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出版者:福建美术出版社

作者:潘嘉来/朱瑶春

出品人:

页数:76

译者:

出版时间:2001-3

价格:29.80元

装帧:简裝本

isbn号码:9787539309781

丛书系列:

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瀚海拾遗：一部关于岭南画派早期探索的学术专著 作者： 陈子安 出版社： 燕山大学出版社 出版年份： 2018年 页数： 680页 装帧： 精装，附录高清图版 80 幅 --- 内容提要 《瀚海拾遗：一部关于岭南画派早期探索的学术专著》，是著名美术史学家陈子安教授耗费近二十年心血完成的鸿篇巨制。本书聚焦于十九世纪末至二十世纪初，在中国艺术史上占据重要地位的“岭南画派”在形成初期的曲折发展脉络、地域性文化根基，以及在面对中西艺术碰撞时的探索与挣扎。 本书的视角着眼于传统中国画在近代转型期的关键节点，深入剖析了以广州、香港、澳门为核心的珠三角地区，如何在特定的社会经济环境下，催生出一种既根植于本土文人艺术传统，又大胆吸纳西方写实精神与造型观念的新型绘画体系。陈教授摒弃了以往仅关注几位核心人物的窠臼，转而构建了一个多维度的研究框架，涵盖了早期重要画家的群体肖像、地方士绅的艺术赞助、早期美术教育机构的建立，乃至画作在国际博览会上的展示与接受过程。 全书结构严谨，论证细密，通过对大量一手档案、私人信札、早期画册序跋以及现藏于海内外的早期油画、水彩、速写等辅助性材料的梳理，揭示了岭南画派“折衷中西、融汇古今”的艺术主张并非一蹴而就，而是在激烈的艺术思辨与实践中逐步凝练而成。 --- 第一编：地域文化与艺术基因——岭南的“前夜” 本编旨在为岭南画派的兴起提供深厚的文化地理学基础。陈教授详细考证了岭南地区自宋代以来文人艺术的独特风貌，特别是对“岭南画派”先驱——居巢、居廉等人的艺术实践进行了再评价。 第一章：珠江流域的艺术生态 探讨了气候、物产（如花鸟题材的繁盛）以及毗邻海外的地理位置，如何塑造了岭南地区艺术的开放性与务实性。重点分析了清代以来，广州作为“十三行”所在地，对外来文化（特别是欧洲版画、科学图谱）的早期渗透。 第二章：从士人私学到民间工坊 考察了在官方学院缺失的背景下，岭南地区艺术教育的形态。居氏兄弟的“撞水撞粉”技法，被置于当时民间艺术作坊与文人雅好之间的张力中进行讨论。本章尤其深入分析了其技法如何有效提升了传统花鸟画的视觉冲击力与写实性。 第三章：西风东渐的初级阶段 聚焦于十九世纪末，首批留学海外的广东籍画家（如李铁夫等人在早期阶段的活动）带回的西方绘画观念对本土艺术圈的间接影响。通过分析当时出版的艺术批评文章，展示了知识分子对“革新”的渴望与保守势力的抵触。 --- 第二编：画派群体的形成与代际传承 本编是全书的核心，集中研究了岭南画派“三大家”的崛起，以及他们如何通过个人的风格确立，共同构建起一个明确的艺术流派。 第四章：风格的奠基者：从传统到创新的平衡 对画派的奠基人进行了细致的个案分析，重点区分了他们各自在继承传统（如对宋元院体、文人水墨的理解）和引入变革（如对素描光影、透视的初步尝试）上的侧重点。陈教授强调，他们的“中西融合”更多是精神层面的理解，而非简单的技法嫁接。 第五章：早期教学实践与学术群体 深入挖掘了早期画院、私人画室的运作模式。研究了早期教师如何向学生传授既包括传统笔墨，又包含“写真写物”的写生观念。通过梳理早期教学大纲的残存片段，复原了彼时美术教育的实践路径。 第六章：题材的革新与情感表达 分析了岭南画派在题材选择上的突破。除了传统的花鸟、山水外，对早期人物画和风景画的尝试进行了专题研究。探讨了在民族意识觉醒的时代背景下，他们如何通过描绘本土风光与民间生活，寄托家国情怀。 --- 第三编：在世界舞台上的亮相与艺术的“身份”构建 本编将研究的视野扩展至国际，探讨了岭南画派早期作品如何在异域文化环境中被观看、被解读，以及艺术家如何借此确立其艺术的现代性地位。 第七章：博览会的回响：国际交流的媒介 详细记录了岭南画派的早期作品参与巴黎、巴拿马万国博览会等重要国际展览的过程。分析了这些展览目录、外国评论家对中国画的描述，揭示了西方世界对“东方艺术”的期待与误读。 第八章：从“国画”到“现代艺术”的身份焦虑 探讨了在“中国画”这一概念尚处于定义阶段的时期，岭南画家们如何应对“是革新旧学，还是另辟蹊径”的身份困境。对比了他们与京津画派、海派等同期艺术思潮的互动与分野。 第九章：材料与媒介的交融试验 本书的特色之一是材料研究。陈教授考察了早期岭南画家在宣纸、绢本上使用改良颜料、油画颜料的痕迹，并对他们水彩、速写本的保存情况进行了记录，揭示了他们对不同媒介适应性的探索。 --- 学术价值与研究意义 《瀚海拾遗》的出版，标志着对岭南画派早期研究进入了一个新的精细化阶段。它不仅为美术史研究者提供了扎实的文献基础和图像资料，更重要的是，它纠正了将画派发展简单化、天才化的倾向，将艺术家的创造力置于复杂的地域文化、社会变迁和国际互动网络之中进行考察。本书对于理解中国近现代艺术如何在全球化浪潮中实现自我转型，具有重要的启发意义。其严谨的考据与细腻的文笔，使其超越了单纯的美术史叙事，成为一部兼具历史学、文化研究价值的深度之作。 --- 附录： 早期文献影印件、三大家关键作品高清图版（含细节局部放大）、早期重要批评文章选译等。

