中国瓷器图鉴 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:浙江大学出版社

作者:余继明

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:2003-6

价格:30.00元

装帧:

isbn号码:9787308032902

丛书系列:

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艺术的变迁：西方油画发展史 绪论：光影与情感的交织 本书旨在全面梳理和深入剖析西方油画自文艺复兴萌芽至二十世纪末的演变历程。我们不再将油画仅仅视为一种绘画材料或技法的革新，而是将其置于宏大的社会、哲学和艺术思潮的背景之下，探讨“光影的魔术”如何映射人类精神世界的嬗变与重构。油画作为一种媒介，其独有的厚重感、色彩的层次性以及对光线细腻捕捉的能力，使其成为西方艺术史上最富表现力的语言之一。本书将带领读者跨越数个世纪的艺术长廊，审视那些定义了我们对“美”和“真实”理解的决定性时刻。 第一部：文艺复兴的光辉与科学的理性（约1400年—1600年） 本部分将聚焦文艺复兴时期，特别是意大利和尼德兰地区在油画技法上的突破。达·芬奇对“晕染法”（Sfumato）的精妙运用，如何模糊了清晰的轮廓，赋予人物以神秘的生命力；凡·艾克兄弟在早期油画中的油性媒介处理，展现出前所未有的光泽和对细节的微观刻画能力。我们将分析这一时期如何将古典主义的和谐、透视法的科学理性融入到油画的创作中。重点考察提香（Titian）对色彩的解放，他如何超越了佛罗伦萨对线条的绝对推崇，预示了巴洛克对情感的强调。 第二部：巴洛克的戏剧性与光线的掌控（约1600年—1750年） 巴洛克时期是油画中“戏剧性”达到顶峰的阶段。卡拉瓦乔（Caravaggio）的“明暗对照法”（Tenebrism）如何利用极端的对比，将神圣或世俗的场景瞬间拉入强烈的聚光灯下，激发观众强烈的情感共鸣。在尼德兰，伦勃朗（Rembrandt）对光线和阴影的运用达到了炉火纯青的境界，他的自画像系列成为人类心理深度探索的典范。我们将探讨鲁本斯（Rubens）充满动感的构图和饱满的肉体赞歌，以及西班牙画家委拉斯开兹（Velázquez）在宫廷肖像画中对空间感和环境光线的微妙捕捉。这一时期的油画不再是单纯的描摹，而是对瞬间、运动和激情的主观诠释。 第三部：洛可可的轻盈与新古典的回归（约1750年—1820年） 随着宫廷趣味的转向，洛可可风格以其柔和的色调、精致的题材（如华托的“船上相会”）为我们展现了一种逃避现实的享乐主义。然而，对启蒙运动的理性呼唤迅速将其取代。新古典主义，以大卫（Jacques-Louis David）为代表，重新强调古典美德、清晰的线条和严谨的结构，试图通过油画重现罗马共和国的道德力量。我们将对比这两种截然不同的审美取向，以及它们如何服务于当时的政治和社会叙事。 第四部：浪漫主义的解放与现实的碰撞（约1800年—1870年） 浪漫主义是对新古典理性秩序的反叛。德拉克洛瓦（Delacroix）的色彩爆炸和激昂的主题，以及戈雅（Goya）作品中对战争和非理性深渊的直视，标志着艺术家主体情感的彻底释放。在英国，透纳（J.M.W. Turner）对大气现象和光的痴迷，几乎将油画推向了抽象的边缘。与此同时，法国的现实主义流派（如库尔贝Courbet）开始将目光投向日常劳作和被忽视的底层民众，挑战了学院派对“高雅”题材的垄断，为现代艺术的降临做好了铺垫。 第五部：光线的革命——印象派与后印象派（约1870年—1905年） 油画史上最根本的变革之一发生在这一时期。印象派画家（莫奈、雷诺阿）抛弃了画室，直接在户外捕捉光线在物体表面瞬间变化的效果。他们对色彩的分解和笔触的独立性，极大地削弱了传统油画对“结实形体”的依赖。随后，塞尚（Cézanne）试图重构物体的内在结构，强调几何形式；梵高（Van Gogh）以厚涂的颜料和扭曲的线条表达了极端的内在情绪；高更（Gauguin）则回归色彩的象征意义。后印象派的探索，如同一次对油画表现潜能的全面“压力测试”。 第六部：现代性的多元探索与媒介的终结（约1905年—2000年） 二十世纪初，油画的语言被推向了极限。野兽派的纯粹色块、立体主义对多视角的解构，以及表现主义对心理痛苦的夸张表达，都标志着对“再现”的彻底告别。抽象表现主义（如波洛克）将画布变成了一个行为的场域，材料与观念的结合达到了新的高度。随着摄影和新媒体的介入，传统油画的角色发生了根本性的转变。本书最后将探讨战后艺术家如何重新审视油画的物质性、历史包袱，以及它在当代艺术生态中的位置，分析其如何在新的语境下延续和转化其生命力。 结语：未完待续的画布 通过对数百年油画演变脉络的梳理，我们看到了一部人类感知世界、表达情感的视觉编年史。油画的魅力不仅在于其精湛的技艺，更在于它所承载的时代精神和哲思的重量。每一次技法的革新，都是一次对既有视觉权威的挑战，每一次色彩的选择，都折射出艺术家的内心世界。 附录：油画技法术语解析（索引）（收录光油、调和剂、底料、罩染、薄涂、厚涂等专业术语的详尽解释，帮助读者理解技术是如何服务于艺术表达的。）

