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出版者:上海画报出版社

作者:邓明

出品人:

页数:88

译者:

出版时间:2001-8

价格:42.00元

装帧:平装

isbn号码:9787805307725

丛书系列:

图书标签:

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青山入画：宋代山水画的意境与技法探微 本书旨在深入剖析宋代山水画在审美观念、笔墨语言以及题材选择上所展现的独特面貌与深远影响。宋代，作为中国艺术史上的一个重要转折点，山水画的地位空前提高，不再仅仅是文人寄情山水的附庸，而是发展成为一个独立的、具有哲学思辨深度的艺术门类。 第一章：时代背景与美学基石 本章首先勾勒出宋代（特指北宋至南宋时期）的社会文化图景。在“格物致知”的学术氛围和理学兴起的背景下，士大夫阶层对自然世界的观察愈发精微与理性。这种理性并非冰冷的科学分析，而是一种试图通过描绘山水，探求宇宙秩序与人生哲理的尝试。我们详细探讨了“可游、可居、可观、可乐”的审美取向如何影响了山水画的构图与意境营造。 1.1 院体与文人画的张力： 详细对比了皇家画院中对“全景式巨制”的推崇（如范宽对崇山峻岭的描绘）与文人画家（如苏轼、米芾）“胸中丘壑”的表达方式。院体强调“尽精微，致广大”，注重写实基础上的气势磅礴；文人画则更强调笔墨自身的情感张力与书写性。 1.2 “气韵生动”的深化： 借助谢赫“六法”，分析宋代画家如何将“气韵”从一种模糊的哲学概念转化为具体的笔墨语言。气韵不再是简单的生命力，而融入了对自然规律的理解和画家个体精神的投射。 第二章：笔墨的革命——技法与语言的精进 宋代山水画在技法上的创新，彻底奠定了后世水墨画的基础。本章聚焦于点、皴、染的革新。 2.1 皴法的体系化与个性化： 重点分析了几大主流皴法的成熟： 披麻皴（董源、巨然的遗风）： 如何在中景处理土坡的层次感与柔和的体积感。 斧劈皴（李唐、刘松年）： 如何通过坚硬的笔触表现岩石的结构和力量感，体现出南渡后画家内心的激昂与不安。 荷叶皴与解索皴（黄公望的先声）： 在北宋晚期已初现端倪，预示着元代笔墨的解放。 2.2 墨法的层次与“湿度”控制： 探讨了墨分五色的运用。从早期画家对焦、浓、重、淡、清的严格区分，到后期米芾“墨戏”中对水渍、晕染效果的追求。对“宿墨”的运用技巧，如何增强山体的厚重感和空气的湿度。 2.3 “留白”的艺术： 探讨宋人如何将留白提升到与墨色同等重要的地位。留白不仅是未画之处，更是云雾、烟霭、水汽的载体，是构成空间深度和意境空灵的关键手段。 第三章：构图的哲学——全景式到移步换景 宋代山水画的构图方式反映了画家对空间认知的变化。 3.1 北宋的全景式构图： 以范宽《溪山行旅图》为范例，分析如何利用“三远法”（高远、深远、平远）将磅礴的自然景象纳入一个有限的画幅之中，强调秩序感和稳定感。 3.2 南宋的“一角半边”： 面对北方山河失陷的现实，画家将视线收窄，聚焦于局部景致的描绘。这种构图方式更具情绪张力，强调“意在笔先”，通过夸张的倾斜角度或对水面的侧重，营造出深邃、幽远的氛围。 第四章：题材与象征——山水中的“人” 山水画虽以自然为体，但其核心始终是人文精神的寄托。 4.1 “可游”的理想国： 探讨山水画中亭台、楼阁、水榭的布局。这些建筑元素并非写实记录，而是画家想象中避世隐居的理想场所，是士人精神栖居地的象征。 4.2 “林泉高致”与隐逸文化： 追溯了陶渊明的影响，分析宋代画家如何通过描绘幽深竹林、飞瀑流泉，来表达对功名利禄的疏离和对自然本真的回归。 4.3 季节与时间的表达： 研究不同季节（如雪景、雨景、秋景）在笔墨处理上的差异，以及画家如何通过微妙的色调和渲染技巧，捕捉自然流转中的“时间感”。 第五章：影响与流变——从宋院到元四家 本章最后将视角投向宋代山水画对后世的深远影响。宋代确立的笔墨规范和审美理想，为元代文人画的成熟奠定了不可逾越的基石。元代“四家”的艺术探索，无不建立在对李唐、刘松年、马远、夏圭等南宋画家的继承与反叛之上。本书通过详尽的图例分析和理论梳理，力图展现宋代山水画作为中国艺术史“巅峰”之一的独特魅力与深刻内涵。