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这本关于欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的鉴赏指南，写得极其优美流畅，完全没有传统艺术史书籍那种枯燥的学院腔。作者的叙事技巧高超，他不仅仅是在描述米开朗基罗或者多那太罗的作品，更像是在讲述那些艺术家与其创作冲动之间的私人对话。阅读体验非常轻松愉快，即使是对古典艺术不太熟悉的读者也能迅速被带入情境。比如，在描绘《大卫》的选材和构思时，作者没有堆砌专业的术语，而是着重探讨了人文主义精神如何赋予了雕塑新的生命力，那种对人体力量与理想的赞颂，如何与当时的社会思潮紧密相连。书中的插图选择极具品味，许多都是艺术史中不常出现的、能体现作品神韵的侧面或局部特写，这极大地丰富了读者的直观感受。总的来说，这是一本将深厚学术功底与大众普及性完美结合的典范之作。

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我最近在读的这本关于当代实验音乐理论的专著，绝对是挑战智力极限的一本书。它的讨论范围极其宽泛，从德彪西的模糊和声，一直延伸到上世纪八十年代后结构主义电子乐的采样技术，中间穿插着大量的数学模型和声学物理学的概念。这本书的行文风格非常冷峻、精确，每一个论断都建立在严密的逻辑推导之上，基本上不存在任何模棱两可的表述。作者对于“时间性”在非线性音乐结构中的处理方式的分析尤其深刻，他试图构建一个全新的框架来解释那些打破传统旋律和节奏束缚的作品。阅读过程中，我不得不经常暂停下来，查阅大量的背景资料，才能跟上作者跳跃性的思维。对于那些想深入了解音乐结构底层逻辑的专业人士来说，这无疑是一部里程碑式的作品，它迫使你重新审视自己对“音乐”这个概念的基本认知。

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我特地挑选了这本关于近现代文学批评史的著作，因为它提供了一个极为宏大且深入的视角来审视中国现当代思想界是如何围绕“美”与“真”展开辩论的。作者的行文逻辑之缜密，令人叹为观止，他没有停留在对具体理论流派的简单介绍，而是深入剖析了每一次思潮转向背后的社会土壤与知识分子群体的内在焦虑。书中对不同学派代表人物观点的梳理，那种引经据典的扎实功底，让人仿佛置身于历史的现场，去感受那些激烈的思想交锋。阅读过程中，我发现自己不断地停下来，反复咀嚼那些关于“现代性焦虑”的论述，它不仅仅是学术探讨，更像是一部知识分子精神史的缩影。特别是作者对于晚清“西学东渐”初期，翻译理论与本土文论的冲突分析，文笔老辣，见解独到，丝毫不拖泥带水，精准地切入了问题的核心。这本书要求读者具备一定的专业背景，但一旦进入状态，那种豁然开朗的智力愉悦感是无与伦比的。

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入手这本关于古代宫廷服饰制度的图录，纯粹是出于对历史细节的痴迷。装帧精美得像一件文物，硬壳包裹着厚重的铜版纸，拿在手里沉甸甸的，颇有分量感。这本书的价值主要体现在其详尽的考据和精准的复原图上。它不仅仅展示了龙袍、朝服的华丽，更重要的是解释了每一层级、每一种纹饰背后的政治含义。例如，对于清代吉服和常服的区分，书中通过大量的出土文物照片和宫廷档案记录进行交叉印证，令人信服。最让我惊艳的是对织金、刺绣工艺的细节特写，那些细如发丝的盘金绣线，那些象征着等级的十二章纹，透过高清的图片，仿佛能感受到古代工匠们近乎虔诚的劳作。对于历史爱好者而言，这本书的价值远超一般的普及读物，它提供的是一种“可触碰”的历史真实感，那种严谨的学术态度，让每一个细节都充满了讲述的力量。

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这本关于二十世纪中国画坛巨匠的画册，简直就是一场视觉的盛宴。装帧设计本身就透露着一种沉稳而又不失雅致的格调，纸张的质感细腻到让人忍不住想触摸每一页。翻开扉页，映入眼帘的那些早期作品，笔触里蕴含着一种蓬勃的生命力，看得出画家在技法探索上的那种不倦与执着。特别是对光影和墨色的处理，初学者可能只看到水墨的浓淡，但细细品味，就能发现其中蕴含的微妙层次感，仿佛能听到宣纸被笔锋划过的沙沙声。画册的编排非常有心思，并非简单的年代顺序罗列，而是巧妙地将不同阶段的代表作穿插对比，让读者能清晰地捕捉到画家艺术语言的演变轨迹。比如，在描绘山水时，那种“斧劈皴”的雄健与写意花鸟的灵动之间，形成了一种张弛有度的节奏感。这本书的排版布局也极为讲究，留白恰到好处，既不显得空旷，又能让每幅作品都有足够的呼吸空间，着实体现了对原作的尊重与理解。

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