中国画技法新解:触类旁通:竹类 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:安徽美术出版社

作者:徐永万

出品人:

页数:30 页

译者:

出版时间:2002年01月

价格:15.00元

装帧:平装

isbn号码:9787539809755

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
• 竹画
• 绘画技法
• 艺术
• 绘画
• 技法
• 艺术创作
• 国画
• 教程
• 临摹

好的，这是为您创作的一份不包含《中国画技法新解：触类旁通：竹类》具体内容的图书简介。 --- 探寻丹青的无限可能：中国画的艺术脉络与创新实践 一部横跨古典与现代的绘画探索之旅 本书旨在引导读者深入领略中国传统绘画的博大精深，并鼓励在继承中寻求突破，探寻丹青艺术在当代语境下的全新生命力。我们摒弃了单纯的技法罗列，转而构建一个宏大的艺术认知框架，帮助绘画爱好者、艺术学生以及专业画家，构建起全面而深刻的艺术视野。 第一篇章：溯源与思辨——传统笔墨的哲学意蕴 中国画的魅力，不仅在于视觉呈现，更在于其背后蕴含的东方哲学与文人精神。本篇将带领读者回溯中国画的演变历程，重点探讨几个关键时期的思想转向及其对绘画风格的决定性影响。 1. 从“六法”到“写意”的观念演进： 深入解析谢赫提出的“六法”在不同历史阶段的解读差异。重点分析唐代吴道子、李思训的“变法”对后世的影响，并详细阐述宋代院体画的严谨与文人画的兴起之间的张力。特别是对“骨法用笔”的现代诠释，强调笔墨不仅是描绘工具，更是画家精神状态的直接物化。 2. 气韵生动：留白与空间的艺术哲学： 探讨中国画中“留白”的精妙之处。这并非是“空缺”，而是“虚实相生”的哲学体现。通过分析宋元山水画中对雾气、云霭的处理，揭示画家如何利用有限的宣纸，构建出无限的宇宙感和时间感。我们考察了“计白当黑”的构图法则，以及它如何服务于画面的整体气韵。 3. 论“摹古”与“出新”的辩证关系： 古代画家无不以“临摹”前人为基石，但真正的大家皆能“师古而不泥古”。本章将分析董源、巨然开创的披麻皴，以及元四家在继承基础上的风格确立。重点分析“缶庐派”如何通过对古人笔意的提炼，形成独树一帜的个人面貌，为当代创作者提供“化古为我”的实践路径。 第二篇章：技法重构——从基础元素到整体布局 本书的技法部分，着眼于“系统性重构”，而非孤立的技巧讲解。我们关注的重点是：如何将传统笔墨元素融合成一个有机的整体，并适应现代审美需求。 1. 墨色的层次控制与渲染的科学性： 详细拆解了“焦、浓、重、淡、清”五墨的实际运用。我们不局限于墨分五色的传统论述，而是结合现代化工颜料的特性，探讨如何通过水量控制、笔触的干湿变化，实现宣纸上墨色的微妙过渡。特别是对“破墨法”在表现大气磅礴场景中的应用，进行了多角度的剖析。 2. 结构与姿态：以树石为例的形态学观察： 通过对松、柏、奇石的经典范式的研究，引导读者进行深入的自然观察。强调“外师造化”的重要性，分析画家如何捕捉树木生长的内在逻辑，而非仅仅模仿外部形状。我们将探讨如何运用“折枝法”与“大全法”来表现不同树种的生命力，并分析不同皴法（如斧劈皴、披麻皴、荷叶皴）在塑造岩石体积感和肌理感上的差异性。 3. 线条的语言学分析： 线条是中国画的骨骼。本章将线条提升至“语言符号”的层面进行解读。细致辨析“铁线描”、“兰叶描”、“高古游丝描”等不同描法背后的情绪表达。读者将学习如何根据描绘对象的不同质感（如刚硬的金属、柔韧的枝条），精确选择与其匹配的线条语汇。 第三篇章：跨界与创新——现代视域下的水墨实验 面对摄影和数字艺术的挑战，中国画的创新是必然趋势。本篇聚焦于如何将传统技法与当代艺术思潮进行有效嫁接，拓展水墨表现的边界。 1. 构图的现代性转化：打破“三远法”的桎梏： 传统的三远法（高远、平远、深远）构建了稳定的空间秩序。本章探讨如何在继承其空间意识的基础上，融入西方现代主义的构图理念，如蒙太奇剪辑、抽象几何形体等，创造出更具冲击力的视觉效果。分析当代画家如何在小尺幅作品中营造出宏大叙事感。 2. 色彩的实验性运用：从“随类赋彩”到“主观用色”： 传统设色讲究“随类赋彩”，色彩服务于对象的自然属性。本章鼓励读者跳脱此限制，探索水墨与矿物颜料、有机色彩的结合，进行色彩的情感化处理。深入研究对撞色、冷暖对比在水墨画中的应用，讨论色彩如何反向作用于笔墨的力度与韵味。 3. 媒介与载体的拓展： 探讨水墨艺术在非传统载体上的可能性，如大型壁画、装置艺术以及与影像技术的结合。重点讨论如何保持水墨的核心精神（笔墨韵味）的同时，适应新的展示环境和观众的接受习惯，为中国画的未来发展提供多维度的思考维度。 --- 本书特色： 注重内化吸收： 强调“触类旁通”的学习方法，将具体技法置于宏大的艺术理论背景下理解。 强调独立思考： 引导读者建立个人化的笔墨体系，而非成为传统范式的复制者。 视野开阔： 内容覆盖哲学思辨、历史梳理、系统技法以及未来创新方向，为读者提供一站式的艺术认知升级。 本书是献给所有渴望在中国传统艺术的深厚土壤上，播撒现代创新种子的艺术探索者的指南。它不是一本简单的工具书，而是一次关于审美、哲学与创作实践的深度对话。 ---

