巨石阵（如斯通亨奇）的神秘布局，探究其天文观测与祭祀功能，分析其在没有现代工具下的工程学意义。随后，我们将转向美索不达米亚平原，研究苏美尔人与巴比伦人使用泥砖建造的金字形神塔（Ziggurat），揭示其阶梯结构如何象征着人与神之间的层级关系和对“天空之城”的渴望。 第二章：尼罗河畔的永恒追求：古埃及建筑 古埃及文明的显著特征在于其对永恒的追求，这直接决定了其建筑的规模与材料选择。本章细致分析了金字塔的建造原理、内部结构设计（如葬仪通道与王室墓室），以及其作为法老神权的物质化身所承担的政治与宗教意义。同时，卡尔纳克和卢克索的神庙群，特别是巨大的多柱厅和方尖碑的设置，将展示埃及人如何通过光影的巧妙运用，营造出神秘而肃穆的宗教氛围。 第三章：秩序与和谐的典范：古希腊建筑 古希腊建筑是西方美学思想的源头。本章的核心在于对古典三柱式——多立克式、爱奥尼式和科林斯式——的系统性解读。我们将深入研究帕特农神庙，不仅分析其严谨的比例（如黄金分割的应用），更探讨其“视差校正”的技术，理解希腊人如何追求视觉上的完美与和谐，而非绝对的数学精确。此外，还将触及剧场和议事厅等公共建筑，探讨它们在民主化进程中的空间作用。 第四章：实用至上与帝国扩张：古罗马建筑的工程革命 罗马人继承了希腊的柱式美学，却在工程技术上实现了跨越式的飞跃。本章重点介绍罗马建筑的两大核心发明：拱（Arch）、券（Vault）和穹顶（Dome）。通过对万神殿（Pantheon）巨大穹顶的结构分析，读者将理解混凝土（Opus Caementicium）的应用如何释放了建筑的体量和空间潜力。此外，我们还将考察公共浴场、引水渠、凯旋门和巴西利卡等建筑类型，展示建筑如何成为帝国统治和城市生活的工具。 --- 第二部分：信仰与权力——中世纪至文艺复兴的转型 第五章：光与垂直的追求：拜占庭与早期基督教建筑 随着罗马帝国的衰落，东方文化的影响力增强。本章聚焦拜占庭帝国，以圣索菲亚大教堂为例，阐述其突破性的大穹顶与半穹顶体系，以及如何利用马赛克装饰营造出“天堂在人间”的视觉效果。同时，早期基督教巴西利卡的演变，预示着宗教仪式对建筑空间布局的重塑。 第六章：向上帝的祈祷：罗马式与哥特式建筑 中世纪的建筑史是一部与基督教信仰紧密相连的编年史。罗马式建筑以其厚重的墙体、半圆形拱券和相对低矮的体量，展现出防御性和内敛的宗教力量。随后，我们将进入哥特式革命。重点分析飞扶壁（Flying Buttress）、尖拱（Pointed Arch）和肋拱（Rib Vault）的组合如何使墙体得以“解放”，容纳巨大的彩色玻璃窗。圣但尼教堂和巴黎圣母院等实例，将揭示哥特式建筑如何通过对光线的极致控制，引导信徒的精神向上攀升。 第七章：人性的回归与理想的重现：文艺复兴建筑 文艺复兴标志着建筑理念从“神本”向“人本”的回归。