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出版者:

作者:吴柏森，张伟生等

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1900-01-01

价格:15.0

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isbn号码:9787806723630

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笔墨丹青：中国古代绘画艺术鉴赏与实践 内容概要： 本书旨在为广大书画爱好者、艺术史研究者及专业美术教育工作者提供一本全面深入、兼具理论深度与实践指导的中国古代绘画艺术入门与进阶读物。全书内容涵盖了从先秦萌芽到清代中晚期的中国绘画发展脉络、核心技法、流派风格、经典作品赏析，以及传统材料的研习与保养知识。我们力求以严谨的学术态度，结合生动直观的图例分析，带领读者领略中国画“写意”与“写形”的完美结合，理解“气韵生动”的审美精髓。 第一部分：溯源与奠基——中国绘画的起源与早期形态 第一章：史前回响与青铜之光 本章追溯中国绘画的源头，探讨彩陶纹饰、岩画中所蕴含的原始造型能力与宇宙观。重点分析商周时期青铜器上的饕餮纹、雷纹等装饰性图案，它们在构图、线条运用上对后世人物画和山水画的影响。阐述“图画”与“文字”在早期社会中的互动关系，为理解后世“诗书画印”一体的文人画奠定基础。 第二章：百家争鸣中的造型探索 详述春秋战国时期绘画的初步发展，特别是楚墓帛画的发现，对研究早期人体造型、色彩运用（如“吴带当风”的雏形）提供了珍贵实物。对《韩非子》中“兼三”等关于绘画的早期记载进行考证，讨论战国至秦代画像石、画像砖中世俗生活场景的描绘，如何反映了当时的社会风貌与审美趣味。 第二章：汉魏风骨——人物画的成熟与转折 聚焦汉代壁画（如马王堆汉墓、洛阳汉墓）的恢弘气势与严谨布局。详细分析汉代人物画在“高古游丝描”技法上的初步确立，以及对历史故事和神仙世界的表现手法。魏晋南北朝是人物画发展的关键时期，本章重点剖析顾恺之“传神写照”的理论精髓，探讨其在《洛神赋图》等作品中对女性形态与精神世界的刻画，以及谢赫“六法论”的提出，对后世中国画理论体系产生的深远影响。讨论佛教造像艺术对绘画造型，尤其是面部表情和衣纹处理的渗透与融合。 第二部分：高峰与变奏——唐宋元绘画的巅峰对决 第三章：盛唐气象与山水初成 唐代绘画以其博大恢弘的气势和丰富的题材著称。人物画方面，重点解析吴道子的“吴带当风”对衣纹动态的极致表现，以及张萱、周昉对宫廷贵族生活细腻入微的描摹（“丰肥”之美）。山水画方面，本章详细介绍李思训、李昭道的“金碧山水”的绚烂技法，并引入王维的“水墨”概念，探讨其对“禅意”与“诗意”融入山水画的革命性意义，标志着山水画开始独立成为主流画科。 第四章：宋代院体的典范与文人画的兴起 宋代绘画达到了写实技巧的巅峰。详细介绍北宋“院体”画家的成就，如范宽《溪山行旅图》对宏大山势的结构把握，郭熙对“朝暮、晴雨、风云、阴阳”的细致观察与表现，以及对“大景”的构图处理。同时，重点分析宋代文人画（士大夫画家）的崛起，以苏轼、文同为代表，探讨其“论画以形似之外求意”的理念，如何确立了后世文人画的主导地位。花鸟画方面，宋徽宗赵佶的写生精神及其“瘦骨清像”的风格特点也将被深入剖析。 第五章：元代的传承与精神独立 元代，在民族更迭的背景下，文人画完成了从“士大夫的雅好”到“独立画科”的质变。本章核心内容是“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙的艺术探索。分析他们如何摒弃院体写实的拘束，转向对笔墨语言本身的探索，如倪瓒的“折带皴”与萧疏意境，黄公望对“平淡天真”的追求。同时，讨论赵孟頫对传统笔法的复古与创新，以及对“书入画”理念的强化。 第三部分：技法精研与审美提升——明清的探索与转型 第六章：明代的流派纷呈与笔墨的突破 明代绘画呈现出多元化、探索性的面貌。详细梳理“浙派”对南宋院体的继承与发展，如戴进的雄健气势。重点分析“吴门画派”的辉煌，沈周的浑厚内敛，文徵明的温润典雅，唐寅的兼融各家与创新。本章还关注董其昌对“南北宗论”的构建，他如何通过理论梳理，确立了以文人画为正统的审美标准，并发展出“董家样”的淡墨与松动笔法。晚明时期，徐渭的“泼墨写意”和陈淳的写意花卉，标志着笔墨表现力的极大解放。 第七章：清代的复古与创新 清初“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）承继董其昌衣钵，通过“临摹古人”的方式，构建了成熟的笔墨范式，本章解析“集古”的理论基础及其对清代中前期画坛的笼罩。对比分析“四僧”（弘仁、髡残、朱耷、石涛）的独特风格——弘仁的冷峻，朱耷的孤傲与奇崛的笔线，以及石涛“我自一家”的艺术宣言，探讨他们如何在复古浪潮中实现个体的精神突围。本章最后简述扬州画派（如金农、郑板桥）对民间趣味和个性化表达的引入。 第四部分：工具与精神——材料科学与传统笔墨语汇 第八章：文房四宝的物质基础 本章专注于中国画的物质载体。详细介绍上乘的笔、墨、纸、砚的特性与选择标准。 笔法解析： 区分羊毫、狼毫、兼毫在润墨、弹性、提按方面的差异，指导读者如何根据不同技法选择合适的画笔。 墨韵探究： 介绍松烟墨与油烟墨的制作工艺，以及墨锭的鉴别。探讨“焦、浓、重、淡、干、湿”六种墨法在画面中的实际应用效果。 纸张研究： 区分宣纸（生宣、熟宣）的洇化特性，探讨绢本的特点及其在工笔画中的优势。 第九章：传统笔墨的语汇系统 本章是理解中国画“写意”的关键。系统梳理传统绘画中的核心“皴法”和“点苔法”。 皴法详解： 对披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、解索皴等二十余种主要皴法进行图例分解，阐释其主要用于表现何种山石形态。 设色与界画： 探讨中国画的设色原则，区分“青绿设色”与“水墨淡彩”的文化内涵。简要介绍界画这一高度依赖尺规的精细画科。 结语：走向当代 总结中国古代绘画艺术的核心价值——“以线造型，以墨传神”，强调其对后世艺术乃至当代设计美学的持久影响。鼓励读者在掌握传统技法和理论的基础上，建立自己的笔墨语言。

