具体描述
《董寿平》内容简介：董寿平（1904-1997）当代著名画家，书法家。原名董揆，后改称寿平。山西省洪洞县杜戍村人。出身诗书世家，董寿平高祖董霁堂为清中叶著名书法家，祖父董之焕为清翰林，以诗书著称于世。董家收藏文物书画甚多，海内闻名。他自幼受家庭影响，喜爱书画，他尤其仰慕清初画家恽寿平品德，遂改名寿平。
董寿平16岁入北京世界语专门学校，后转天津南开大学经济系。1926年又从北京东方大学毕业，1928年定居北京，1931年开始卖画为生，1938年携家去西安，后到成都，得四川文豪林山腴赏识，为之延誉，于成都举办第一次个展，1939年迁居四川省灌县都江堰玉垒关，在那里居住了12年。1941年将画展所得之款捐献支援抗战。
解放后，1950年董寿平回北京，任荣宝斋编辑，1952年将所藏全部图书捐献山西省博物馆。以后到中国各地旅行写生，创作不止。1979年以荣宝斋顾问身份去日本，并在东京艺术大学讲学，作画示范。他现为全国政协委员，中国书法家协会理事，北京中国画研究会名誉会长。 1979 年人民美术出版社出版了《董寿平画辑》。
董寿平善画梅竹，朱砂红梅堪称绝技，画梅繁中有简，简中有繁，繁而不乱，简而有理，写竹时笔墨简练，坚挺轩昂,构图空灵,以书法为之,浑厚古朴。所写墨松富有生活气息，笔墨苍劲，繁简相宜。山水画卷多以黄山奇峰老松为题材，不拘峰石之形似，而求整幅气韵的统一，这也是董寿平在画界享有"董梅"、"寿平竹"、"黄山巨擘"的雅誉。
董寿平技法全面，修养深厚，堪称中国绘画大师。他的画风苍劲古朴，清新典雅，继承了中国画技法的优良传统，并有所创新。他的画笔墨活泼，出于天籁，以造化为主，从写生入手，富以高度的艺术概括，既求形似，也重神似，更重表现对象的精神。
艺术创作有"胸有成竹"之说，董寿平对此有其自己独到的见解。他认为，创作之始。目视一张白纸，胸中自有布局，这便是“胸有成竹”。但当第一笔落下，画家则应“胸无成竹”，而后便因势利导，顺其自然，不被其成竹所束缚，而应尽情抒写胸中之意，一气呵成。
董寿平在青年时代从艺开始，便养成了半日读书，半日作画的习惯，他博览群书，有渊博的学识，善于将中国古代博大精深的艺术体系与现代表现技法相结合。他的画不仅具有诗画的意境，这具有文人的书卷气质，布局章法富有哲理。
他还练就一手悬书绝技，为海内外艺术家所称道。
作者简介
目录信息
读后感
用户评价
翻阅这本关于艺术大家生平与创作的精装书，我立刻被其叙事的气度和深邃感所折服。作者显然对二十世纪中国画坛的脉络有着极其深刻的理解，他没有采用那种流水账式的传记手法，而是巧妙地将艺术家的个人命运、时代洪流以及他所追求的艺术高峰编织在一起。文字的密度很高，信息量却组织得极为清晰，读起来丝毫没有晦涩感。书中对于一些关键创作时期的心境剖析，简直是神来之笔，比如对某一时期山水画中“意境先行”理念的阐释，简直是点醒了我多年来对某些画作的困惑。更令人称道的是，作者引用了大量第一手资料和亲友访谈，使得人物形象立体丰满，绝非脸谱化的艺术英雄。我特别留意了其中关于传统与创新之间平衡的探讨，这无疑是当代艺术界面临的永恒难题。书中以史料为支撑，论证了如何在坚守笔墨本体的同时，注入时代的新鲜血液，其论点犀利而又充满敬意。这本书，与其说是一本艺术评论，不如说是一部微型的中国近现代艺术史侧记，具有很高的学术价值和阅读乐趣。