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我是在一个偶然的机会下接触到这本书的，当时只是随手翻阅了几页，但很快就被作者那种独特的叙事视角深深吸引住了。他似乎有一种魔力，能将看似平淡无奇的日常场景，描绘得如同史诗般宏大。文章的节奏把握得极好，时而如涓涓细流般细腻婉转，让人沉浸在细腻的情感描摹中无法自拔；时而又如同山洪爆发般，气势磅礴，将人猛地拉入一种强烈的冲突与张力之中。这种情绪的调控能力，绝非一般作者所能企及。更让我称奇的是，作者在行文中不经意间流露出的那种对生活哲学的深刻洞察，那些关于时间、关于选择的思考，常常让人在读完一个段落后，需要停下来，反复咀嚼，才能品味出其中韵味。这不是那种直白的灌输，而是将哲思融入到故事的血脉之中，浑然天成。

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阅读这本书的过程，对我来说，与其说是获取知识，不如说是一场心灵的洗涤。作者的文风带着一股子清冽的气息，仿佛来自高山之巅，不染尘埃，却又充满了人间烟火的温度。他对人物心理的刻画入木三分，每一个角色都不是扁平化的符号，而是有血有肉、充满矛盾与挣扎的复杂个体。我尤其欣赏他处理冲突的方式，没有绝对的反派与英雄，更多的是理解与共情。读到某些人物命运的转折点时，我甚至能清晰地感受到他们内心的挣扎与释然，那种感同身受的体验，让人久久不能平静。这促使我开始反思自己对待周围世界的态度，它像一面镜子，清晰地映照出我内心深处的犹豫与渴望。读完最后一页，内心涌起的是一种释然的平静，仿佛经历了一场漫长而深刻的修行。

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从文学性的角度来审视，这本书的语言运用达到了炉火纯青的地步。作者似乎对每一个词语的重量都有着精准的把控，没有一个多余的字眼，也没有一处可以替代的表达。他的句式变化极其丰富，长短句交错，辅以大量精妙的比喻和拟人手法，使得整本书读起来充满了音乐感和画面感。很多句子本身就可以单独摘录下来，成为格言警句。特别是他对于环境景物的描写，达到了“形神兼备”的境界，寥寥数语，便能勾勒出栩栩如生的场景，仿佛能闻到空气中的气味，感受到光线的温度。这种高超的文字驾驭能力，让人不得不佩服作者深厚的文学功底和对语言的敬畏之心。它无疑是当代文学中的一股清流，值得反复品读和推敲。

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这本书的结构布局堪称精妙绝伦，它不像传统小说那样采用线性叙事，而是像一张复杂的网，各个章节之间相互呼应，线索盘根错节，却又井然有序。作者高明之处在于，他能在多个时间线和空间维度之间自由穿梭，每一次跳转都恰到好处地揭示了前文埋下的伏笔，或者为后续的情节做了铺垫。初读时可能会感到有些晦涩难懂，需要集中全部精力去梳理人物关系和事件脉络，但一旦理清了头绪，那种豁然开朗的惊喜感是无与伦比的。这种非线性的叙事手法，极大地提升了阅读的挑战性和趣味性，它要求读者主动参与到构建故事的过程中来，而不是被动地接受信息。这种对读者智力的挑战和最终给予的饱满回报，是这本书最引人入胜的结构特点之一。

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这本书的装帧设计着实吸引人眼球，拿到手里就能感受到那种沉甸甸的质感。封面采用了一种比较复古的木刻版画风格，色彩搭配得非常雅致，初看之下，还以为是一本旧时的典籍。内页的纸张选择也很有讲究，触感温润，油墨印制清晰锐利，即便是那些细微的笔触也能被完美地呈现出来。尤其值得一提的是，某些章节的插图部分，采用了特殊工艺，让色彩似乎能从纸面上跳脱出来，这种对细节的执着处理，足以见得出版方在制作上的用心良苦。我甚至花了好长时间研究了字体排版，那宋体的笔画粗细变化，以及行距的拿捏，都显示出了一种对阅读体验的尊重。这本书显然不是那种快速翻阅的快餐读物，它更像是一件艺术品，适合静下心来，用指尖去触摸，去感受那份匠心。光是捧着它，就已经是一种享受了，让人忍不住想去探索里面究竟蕴含了怎样一番天地。

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半价购得。一些题画诗还不错。

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