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出版者:江西美术出版社

作者:李 夏

出品人:

页数:56

译者:

出版时间:2000-1-1

价格:18.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787805806631

丛书系列:

图书标签:

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艺术启程：素描与色彩的探索之旅 本书致力于为零基础的艺术爱好者和初学者提供一套全面、系统、实用的美术基础训练指南，深入浅出地讲解素描和色彩这两大核心领域的基础理论与实践技巧。全书结构严谨，内容丰富，旨在帮助读者建立坚实的艺术根基，为未来的艺术深造或个人兴趣发展打下坚实的基础。 第一部分：素描——光影与形体的构建（约500字） 素描是造型艺术的基础，是观察世界、理解形体和光影的根本方法。本部分将引导读者从最基础的笔触开始，逐步深入到复杂的形体塑造。 第一章：基础工具与准备 本章详细介绍了素描绘画所需的工具，包括不同硬度的铅笔、炭笔、橡皮（涂抹和可塑橡皮的区别）、纸张的特性（如纸纹对手感和效果的影响）。强调了如何正确握笔，以及不同握笔姿势对线条粗细和力度控制的重要性。我们提供了一套“热身练习”，帮助初学者快速适应工具的运用。 第二章：线条的语言与结构 线条是素描的骨架。本章着重训练读者对线条的控制力，区分“结构线”、“轮廓线”和“表现线”。通过大量的练习，讲解如何用线条来表现物体的体积感和空间关系，避免线条的游移不定和机械重复。重点剖析了排线的技法，包括单向排线、交叉排线（皴法）在表现不同材质（如金属的硬朗与布料的柔软）上的应用。 第三章：光影的奥秘——明暗关系的确立 光影是赋予形体以生命的关键。本章深入探讨光线在物体上产生的基本受光面、亮部、中间调、暗部、反光和投影六大要素。我们用清晰的图例展示了“光线角度”如何影响这些要素的分布和强度。通过对几何体（立方体、球体、圆柱体）的系统训练，读者将掌握如何准确捕捉和还原光影的层次变化，从而建立准确的立体感。 第四章：静物写生——从简单到复杂 将理论应用于实践。本章引导读者进行系统性的静物组合写生。初期训练侧重于比例的准确性和透视原理的应用（一点透视与两点透视的实际操作）。随后，重点解析如何处理不同材质的静物（如玻璃的反光、陶瓷的温润、水果的质感），强调环境光对物体色彩和明暗的影响，教导读者如何通过调整明暗关系，突出主次关系，使画面富有层次和深度。 第二部分：色彩——情感与氛围的渲染（约600字） 色彩是艺术表现力的重要维度，它不仅是眼睛的感知，更是情感的投射。本部分将系统引导读者从色觉的基础训练入手，最终掌握色彩的调和与搭配。 第一章：色彩的基础理论与视觉生理 本章为色彩学习的基石。我们首先介绍了色相、明度、纯度这三大基本属性，并详细讲解了色轮的构成（三原色、三间色、复杂色）。区别于死记硬背的理论，我们结合实例讲解了色彩的冷暖对比在画面中所起到的空间引导作用，以及人眼对色彩敏感度的变化规律。 第二章：颜料的特性与媒介的选择 本书侧重于水粉（或丙烯，具体视教材侧重）的实践应用。详细分析了不同品牌、不同批次颜料在覆盖力、透明度和干燥速度上的差异。重点讲解了调色板的布局、清洗工具的规范，以及如何科学地储存和管理颜料。对于画笔的选择（圆头、平头、排笔）及其在涂抹、铺色、描边等不同功能上的适用性，进行了详尽的图解说明。 第三章：色彩的调和与搭配技巧 色彩的魅力在于“调和”。本章的核心在于色彩关系的建立。我们引入了纯色与灰色的运用，强调“宁灰勿艳”的原则。通过对“邻近色搭配”和“补色对比”两种主要调色方法的深入解析，读者将学会如何控制画面的色彩倾向性（如暖调的温馨与冷调的沉静）。同时，讲解了如何运用主色、副色和点缀色来构建和谐且富有视觉焦点的画面。 第四章：风景与静物的色彩写生 色彩写生的关键在于捕捉整体气氛。在风景写生中，本章着重分析了时间、天气对环境色的影响（如清晨的薄雾、正午的强烈光线）。教学中强调了由“大面积铺色”到“局部深入刻画”的顺序，并指导读者如何处理天空、地面、植被等复杂元素的色彩关系，确保画面色彩的统一性和空气感。在静物写生中，则侧重于如何用色彩来表现材质的细腻差异，例如丝绸的光泽与木头的粗粝感。 第三部分：观察力与表现力的提升（约400字） 艺术创作不仅是技巧的堆砌，更是观察和思考的结晶。本部分旨在拓展读者的艺术视野，培养独立思考的能力。 第一章：透视学的实用化应用 超越基础的两点透视，本章探讨散点透视在表现复杂室内空间或大型建筑时的灵活运用，指导读者如何根据视觉焦点调整透视线的收缩规律，避免画面僵硬。同时，讲解了如何通过画面的景深（前景清晰、中景明确、远景模糊）来增强空间的层次感。 第二章：构图的逻辑与美学 讲解如何运用视觉引导线、黄金分割、三分法等经典构图法则来组织画面元素。重点分析了不同构图类型（如三角形构图、对角线构图）对画面稳定感和动感的影响，并指导读者如何根据描绘对象的特点，选择最能突出主题的组织方式。 第三章：从临摹到创新的桥梁 鼓励读者在掌握基础后，开始有意识地研究大师作品。本章精选了历史上重要的素描和色彩大师的作品范例，分析他们是如何处理光影、结构和色彩的，但强调临摹的目的是为了“学习其精神和方法”，而非简单的复制。最终引导读者建立自己的视觉语言和表现习惯。 全书特色： 本书图例丰富，所有技法演示均配有清晰的步骤分解图，并附带常见错误解析，确保学习过程中的每一步都扎实可靠。我们相信，通过对光影、形体和色彩的系统性、科学化训练，任何有志于艺术学习的人都能在本书的指引下，有效提升自己的美术素描与色彩基础能力。

