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出版者:上海外语教育出版社

作者:徐建融

出品人:

页数:367

译者:

出版时间:1999-8

价格:30.00元

装帧:

isbn号码:9787810464482

丛书系列:中华文明书库

图书标签:

• 书法
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翰墨丹青：中国古代绘画艺术的辉煌历程 图书简介 本书深入探讨了中国古代绘画艺术从萌芽到鼎盛，再到后世流变的全景画卷。它不仅仅是一部艺术史的梳理，更是一部融入了哲学思想、人文精神与时代风貌的文化探索之书。全书以时间为轴，以地域风格为经，细致描摹了中国绘画如何在中国传统文化的沃土上，孕育出独步世界的审美体系与技法规范。 第一部分：溯源与肇始——史前至魏晋的绘画基因 本部分追溯了中国绘画的最早源头。从新石器时代的彩陶图案中，我们得以窥见先民对线条与色彩的原始直觉。随后，进入奴隶社会与早期封建社会，绘画开始从实用性的装饰走向精神性的表达。 岩画与陶绘的密码： 重点分析了湖南、云南等地岩画所蕴含的巫术色彩与原始生命力，以及仰韶、马家窑文化中陶器上抽象与具象结合的装饰母题。这些早期符号，奠定了中国画“写意”精神的雏形——即不求形似，但求神似。 秦汉的变革与转折： 汉代壁画，尤其是墓室壁画，是理解汉代社会生活和精神信仰的珍贵窗口。本书详细分析了《宴乐图》、《出行图》等作品中，对叙事性、场景化布局的初步尝试，以及对神仙世界的想象力的展现。同时，探讨了帛画《长沙马王堆三号墓出土T形帛画》的结构之宏大、象征意义之复杂，揭示了早期中国画家对天地宇宙秩序的初步构建。 魏晋风骨与“以形写神”的确立： 魏晋时期，玄学思潮的兴起，极大地提升了绘画的哲学地位。顾恺之被奉为“画圣”，其“以形写神”的理论成为中国人物画的基石。本书将深入剖析顾恺之的《洛神赋图》（传本）中对人物内心世界的细腻刻画，及其“传神写照”的技法精髓。同时，辨析了曹不兴、谢赫等早期画家的贡献，尤其是谢赫提出的“六法”，是如何将审美标准制度化，对后世影响深远。 第二部分：气韵生动——唐宋盛世的题材拓展与流派纷呈 唐宋时期是中国古代艺术的黄金时代，绘画题材空前丰富，技法趋于成熟，形成了完备的院体体系和文人画的萌芽。 唐代的磅礴气象： 唐代绘画展现出雍容华贵、盛大气度的时代精神。本书将重点研究： 人物画的巅峰： 吴道子“吴带当风”的线条，如何赋予人物雕塑般的立体感与动态美。阎立本《步辇图》对异域使节的生动刻画，体现了唐代的国际视野。 山水画的肇始： 李思训的“金碧山水”代表了装饰性的典雅风格，而王维的“水墨为上”则开启了文人画的先河，强调山水是寄托情志的载体。 花鸟画的兴盛： 边鸾的工笔与朱枥的写意，奠定了花鸟画的独立地位。 宋代的写实主义与意境探索： 宋代，尤其北宋，绘画进入了理性、精致与意境追求的阶段。 院体绘画的集大成： 徽宗朝的翰林图画院，以其严谨的写生训练和对自然细致入微的观察，将工笔画推向极致。张择端的《清明上河图》不仅是风俗画的杰作，更是城市生活的百科全书。范宽《溪山行旅图》则以雄伟壮阔的气势，确立了北宋山水画“可行、可望、可游、可居”的审美理想。 “米氏云山”与文人画的成熟： 探讨米芾、米友仁父子如何以“刷墨”等创新技法，表达对自然“可居”的闲适情怀，标志着文人画在理论与实践上逐渐与院体画分庭抗礼。南宋的马远、夏圭，则通过“边角构图”，展现了南渡后特有的空灵与萧瑟之美。 第三部分：笔墨乾坤——元明清的文人主导与流派争鸣 元代以后，随着士大夫阶层地位的提升，绘画的重心彻底转向了文人画体系，笔墨的本体性价值被空前强调。 元代的“复古”与“出新”： 元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）对董源、巨然的汲取，形成了高度自觉的笔墨语言。倪瓒的“折笔”、“一笔画”，以及黄公望对“皴法”的拓展，使绘画从描绘对象本身，转向了表达画家的学识修养和内心世界。本书将详细解析“元四家”如何将诗、书、画、印融为一体，将中国画推向哲学思辨的高度。 明代的区域性流派与技法回归： 明代绘画呈现出两股主要潮流： “台阁体”与“吴门画派”： 探讨以戴进为代表的浙派对院体画技法的继承，以及以沈周、文徵明为核心的吴门画派对元代文人传统的弘扬，强调温润雅致的审美取向。 董其昌的“南北宗论”： 重点分析董其昌如何构建了一套影响后世数百年的绘画史观，将文人画提升至“禅宗”的高度，强调“以书入画”的笔墨趣味。 清代的复兴与多元探索： 清代绘画在继承传统的同时，出现了强烈的反思与探索。 “四王”与“正统”： 分析王时敏、王鉴、王翚、王原祁四人如何集前人之大成，以“摹古”为核心，建立了高度精炼的笔墨范式，但也因此招致了后世的争议。 “四僧”的叛逆精神： 重点剖析了“四僧”（八大山人、石涛等）如何以奇崛的笔法、强烈的个人情感和充满象征意味的题材，对僵化的笔墨语言进行颠覆性的批判与创新。石涛“我自成一家”的主张，是对传统程式化的有力挑战。 结语：不朽的东方线条 全书最后总结了中国古代绘画的独特性——以毛笔为媒介，以水墨为语言，将绘画视为“无声的诗，有形的舞”。它不仅是技法的展示，更是对生命、自然、宇宙秩序不懈追问的艺术记录。通过对不同时代、不同流派的细致梳理，读者将深刻理解中国绘画如何超越纯粹的视觉再现，成为一种深刻的文化现象与哲学实践。 本书特色： 本书采取宏观脉络梳理与微观个案分析相结合的方法。精选了不同时期最具代表性的画作进行深度解读，不仅关注艺术风格的演变，更注重探讨绘画背后的时代精神、士人哲学以及笔墨语言的内在逻辑，力求为读者呈现一部立体、生动、富有洞察力的中国古代绘画通史。 （请注意：以上内容为一本名为《翰墨丹青：中国古代绘画艺术的辉煌历程》的图书简介，该书内容完全聚焦于中国古代绘画艺术史，与您提及的《中国书法》一书内容无任何关联。）

