张大千 重嶂归人图 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海画报出版社

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页数:0

译者:

出版时间:2002-10-01

价格:15.00元

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isbn号码:9787805309903

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《山水寄情：中国古代山水画的意境与传承》 作者： 陈子昂 著 出版社： 翰墨轩文化出版公司 装帧： 精装，附赠高清图册 定价： 188.00 元 --- 内容简介 《山水寄情：中国古代山水画的意境与传承》并非一部聚焦于某位特定画家或某件具体作品的断代史，而是一部深度挖掘中国山水画“道”与“法”的理论专著。本书旨在带领读者穿越历史长河，探究自魏晋南北朝萌芽，历经唐宋的成熟，直至元明清的多元发展中，山水画如何从单纯的“写形”演变为承载哲思、寄托文人情怀的独特艺术门类。 本书的撰写立足于对传统文人精神内核的深刻理解，以“境、气、韵”为核心分析框架，全面剖析了中国山水画审美体系的构建过程及其内在逻辑。全书分为六大部分，层层递进，深入浅出地揭示了这一艺术形式博大精深的内涵。 第一部分：山水之源——哲学与文化基石 本部分追溯了山水画的哲学根源。作者认为，中国山水画的诞生，并非偶然的笔墨游戏，而是根植于先秦的道家思想与儒家伦理。我们将深入探讨“天人合一”的宇宙观如何转化为“可行、可望、可游、可居”的审美理想。通过对《庄子》中“逍遥游”意境与早期山水画（如顾恺之的《洛神赋图》局部山水）的对比分析，阐明“卧游”理念的形成，为后世山水画奠定了超脱物象、追求精神自由的基调。 第二部分：魏晋风骨——山水画的独立宣言 本章聚焦于东晋至南北朝时期，山水画从人物画的背景中脱离，开始独立发展的重要阶段。重点分析了荆浩、关仝、李思训等先驱的贡献。我们将探讨“气韵生动”的提出，如何标志着审美评价标准的提升。作者着重分析了早期山水画中“骨法用笔”的实践，以及如何用粗犷有力的线条来表现山川的雄伟与刚健，体现了乱世中士人对安定与秩序的渴望。 第三部分：唐宋盛景——写实与写意的交锋 这是山水画发展的黄金时期。作者将唐代山水分为“雄伟壮阔”的李思训父子青绿山水和“水墨意境”的吴道子、王维一派，进行细致的辨析。 重点篇幅留给了宋代的“理学影响”下的山水画。我们不再仅仅关注“范宽的雄险”或“郭熙的‘可行’之变”，而是深入解析了北宋大家们如何运用“积墨法”、“皴法”来体现“理”的秩序与“气”的流动。通过对“全景式”构图的解构，阐明宋人如何试图在有限的画幅内，构建一个完整的宇宙模型，表达对自然规律的敬畏与探求。 第四部分：元代文人——画为心声的艺术转向 元代是山水画史上一个决定性的转折点。本书将重点剖析“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的艺术革新。他们的创作核心不再是再现自然景观的逼真，而是“以书入画”的文人自娱精神。我们将详细论述“墨分五色”的理论实践，以及“平远”、“高远”、“深远”等构图法则的成熟运用，揭示山水画如何成为文人士大夫抒发政治抱负、排遣怀才不遇的“心迹图”。倪瓒的“折松”、“一抹”是如何简洁地表达其高洁孤傲的品格，是本章的精髓所在。 第五部分：明清演变——流派纷呈与笔墨的深化 明清两代，山水画发展出两大主流脉络：继承南宋院体的“浙派”以及由董其昌倡导的“松雪派”（文人画正统）。作者详细梳理了董其昌“南北宗论”的时代意义与局限性，探讨了其如何将元代文人画推向理论的高峰，并确立了后世评判山水画的标尺。 同时，本书也关注了晚明“个性解放”思潮对山水画的影响。从“浙派”的精微到“吴门画派”的秀逸，再到清初“四王”对古人笔墨的系统性整理与集大成，展示了在高度程式化的背景下，画家们如何在既有的笔墨范式内寻求个人的创造性表达。 第六部分：笔墨的语言——技法与审美的统一 这是本书的总结与提炼部分，聚焦于中国山水画独有的“技术语言”。我们将系统介绍： 1. 皴法的体系化： 从披麻皴、斧劈皴到荷叶皴、解索皴，分析不同皴法如何对应不同的山石肌理与地域特征。 2. 点苔的精妙： 探讨点苔在画面中调节气息、增加层次、平衡干湿的微妙作用。 3. 留白与计白当黑： 论述“虚”在山水画中的重要性，它不仅是空间处理，更是虚实相生的哲学体现。 结语：跨越时空的对话 本书的价值在于，它不满足于对历史事件和画家生平的简单罗列，而是致力于揭示中国山水画作为一种独特的东方思维模式，如何通过对自然意象的提炼、重构与精神注入，实现了艺术上永恒的生命力。通过阅读本书，读者将能建立一套完整的山水画审美体系，从而能更深刻地理解和欣赏历代大师们寄情山水、托物言志的艺术追求。 --- 推荐读者： 艺术史研究者、中国传统文化爱好者、美术专业学生，以及所有希望深入理解东方美学思想的读者。本书图文并茂，理论扎实而不失可读性，是了解中国山水画精神脉络的权威参考书。