读完这本关于艺术鉴赏与收藏的普及读物，最大的感受是作者极强的亲和力和知识的普及性。它不像那些专业术语堆砌的鉴赏指南，而是用一种非常接地气、引人入胜的故事化方式，引导初涉此道的读者进入一个看似高深实则充满乐趣的世界。书中关于如何辨识纸张的年代感、墨色的自然老化痕迹，以及画面布局中的“精气神”等细微之处的讲解，都配有清晰的图例对比，让人茅塞顿开。作者特别擅长用生活化的比喻来解释复杂的艺术现象，比如将画面的气韵比作人的“精气神”，一下子就拉近了与读者的距离。我个人受益匪浅的是关于艺术品市场风险控制的那一章，它不回避市场中的陷阱，而是以一种冷静、理性的态度，教导收藏者如何建立自己的鉴别体系，避免盲目跟风。整本书的结构设计也非常合理，由浅入深，从基础知识到进阶技巧，层层递进，读完之后，我对自己未来对中国传统艺术品的审视态度有了一个全新的、更加审慎的构建。
这是一本装帧设计极简而又充满东方美学的艺术理论选集，它在我的书架上占据了一个非常独特的位置。它不是一本讲述具体技法或某位名家生平的书，而是更侧重于对“美”的本质和中国艺术精神的哲学思辨。书中的文字选材非常讲究，多是历代文论中的精粹片段，经过细致的编排和精炼的注释，形成了一种疏朗有致的阅读节奏。最吸引我的是其中关于“天人合一”理念如何在水墨艺术中得到体现的论述，它将绘画视为一种心性的流露和宇宙精神的感应，这种高度的形而上探讨，让人在阅读时不得不慢下来，沉入其中去体会。排版上，大量使用了宋体和极富古典韵味的字体组合，留白处理得极其大胆且富有韵味，使得那些深奥的文字仿佛都拥有了呼吸感，减轻了纯粹理论阅读的枯燥感。这本书更像是一本“悟道”的引子，它没有直接给出答案，而是提供了一系列思考的框架，激发读者去探索艺术创作背后更深层的文化根源与审美追求。每一次重读，都会有新的感悟浮现。
这本厚重的画册，初拿到手，指尖触及那微泛着油墨香的纸张，便仿佛被一种沉静而古老的力量所吸引。装帧设计极具匠心，那种沉稳的色调与留白的处理，本身就构成了一幅意境深远的画面。我花了整整一个下午，只是徜徉在那些黑白交错、浓淡相宜的笔触之间。尤其那些大幅的松、竹、梅作品，墨韵的变化简直令人叹为观止。它并非简单地描摹自然景物，而是通过对线条力量和墨色层次的精准拿捏，传递出一种超脱尘世的文人精神。那些飞白之处，看似随意，实则蕴含着极高的控制力，仿佛能听到笔尖划过宣纸时那清脆的“沙沙”声。每一幅画作都像是一次静默的对话，引导观者去体会东方哲学中“虚实相生”的精髓。我尤其欣赏画家在处理不同主题时所展现出的心境转换，从磅礴大气的山石到细微入致的兰草，那种游刃有余的驾驭能力，让人不禁拍案叫绝。这本书的印刷质量也无可挑剔，色彩还原度极高，即便是最细微的皴法和点染，都清晰可见，足以让人感受到原作的笔触温度。
这本精选的速写集，简直是艺术学习者的一份无价之宝。装帧上选择了极为耐用的胶装，便于经常翻阅，而且纸张的质地处理得非常好，吸墨性强，即便用铅笔反复描摹，也不会损伤内页。与其他单纯展示成品画作的画册不同，这里集中展示的是创作过程中那些稍纵即逝的灵感捕捉瞬间。可以看到画家在户外写生时，是如何迅速捕捉光影、结构和动态的，那些线条虽然粗犷、略显稚拙，却充满了蓬勃的生命力。我对比着看了一些成品画作，就能清晰地追溯出最终的意境是如何从这些最初的、近乎本能的线条中提炼出来的。尤其是在对树木枝干的解剖和岩石结构的速写部分，那种对物象内在规律的把握，是需要经过千锤百炼才能达到的境界。这本书的价值在于它揭示了“大巧若拙”背后的艰辛努力，它告诉我们，所有的炉火纯青，都源于对基础的反复打磨。对于想深入理解中国画的造型能力和结构意识的同道中人来说，这本速写集提供的参照价值，远超那些完美的成品展示。
印刷还是不够清晰
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董寿平 2018年十月下旬欣赏完，缘起是荣宝斋的
印刷还是不够清晰
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