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这本《中国书法》真是让人爱不释手，光是翻开扉页，那墨香就扑面而来，仿佛能闻到古人研墨时的沉静。我原本以为这只是一本介绍楷书、行书、草书这些基础书体的工具书，没想到它在开篇就花了大量的篇幅去探讨“书为心画”的哲学意境。作者不厌其烦地从汉字起源讲起，细致入微地分析了篆书的线条如何蕴含着先民对自然的敬畏与理解。比如，在讲解小篆的匀称与规整时，书中配的拓片清晰度极高，让我第一次真切体会到秦朝统一文字背后的那种磅礴气势。更让我惊喜的是，它没有停留在简单的技法层面，而是深入挖掘了魏晋风度的审美内核。读到王羲之那一段，作者并没有简单复述“书圣”的传说，而是结合当时的社会背景，分析了玄学对书法用笔节奏的影响，那种洒脱、超然的笔意，在文字中竟也仿佛能被摹写出来。这本书的配图选择非常考究，一些罕见的墓志铭和民间碑刻也被收录其中，拓宽了我对“法度”之外“性情”的认知。对于一个初学者来说，它不仅是技法的指南，更像是一部引人入胜的中国美学通史，让人在学习笔画的同时，也接受了一次深刻的文化熏陶。它不仅仅是教你怎么写，更重要的是让你理解“为什么”要这样写，这种由内而外的引导，才是真正的高明之处。