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这本画册的装帧设计简直是匠心独运，初拿到手时，那种沉甸甸的质感和封面那雅致的留白，就让人心头一震。装裱的纸张触感温润细腻，仿佛能透过指尖感受到画家作画时的那份宁静。内页的印刷技术更是令人惊叹，色彩的还原度极高，即使是原作中那些极其微妙的墨色过渡和赭石的晕染，都能被精准地捕捉和呈现出来。特别是对于那些细微皴法的表现，几乎达到了以假乱真的地步，让人忍不住想去触摸画布来确认那层次分明的肌理。装帧的用心，让它不仅仅是一本画册，更像是一件可以收藏的艺术品。每一次翻阅，都像是在进行一场与古代审美进行对话的仪式，那种对传统工艺的尊重和对艺术品质的极致追求，是现在许多批量印刷品中所少见的，绝对是物超所值的一次拥有体验。

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这本书的配文部分，说实话，一开始我还有些保留，总担心那些文字会流于俗套或者过于学术化。然而，实际阅读下来，完全出乎意料。文字的笔触极其灵动，充满了文人的风雅和对艺术的真诚赞叹，丝毫没有教条式的说教感。那些对画作意境的解读，既有扎实的绘画史知识为底蕴，又不失诗意的想象力。它们像是为那些沉默的画面找到了最恰当的“声音”，让原本需要长时间静默揣摩才能领悟的意境，通过文字的引导，变得更加平易近人，却又丝毫不失其高远。这种文字与图像之间相得益彰的默契，极大地丰富了我的阅读体验，让我觉得仿佛有位博学的朋友在耳边低语，分享着他对国画大师的独到见解。

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这本书带给我最深切的感受，是一种久违的宁静与精神上的洗涤。在如今这个信息爆炸、节奏飞快的时代里，能够沉下心来，面对这样一本精心制作的艺术品，本身就是一种奢侈。每一次展开书页，我都能感觉到自己被拉入了一个纯粹的艺术时空。它不只是关于一位画家的生平或技巧，更像是关于一种生活态度、一种对生命本质的深刻关照。阅读它，就像进行了一次精神上的“深呼吸”，那些浓淡相宜的墨色、那磅礴的气势与内敛的秀美并存的画面，让我在纷扰的日常中找到了一片可以栖息的心灵之地。它提供了一种审美上的“慢哲学”，非常值得反复品味。

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从技术的角度来看，这本书对于张大千晚年创作中那些复杂的光影处理和色彩实验，给予了非常细致的分析和记录。特别是对于他如何将西方立体主义的光感融入到中国山水画的写意结构中，书中的图解和局部放大特写，展示了惊人的细节。我过去在线上或者在一般画册上看到的那些“泼墨”作品，总觉得少了一层深度，但这本书通过高清晰度的特写，清晰地还原了颜料在宣纸上互相渗透、交融时产生的那些“意外之美”，那些看似随机的笔触背后，其实蕴含着画家对水性、对时间流逝的精确控制。这对于任何一个想深入研究近现代中国画技法演变的人来说，都是一份极其宝贵的视觉资料库。

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我必须说，这本书的编排逻辑展现了一种非常高明的叙事节奏感。它不是简单地按照时间线罗列作品，而是将不同时期的画作巧妙地穿插、对比，引导读者去发现张大千先生艺术生涯中那些隐秘的脉络和转折点。比如，将早年仿古的严谨与晚年泼墨泼彩的奔放，在相邻的几页中并置，那种强烈的张力对比，瞬间就将画家内心世界的剧烈变化刻画得入木三分。编辑者显然对大千先生的艺术哲学有着深刻的洞察力，使得阅读体验充满了探索的乐趣。这种非线性的、充满暗示的编排方式，极大地提升了欣赏的深度，让观看者不再是被动的接受者，而更像是一个主动的解码者，去体会画家在不同阶段对“真”与“美”的独特理解。

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