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出版者:百花文艺出版社

作者:刘道荣

出品人:

页数:348

译者:

出版时间:2005-5

价格:30.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787530624265

丛书系列:

图书标签:

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《古器新谈：宋代瓷器审美流变》 图书简介 本书并非专注于玉石鉴赏的传统范畴，而是将目光投向了宋代瓷器的广袤世界。我们试图构建一个多维度的研究框架，探讨宋代这一中国陶瓷史上最为辉煌的时期，其审美取向是如何在技术革新、社会结构变迁以及文人士大夫阶层的兴起中，发生深刻而微妙的流变的。全书旨在以严谨的学术态度，结合考古实物与传世文献，还原宋瓷从朴素内敛到极致精雅的发展脉络。 第一章 时代的底色与胎土的秘密：宋代瓷业的地域分化 本章开篇即对宋代南北方制瓷业的地理格局进行梳理。不同于对某一单一系列的深入挖掘，本章着重于对比五大主流窑系——汝、官、哥、定、钧，以及南方耀州、龙泉诸窑的地域差异性。 汝窑的“雨过天青”并非偶然，而是基于特定胎土的含铁量与还原气氛的精确控制，这体现了宫廷审美对“含蓄之美”的极致追求。我们分析了宝丰清凉寺出土的汝瓷片，其“香灰”胎的质感与后世对“温润”的理解之间的张力。 定窑的刻花与印花技术，则代表了另一种世俗化与工艺化的趋势。其覆烧法带来的“口沿无釉”现象，在当时可能是技术妥协，但在后世却被文人视为一种“朴素的残缺美”。本章将引入社会经济因素，探讨定窑烧造量剧增背后的市场需求与技术迭代关系。 相比之下，南方龙泉窑的青瓷，特别是南宋中后期的“粉青”釉，其厚釉的玻璃质感与温厚的造型，揭示了宋人对“浑厚”与“内敛”的又一重理解。我们详细对比了不同时期的龙泉器皿的釉层厚度变化，并探讨了这种变化与外销贸易，特别是与东南亚市场的关系。 第二章 釉色之学：从单色到复合釉的哲学表达 瓷器之魂在于釉。本章深入剖析了宋代釉色的哲学意涵。宋人摒弃了唐代对色彩的狂热，转而追求一种接近于“道”的单色釉。 汝窑的青色，钧窑的紫斑，哥窑的“金丝铁线”，不再仅仅是装饰，而是成为审视世界的媒介。我们细致描摹了钧窑天目釉的铁结晶体在不同光照下的光谱变化，试图解读宋人对“变幻莫测”与“自然天成”的推崇。 “金丝铁线”的开片现象，本质上是釉料与胎体膨胀系数不匹配的结果，然而，宋人却赋予了其“雨过天青云破处”的诗意解释。本章将通过对开片纹理的几何分析，论证这种“不完美”如何被纳入宋代文人对“有意味的缺陷”的审美体系中。 第三章 造型的语言：器型中的礼制与生活 瓷器的造型反映了使用者的社会地位和生活习惯。本书不同于侧重花纹的传统研究，更侧重于器型学的分析。 从宋初的仿金银器、仿玉器造型，到中期的洗练、素雅，再到南宋的趋向扁平化和文玩化，造型的变化是社会权力的转移和文人生活场景的再现。我们重点研究了宋代“瓶、炉、盘、洗”四大件在士大夫书房中的陈设规律，并对照了当时《营造法式》中对器物使用的描述。 特别是对“梅瓶”的演变进行深入追踪。从北宋初期饱满的“瓜型”梅瓶，到南宋时期修长、瘦削的造型，这种形制的变化，清晰地对应了宫廷审美从雄浑向清癯过渡的轨迹。 第四章 纹饰的隐喻：从世俗吉祥到理学象征 宋代瓷器纹饰的内敛性是其最显著的特征之一。本章分析了龙泉、耀州等窑口在纹饰运用上的差异与共性。 耀州窑刻花的繁复，虽然包含“水波纹”、“牡丹纹”等传统元素，但其线条的力度和疏密安排，体现了宋人对“动静结合”的理解。我们详细描绘了耀州刻花中“飞白”技法的运用，这种技法使得原本密集的纹饰在视觉上产生了呼吸感。 定窑的刻花则更偏向于“线描”。莲枝、萱草等图案，其线条的纤细与匀称，体现了对“法度”和“秩序”的尊崇，这与当时理学思想的兴起有着深层的内在联系。 本书的独特之处在于，我们拒绝将宋瓷纹饰简单地视为装饰，而是将其视为一种“哲思的物化”。例如，对莲纹的偏爱，不再仅仅是佛教的象征，更是理学中对“出淤泥而不染”的道德追求的视觉投射。 第五章 传世与失传：宋瓷的外溢与研究的困境 本书的最后一部分，聚焦于宋瓷在历史长河中的流传轨迹，以及我们当前研究面临的挑战。 宋瓷的工艺，特别是复杂的釉料配方，在元明清时期虽有继承，但其“至简至雅”的巅峰状态却难以复现。我们通过对比明代永乐甜白与宋代定窑白瓷的釉面质感，来探讨“复古”与“超越”之间的界限。 此外，我们还讨论了海外宋瓷贸易对世界艺术的影响，特别是对日本“侘寂”美学的影响，这为理解宋瓷的普世价值提供了新的视角。 本书旨在为读者提供一个全面、细致且充满思辨性的宋代瓷器研究范本，而非仅仅是器物图录的堆砌。它要求读者放下对绚烂色彩的偏爱，转而欣赏宋人通过材料与技术，所表达出的对“中和”之美的终极向往。