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我发现这本书在对“意境”的营造方面，提供了很多非常实用的、可操作的技巧。它不仅仅是教你如何画“形”，更是引导你如何画“神”。作者花了不少篇幅来解析构图中的“虚实相生”原则，强调留白并非是空白，而是为了衬托主体、引导视线流动的关键元素。书中通过大量的范例展示了“计白当黑”的应用，比如如何通过恰到好处的空白来表现云雾缭绕的山峦，或者空旷的意境。这种对空间哲学的探讨，让我对中国画的审美视角有了全新的认识。它教会我，一幅好的画作，其“未画之处”与“已画之处”同等重要，这种平衡的拿捏，是需要长年累月的心性修养和技巧积累才能达到的境界。

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我试着根据书中的一些基础笔墨练习方法进行实践，发现作者在讲解基础功底的建立上非常细致入微。比如对于“用墨的浓淡干湿变化”的描述，不仅仅停留在概念层面，而是结合了大量的实例图，演示了如何通过控制水分和笔锋的倾斜角度来达到特定的墨韵效果。最让我感到惊喜的是，书中提到了一种“由点及面”的练习路径，它建议学习者不必一开始就追求画一整幅完整的作品，而是专注于刻画单个元素的生命力，比如一簇苔藓的层次感，或是一片叶子的脉络走向。这种循序渐进的指导，极大地缓解了新手面对宏大创作时的畏惧心理。书中还穿插了一些前辈大师在创作过程中的心路历程和心得体会，这些“幕后故事”让冰冷的技法讲解瞬间变得鲜活起来，让人感觉自己不是在学习一套僵硬的规则，而是在继承一种鲜活的艺术生命。

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这本书的理论深度和实践指导达到了一个很好的平衡点。它并没有一味地推崇某一特定流派或画家的“秘诀”，而是秉持着一种开放和包容的态度，鼓励读者去探索和形成自己的语言。例如，在探讨“气韵生动”这一核心概念时，作者没有给出标准答案，而是通过对比不同画家处理同一主题（如山石的皴法）所体现出的不同“气场”，引导读者去思考“什么是自己眼中的气韵”。这种启发式的教学方式，非常适合那些已经有一定基础，渴望突破瓶颈的中级学习者。此外，书中对古代画论的引用和解读也恰到好处，既保证了学术的严谨性，又避免了陷入晦涩难懂的古文泥潭，使得深奥的理论变得可以被现代人所理解和运用。

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从整体阅读体验来看，这本书的作者显然是一位深谙中国传统文化又富有现代教育思维的大家。行文流畅自然，没有那种生硬的教科书式的腔调。更难能可贵的是，它并非一套死板的“教程”，而更像是一位经验丰富的前辈，在旁侧循循善诱。书中对工具的选择和保养的建议也十分详尽实用，从笔的种类到墨锭的研磨，再到纸张的吸水性差异，都给予了详尽的说明，这对于需要精细化控制笔墨的国画学习者来说，是极具价值的参考资料。读完这本书，我感觉自己不仅仅是学习了一些绘画技巧，更是在潜移默化中接受了一次中国传统审美教育的洗礼，极大地激发了我继续探索和实践的动力。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面采用了一种比较雅致的淡青色，搭配上烫金的标题字体，显得既有传统韵味又不失现代感。纸张的选择也很有讲究，摸上去有一种温润的质感，阅读起来非常舒适。内页的排版布局清晰明了，图文并茂，尤其是一些经典画作的局部放大和技法分解图，印刷得非常精细，色彩还原度很高，即便是通过印刷品也能感受到原作的笔墨神韵。作者在引言部分对于中国传统绘画的哲学思想和美学追求进行了深入浅出的阐述，虽然篇幅不长，但足以让初学者对这门艺术有一个宏观的认识。整体看来，这本书在视觉呈现上达到了很高的水准，让人在翻阅时就感受到一种专业和尊重的态度。我尤其喜欢其中对不同时期画派风格演变的梳理，那种脉络清晰的叙述方式，为后续深入学习打下了坚实的基础。这本书的物理质感本身，就构成了一种与传统艺术对话的仪式感。

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