本章探讨佛罗伦萨与罗马的建筑师们如何重新研究和应用古罗马的规范。重点分析布鲁内莱斯基对中央计划式教堂的探索，以及帕拉第奥（Palladio）对古典语汇的系统化整理（帕拉第奥母题），这些原则如何塑造了此后数百年欧洲乃至北美的主流审美。 第八章：情感的张力与戏剧性的表达：巴洛克与洛可可 17世纪，建筑开始服务于绝对君主制和反宗教改革的需要。巴洛克建筑（如贝尔尼尼和波罗米尼的作品）以其动感的立面、夸张的曲线、光影的戏剧性对比，追求强烈的感官体验和情感冲击。洛可可则将其精致化、内室化，发展出轻盈、繁复的装饰风格，体现了贵族阶层的审美趣味。 --- 第三部分：工业、理性和解构——近现代建筑的变革 第九章：理性之光与古典的复兴：18世纪的变革 尽管巴洛克盛行，但启蒙运动也催生了对建筑理性与清晰度的重新呼唤。新古典主义试图摆脱巴洛克的矫饰，回归古希腊罗马的纯粹形式，这在欧洲的公共建筑和城市规划中留下了深刻印记。同时，本章也将概述早期工业技术，如铸铁和玻璃的初步应用，为后来的现代主义埋下伏笔。 第十章：铁、钢与玻璃的解放：工业革命与新材料的冲击 19世纪是建筑材料与结构技术产生根本性变革的时代。本书详细考察了水晶宫（1851年）和埃菲尔铁塔等早期“技术建筑”的诞生，分析它们如何挑战了传统的石材美学，并首次清晰地展现了结构逻辑本身的美感。同时，我们将探讨美国芝加哥学派在摩天大楼领域的技术突破，以及承重墙体系的瓦解。 第十一章：形式追随功能：现代主义的诞生与核心原则 20世纪初，一连串的社会变革和技术成熟，促使建筑师们发起了一场彻底的革命。本章深入解析现代主义的几大核心理论：如格罗皮乌斯对工艺的重视、勒·柯布西耶的“新建筑五点”（底层架空、自由平面、自由立面、横向长窗、屋顶花园），以及密斯·凡德罗的“少即是多”的极简哲学。我们将分析“国际风格”在全球范围内的传播与影响。 第十二章：对现代性的反思与多元的回归：后现代与解构主义 二战后，现代主义的僵化和“一刀切”的全球化趋势招致了强烈的反弹。本章考察后现代主义如何重新引入历史符号、色彩和装饰性，强调语境和地方性。随后，我们将探讨解构主义，分析其如何通过不对称、断裂和非欧几何，挑战传统建筑的稳定性和可理解性，例如贝聿铭和伦佐·皮亚诺等大师的作品如何体现新的空间哲学。 第十三章：未来视域下的挑战：当代建筑的趋势与可持续性 本书的收尾将聚焦当前建筑领域最前沿的议题。我们将探讨在气候变化背景下，可持续设计和绿色建筑理念如何从边缘走向主流，以及生物仿生学在结构设计中的应用。同时，参数化设计和数字制造技术如何改变建筑师的创作过程，预示着建筑形态与建造方式的下一个重大飞跃。本书最终强调，建筑史是一部持续演进的对话，关于人类如何利用物质世界来定义自身存在的意义。