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我是在一个偶然的机会接触到这套资料的，坦白说，我对古代陶瓷的了解一直停留在比较初级的阶段，只知道景德镇的青花和汝窑的雨过天青色。然而，这本书的叙述方式彻底颠覆了我的认知。它没有采用那种枯燥的编年史叙述，而是巧妙地将不同窑口的风格、技术演变以及地域文化特色穿插对比。最让我印象深刻的是，它对不同时期烧造技术对审美取向的影响进行了深入浅出的探讨，比如唐代南方的低温釉和北方磁州的刻花技术，是如何在那个时代背景下各自发展出独特的韵味的。作者的文笔流畅而富有洞察力，没有使用过多晦涩难懂的专业术语，即便是像我这样的“半路出家”的爱好者，也能轻松跟上其思路，并且从中汲取到许多启发性的见解。这本书更像是一位资深藏家在向你娓娓道来他多年来对瓷器精髓的理解，而非冰冷的教科书。

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与其他一些侧重于估价和市场行情的图鉴相比，这本书显得格外“纯粹”，充满了对“物”本身的敬畏。它几乎没有提及任何市场价值或收藏热点，而是将焦点完全集中在器物本身的工艺、历史背景和文化意涵上。这使得阅读过程非常沉静，让人能够完全沉浸在对古代匠人精神的追溯之中。我特别欣赏它对“残片”和“窑址出土物”的收录，这部分内容往往能提供最真实、未经后世修饰的窑口信息。通过这些未经打磨的图像，我们仿佛能亲身感受到泥土的粗粝和火焰的温度，这对于理解一件完整器物的“前世今生”至关重要。它教导我们去欣赏那些隐藏在完美表象之下的创造过程，这是一种更深层次的鉴赏。

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这本书的索引系统做得非常人性化，这一点对于需要快速查阅特定信息的研究者来说，简直是福音。不同于一些只有简单图名索引的工具书，它的检索功能设计得非常细致，不仅按年代、窑口划分，还细化到了釉色、纹饰主题乃至胎质分类。我曾试图查找一个特定时期内，带有“宝相花”纹饰的青白瓷的实例，仅仅花费了几分钟，就能在结构清晰的图谱中找到相关的比对对象。这种高效的组织方式，极大地提升了作为工具书的实用性。此外，每部分的开篇导读都像是一篇精彩的微型学术论文，精准地概括了该部分所涉及的窑口群的核心特征和技术难点，为后续的图鉴阅读提供了坚实的理论框架支撑，让人感觉每翻一页都是在获取有效且有条理的知识增量。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种温润的触感，仿佛能透过指尖感受到那些经过千年窑火锤炼的瓷器之美。纸张的选择非常考究，色彩还原度极高，即便是那些釉色极为微妙的宋代五大名窑，书中的图片也能捕捉到那种难以言喻的细腻变化。我特别欣赏它在版式布局上的用心，不像有些图录那样将图片堆砌得密不透风，而是留有足够的留白，让每一件器物都能“呼吸”，拥有自己独立的展示空间。那些特写镜头简直是艺术品，能清晰地看到胎土的质地、釉面的光泽，甚至是拉坯时留下的细微螺旋纹理，这种细节的呈现，对于一个痴迷于工艺细节的爱好者来说，简直是无价之宝。而且，图注的排版也很有设计感，既不喧宾夺主，又能精准地提供关键信息，让人在欣赏之余，能迅速建立起对器物历史背景的初步认知。整体而言，这是一本让人赏心悦目，愿意反复翻阅的视觉盛宴，光是捧在手里把玩，就是一种享受。

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读完这本书，我最大的感受是，它在资料的广度和深度上做到了惊人的平衡。它囊括了从早期陶器到明清官窑的完整脉络，但没有满足于罗列知名精品。相反，它花费了大量的篇幅去介绍一些地方窑口和民间使用的瓷器，这些往往是其他主流图录会忽略的“遗珠”。这种包容性非常可贵，它让我们看到，中国的陶瓷史是一个多元共生、百花齐放的复杂体系，而不是只有几座中心窑口支撑的“独角戏”。我尤其喜欢其中关于“器型”演变的章节，作者通过对比不同朝代同类器型（比如梅瓶、执壶）的口沿、腹部曲线的变化，直观地展现了不同时代对“美”的理解和追求是如何悄无声息地流淌在日常用具之中的。这种细微的比较分析，极大地提升了阅读的层次感和学术价值。

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