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作为一名长期在书法学习中寻求突破的爱好者，我深知“悟”的重要性，而这本书恰恰在这方面做得非常出色。它不仅仅是技法手册，更像是一本关于书法审美哲学的启蒙读物。书中对“气韵生动”、“内擫与外拓”等抽象概念的阐释，采用了大量形象生动的比喻和图解，将那些虚无缥缈的艺术境界具象化了。我尝试着按照书中建议的“心手相应”的练习法，在临摹时更加注重内在情感的注入，结果发现笔触的力度和墨色的变化确实得到了显著的提升，不再是僵硬的“描红”。这种强调精神层面的引导，对于我们这些渴望在笔墨间寄托情怀的习练者来说，是极其宝贵的财富。它教会我如何去“看”书法，如何去“感受”历史的温度，而不仅仅是“写”字。

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这本书的内容编排逻辑简直是教科书级别的流畅清晰。从基础的点画结构解析开始，循序渐进地过渡到复杂的章法布局，每一步的衔接都处理得恰到好处，完全没有那种生硬的跳跃感。我尤其欣赏它对历代名家碑帖的选取和对比分析部分，作者没有简单地罗列范例，而是深入剖析了不同风格流派之间的神韵差异，这种深度的解读，极大地拓宽了我的视野，让我对书法艺术的理解不再停留在表面的模仿。读完前面的理论铺垫，再去看后面的习作指导，你会发现那些原本感到晦涩难懂的技巧要点，一下子变得豁然开朗，仿佛有一位资深老师在你身边耐心指点迷津。这种由浅入深、环环相扣的编排方式，极大地提升了自学效率，让人感觉每翻过一页都是一次知识的积累和技艺的精进。

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读完这本书后，我最大的感受是它成功地搭建起了一座从传统到现代的桥梁。作者在介绍经典法帖的同时，巧妙地融入了现代书法鉴赏的一些新视角，让古老的艺术焕发出新的生命力。书中讨论的关于数字化时代下如何保存和传播传统书法的思考，也让我颇受启发。它没有固步自封于古人的范式，而是鼓励我们在尊重传统的基础上进行适度的创新和表达，这对于打破当代书坛的一些陈旧观念非常有帮助。这本书的内容深度和广度兼备，既有扎实的技法支撑，又有开阔的文化视野，它不仅仅是提升书写技能的工具书，更是一部能够引导我深入理解和热爱中国传统文化的精神指南，让人读后意犹未尽，并立刻产生再次研习的冲动。

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这本书的实用性体现在它对不同练习阶段学习者的包容性上。对于初学者而言，那些详细的起笔、行笔、收笔的分解图示，简直是救星般的存在，每一个动作的细微差别都被放大和标注，避免了我在初期就养成错误的习惯。而对于有一定基础的进阶者，书中提供的“常见错误分析与纠正”章节更是直击痛点。它准确地指出了我在练习中常犯的诸如“点画松散”、“结构失衡”等问题，并提供了针对性的改进方案，而不是泛泛而谈。这种精细化的诊断和对症下药的指导，让我的练习目标更加明确，避免了无效的重复劳动，使得每一下笔都带着明确的目的性，学习曲线因此变得更加陡峭和高效。

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这本书的装帧设计真是没得挑，封面那种雅致的墨色调，一下子就抓住了我的眼球。纸张的质感摸起来很舒服，光滑而不失韧性，翻页的时候那种沙沙声也特别悦耳，让人在学习的时候心情都会跟着平静下来。而且，它的开本大小设计得非常合理，既方便携带，又保证了书写练习时的空间足够，不像有些参考书做得太小，写起来局促不安。内页的排版布局也花了不少心思，留白的处理得当，使得整体视觉非常清爽，不会让人感到眼花缭乱。更值得称赞的是，装订工艺相当扎实，即便我经常翻阅和反复练习，书页也没有松动的迹象，可见制作方在细节上的用心。这种对实体书品质的追求，对于我们这些偏爱纸质阅读和练习的传统艺术爱好者来说，无疑是一种享受，让人愿意花时间沉浸其中。

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