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作为一名业余的艺术爱好者，我最怕的就是那种人云亦云、缺乏批判精神的艺术史陈述。但这本书在探讨19世纪末的学院派艺术时，展现了令人耳目一新的角度。它没有简单地将学院派描绘成僵化的守旧势力，而是细致地分析了他们所依赖的严谨的素描训练体系和历史题材的崇高价值。通过书中对官方沙龙展览的详细描述，我仿佛置身于那个充满等级观念的艺术圈子，理解了那些“不入流”的先锋艺术家所要挑战的权威性究竟有多么根深蒂固。特别是关于女性艺术家在那个时代的困境，书中穿插了大量具体的人物和作品案例，揭示了艺术史叙事中长期被忽略的性别维度，这种对边缘声音的关注，让整部作品的厚度和深度都大大增加，不再是单纯的“大师速览”。

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这本书的视觉冲击力是毋庸置疑的，但真正让我佩服的是它对不同文化艺术交融时所产生的化学反应的捕捉。当叙事线索进入到20世纪初的“异域风情”对欧洲艺术的影响时，作者并没有采取简单的“东方主义”的视角，而是非常审慎地分析了原始艺术（Primitivism）如何成为现代主义打破陈规的工具，以及这种“挪用”背后潜在的文化权力关系。书中对高更的作品的分析尤其深刻，它不仅仅展示了塔希提岛的色彩，更剖析了高更本人在欧洲文明中的疏离感如何驱动了他对“纯粹”的追求，以及这种追求如何演变成一种新的艺术语言。这种对复杂性、矛盾性的直面，使得全书的论述显得格外真诚和成熟，它不提供简单的答案，而是引导读者去思考艺术、文化与权力结构之间永恒的张力。

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这本装帧朴素的书籍，却蕴含着极其深刻的洞察力，尤其是在处理现代艺术的转型期时，展现了非凡的叙事功力。我一直对印象派之后的后印象主义感到有些困惑，觉得梵高和塞尚的风格转变有些突兀，但这本书巧妙地将这种转变置于当时的社会和工业变革的大背景下进行解读。它没有将艺术史视为一条平滑的直线，而是充满了断裂、反思和革命。比如，关于后印象主义色彩理论的探讨，作者引用了当时科学期刊中关于光线的物理学研究，将艺术家的主观情感表达与客观的视觉科学联系起来，这让我一下子明白了为什么那些色彩会以那样的方式组合在一起，它们不是随意的涂抹，而是深思熟虑的视觉实验。书中对后来的立体主义和抽象表现主义的过渡分析也十分到位，那种从“再现”到“表达”的哲学转向，被梳理得井井有条，逻辑链条清晰得让人信服。

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这部厚重的画册，装帧精美得让人爱不释手，光是翻开它，就能感受到一股扑面而来的艺术气息。我本来对文艺复兴时期的雕塑了解得不多，总觉得那都是些陈旧的石膏像，但这本书里对米开朗基罗的《大卫》的解读，简直是醍醐灌顶。它不仅仅是展示了雕像的细节，更是深入剖析了其背后的时代精神，以及艺术家如何将古典的完美与人文主义的激情熔铸一炉。特别是关于肌肉线条的刻画，作者用了大量篇幅来阐述光影如何塑造出生命的力量感，甚至让我联想到了现代电影中的动作捕捉技术，这种跨越时空的对话感非常迷人。而且，书中对于不同地域流派的划分也做得非常细腻，比如威尼斯画派对色彩的运用，与佛罗伦萨对形体的强调，对比起来看，能清晰地体会到意大利内部艺术哲学的差异。我甚至花了一个下午的时间，对照书中的图片，尝试用铅笔临摹了几笔，虽然技艺不精，但那种与大师对话的体验是无价的。这本书的排版也值得称赞，大量的留白让那些宏伟的画作有了呼吸的空间，而不是被密密麻麻的文字和图片挤压在一起，阅读体验极佳。

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说实话，我拿到这本关于西方艺术史的工具书时，内心是有些抗拒的。我总觉得这类书籍要么过于学术化，充满了晦涩难懂的术语，要么就是走马观花，介绍得过于肤浅。但这本书出乎意料地平衡了两者。它在介绍巴洛克艺术的戏剧性和动感时，并没有停留在表面描述“夸张的姿态”，而是深入探讨了卡拉瓦乔如何利用“暗影”（Tenebrism）来营造强烈的心理张力，这简直就像是在看一场精心编排的舞台剧的幕后解析。让我印象特别深刻的是关于荷兰黄金时代绘画的章节，它没有像很多通史那样一笔带过，而是花了大量篇幅去分析伦勃朗肖像画中眼神的复杂性，探讨了当时市民阶层对“真实”和“财富”的审美投射。我感觉作者像一个经验丰富的导游，不仅带你看了景点，还告诉你这些景点背后的历史典故和建造者的心路历程。书中的注释和延伸阅读的索引做得非常专业，对于想深入钻研某个特定画家或流派的人来说，简直是宝库，而不是仅仅满足于“看热闹”的读者。

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