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这本书的语言风格独树一帜，它成功地在古典的典雅与现代的犀利之间找到了一个完美的黄金分割点。你很难用一个词来完全概括它——有时像散文诗一样充满抒情与哲思，用句式错落有致的长短句来描绘意境；但有时，又会突然蹦出极其精炼、近乎口语化的断语，如同醍醐灌顶，瞬间击中核心要害。这种跳跃性和多样性，让我的阅读体验始终保持着新鲜感和探索欲。我甚至发现自己在阅读时会不自觉地模仿作者的某些句式结构来组织自己的思路，这说明作者的文字已经潜移默化地影响到了我的认知表达方式。它不仅仅是一本知识的载体，更像是一堂关于如何进行高质量观察和深度思考的实践课程，让人读完后，对周围世界的感知都变得更加敏锐和丰富了。

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这本书的叙事节奏把握得极佳，仿佛作者是一位高明的音乐家，深谙高低起伏的艺术。有些章节读起来是急促而充满张力的，讲述一些关键的历史转折点或技术难关时，我甚至能感觉到自己的心跳随着文字的加快而加速，恨不得立刻知道下一刻会发生什么。然而，在描述那些需要静心体会的环节，比如对某种特定纹饰的解析，或者对光线折射在器物表面效果的细腻捕捉时，文字又变得舒缓而悠长，如同慢镜头般将每一个细节都刻画得入木三分。这种张弛有度的叙述风格，极大地避免了冗长和乏味，让我在漫长的阅读过程中始终保持着高度的专注力。特别是其中几处对于某件传世之作的“探秘”过程，作者采取了第一人称的视角，让我完全代入了那位探索者的心境，那种抽丝剥茧、层层深入的快感，是许多同类题材书籍难以企及的。

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这本书的封面设计给我一种非常古朴典雅的感觉，墨绿色的主调搭配烫金的字体，让人一眼就能感受到它的厚重与内涵。拿到手里沉甸甸的，纸张的质感也相当不错，翻阅起来非常舒服，没有廉价印刷品的刺鼻气味，这点对于我这种喜欢沉浸式阅读的读者来说非常重要。光是开篇的引言部分，作者就展现出对文化传承的深刻理解，文字如涓涓细流般缓缓铺开，引人入胜。我尤其欣赏作者在描述传统技艺时的那种敬畏之心，他没有用过于华丽的辞藻去堆砌，而是用精确而富有韵味的语言，勾勒出了匠人精神的轮廓。那些关于历史背景和文化渊源的梳理，既有学术的严谨，又不失故事的趣味性，读起来完全没有那种枯燥说教的感觉，更像是在听一位博学的长者娓娓道来，分享他多年来的观察与感悟。这本书的装帧本身就是一件值得收藏的艺术品，放在书架上，单是看着它，就能感受到一股宁静而致远的气息，为我的阅读空间增添了不少雅致。

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这本书的排版和插图选择简直是教科书级别的典范，它巧妙地解决了学术著作容易晦涩难懂、而纯粹的图册又缺乏深度的两难困境。每一张配图都不是随意放置的装饰品，它们与旁边的文字内容形成了精准的互文关系。例如，当作者探讨某种雕刻刀法对材料的损伤程度时，紧接着的微距照片就清晰地展示了纤维断裂的细微差别，这种“所见即所得”的阅读体验，极大地降低了理解门槛。更值得称赞的是，作者对图注的处理极为考究，图注本身就是一段精炼的解读，而非简单的标注名称和年代。这种图文并茂、相得益彰的呈现方式，让阅读过程变成了一种多感官的互动，仿佛有位私人专家陪在身边，随时为你指点迷津。

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我非常欣赏作者在行文中所流露出的那种批判性思维，他并非一味地赞颂和美化，而是勇于揭示某些被神化背后的真相，甚至是那些被有意无意忽略的时代局限性。这种平衡的视角，让整本书的立意显得更为深刻和成熟。举例来说，书中有一段关于某个特定时期工坊运作模式的分析，作者没有回避当时的阶级差异和资源分配不均的问题，而是将其置于更宏大的社会背景下去考察，这使得他对“完美”的定义不再是单维度的。这种敢于直面复杂的现实，并试图在其中寻找美学与人性的交汇点的态度，令我由衷地敬佩。读完这些章节后，我对那些传统工艺的理解不再停留在表层的光鲜亮丽，而是多了一层对创造者个体命运和时代洪流的深思，这无疑提升了阅读的层次感。

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理论性强了一些。

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没有看完，内容有些专业、、

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没有看完，内容有些专业、、

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