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我通常阅读历史或艺术类书籍时，会非常注意作者的“个人立场”。在这本《中国书法》中，我感受不到那种强烈的个人偏好，作者的叙述非常客观和全面。它并没有试图去“评判”哪种风格更高贵，而是将每一种流派——从初唐的严谨到宋代的意趣，再到明清的复古与创新——都置于其特定的历史语境中进行考察。特别是关于“米芾的尚态”那一段，作者没有简单地把他归为“狂放”，而是深入剖析了他对宋代文人士大夫阶层精神追求的体现。最让我感到震撼的是，书中对于“书法与建筑空间”关系的探讨。作者指出，一幅巨幅榜书挂在厅堂，其气场与小楷的内敛完全不同，这种将书法置于应用场景的思考，极大地拓宽了我的格局。这本书的学术严谨性毋庸置疑，但它的语言却保持着一种知识分子特有的那种克制的优雅，娓娓道来，引人入胜，绝非那种堆砌术语的枯燥读物。

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老实说，我买这本书之前对“书法”这个概念是有些敬而远之的，总觉得那是老一辈人才能把玩的高深学问，充满了刻板的规矩。然而，《中国书法》这本书的叙事方式极其平易近人，它没有用那种高高在上的学院腔调来压制读者。我特别喜欢其中关于“墨分五色”的阐述，作者用了非常生活化的比喻，将浓、湿、枯、涩这些抽象的墨色变化，比作光影在不同材质上反射的效果，一下子就让我明白了如何通过控制水分来塑造作品的立体感和层次感。书中的章节安排也很有意思，它没有严格按照朝代顺序来铺陈，而是巧妙地将“结构之美”、“气韵之生”、“章法之妙”等主题贯穿始终。比如，在讨论章法时，作者竟然引用了围棋的布局理论，来解释字与字、行与行之间的呼应与留白，这种跨学科的视角极其新鲜。我尝试跟着书里的建议，用不同的纸张练习，很快就发现，原来一张宣纸对笔触的“接纳度”竟然会直接影响到书写的力度和速度。这本书的价值在于，它提供了一种“可操作性极强”的审美入口，让原本觉得遥不可及的书法艺术，变得触手可及，充满了探索的乐趣。

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说实话，我这本书是冲着那些精美的插图买的，但读下来发现它的价值远超于视觉享受。《中国书法》在“书写工具的演变”上做了极为详尽的考证，这部分内容让我大开眼界。我以前总以为笔就是笔，墨就是墨，但书中详述了不同地域、不同时期竹子作为笔杆的特性差异，甚至连动物毛的选材对笔锋弹性和聚拢度的影响都有专门的图表说明。这直接解释了为什么唐人写唐楷时，那种“斩钉截铁”的力量感是后人难以模仿的——那是因为他们的工具决定了他们的表现力上限。此外，书中还收录了一些关于“书法教育史”的珍贵史料，展示了古代私塾中如何通过“描红”、“对临”等方式进行系统训练，这对于今天我们如何设计自己的练习计划，提供了非常直接的启发。它不只是一本“看”的书，更是一本“做”的书，每读完一个技法章节，都忍不住放下书拿起笔，去验证书中所述的每一个细微差别，真正体会到古人对“格物致知”在笔墨上的实践。

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这本书的装帧设计简直是艺术品，拿在手里沉甸甸的，一看就知道是用心制作的。我最欣赏的地方在于它对“碑学与帖学”的平衡论述。以往接触的资料总是偏向于唐宋的精妙帖学，总觉得“二王”天下无敌，但这本书却花了大力气去还原和解读汉魏时期的碑刻风貌。那些质朴、雄浑、充满力量感的笔画，在书中的高清影印下，那种刀刻入石的沧桑感仿佛要穿透纸面。书中特别分析了“隶书的波磔”如何从实用走向审美，以及这种审美如何在后来的楷书中演变、内化。我尤其注意到了作者对“侧锋”和“藏锋”的对比分析，通过几组极为精准的局部放大图，清晰地展示了如何通过运笔的细微差异，来表达不同的情感张力。这种对细节的极致关注，让我的临帖效率瞬间提高了不少，不再只是盲目地模仿字形，而是开始注意笔锋的提按顿挫。它不是一本让你快速速成的书，而是一本让你慢下来、去品味每一个转折背后历史沉淀的书。

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