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说实话，我本来对这种“规律指导”类的书籍抱有怀疑态度，总觉得速写这种靠感觉和多加练习的东西，能被几条所谓的“规律”完全框定住吗？但这本书的厉害之处在于，它并没有把规律写成铁律，而是用一种非常灵活的方式来引导你理解人体的动态和结构。它不是直接告诉你“这个角度要这么画”，而是通过大量的案例分析，让你自己去体会“为什么这个动作会产生这样的形体变化”。这种启发式的教学方法非常高明，它培养的是你观察和分析问题的能力，而不是机械的模仿。我尝试着跟着书里的思路去练习了几次，感觉自己对人物动态的把握突然开窍了，不再是死抠细节，而是能抓住整体的气韵和重心，这对我目前的绘画瓶颈期来说，简直是及时雨。

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与其他速写教程相比，这本书最大的不同在于它对“风格化”的探讨。很多教材只教你怎么画得“像”，但这本书却引导读者思考如何画得“有自己的东西”。它通过对比不同历史时期和不同艺术家的速写风格，教我们理解“风格”是如何在遵循人体规律的基础上，通过个人气质和理解力塑造出来的。这种对创作思想层面的引导，让我不再满足于仅仅完成作业，而是开始思考我自己的线条想要表达什么。它让我明白了，真正的“规律”不是束缚，而是让你在扎实的基础上，更自由地去表达，这种提升是全方位的，从技术层面上升到了艺术哲学的层面，非常值得反复研读。

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这本书的实用性简直超乎想象，它真正做到了从考场实战的角度出发。我注意到书中不仅有大量的单人速写示范，还穿插了许多多人场景的构图技巧分析。这对我这种在集体创作或复杂场景中容易感到慌乱的考生来说，太重要了。它教你如何在有限的时间内，快速确定画面焦点，如何利用人物之间的遮挡和联系来构建空间感，以及如何通过环境元素的简略处理来突出主体。这些技巧都不是空泛的理论，而是直接对应到高考评分标准上的得分点。阅读时，我仿佛跟着一位经验丰富的大师在考场上陪跑，每一步操作都有明确的理论依据支撑，大大增强了我面对考试时的信心。

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这本书的排版设计真是一绝，光是看着封面和内页的配色，就让人心情舒畅，完全没有那种传统教辅书的枯燥感。尤其是对线条的运用和留白的处理，简直是大师级的审美体现。我在翻阅的时候，经常会停下来仔细研究那些图例的布局，每一个笔触的疏密关系都拿捏得恰到好处，让人觉得即便不是学习，光是欣赏也能有所收获。我特别喜欢它在讲解基础结构时，那种将复杂问题拆解成最简单几何体的思路，既直观又高效，完全没有晦涩难懂的理论堆砌。对于一个注重视觉体验的学习者来说，这种将美学融入到实用技巧中的编排方式，无疑是加分项。它不仅仅是一本工具书，更像是一本可以时常翻阅、感受艺术气息的画册，每次拿起都能发现新的细节和韵味。

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我最近一直在纠结如何快速捕捉人物神态和表情的精髓，尤其是那种转瞬即逝的瞬间动态。这本书在处理面部和手部这些“难啃骨头”的部分时，展现出了惊人的洞察力。它没有给出成百上千张表情图让你去背诵，而是深入剖析了面部肌肉群在不同情绪下的受力点和牵引关系，讲解得非常到位。通过几个关键点位的示范，我明白了如何用最少的线条来表现人物内心的波澜。特别是关于手部结构的处理，它用一种非常抽象却又极其准确的方式，让你理解五指张合时的骨骼走向，这比我之前看过的任何一本解剖书都要来得实用和高效。对于追求“神似”的画家来说，这部分内容绝对是价值连城。

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