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出版者:上海古籍出版社

作者:高阿申

出品人:

页数:187

译者:

出版时间:2003-1-1

价格:45元

装帧:

isbn号码:9787753253341

丛书系列:

图书标签:

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书籍简介：中国古代绘画艺术的瑰宝与探索 书名： 翰墨流光：中国古代绘画通论与名家赏析 作者： 王之翰 傅怀玉 出版社： 华夏文源出版社 --- 内容提要 《翰墨流光：中国古代绘画通论与名家赏析》是一部旨在系统梳理中国古代绘画发展脉络、深入剖析其艺术特征、并对历代重要画家及其代表作进行详尽鉴赏的权威著作。本书不仅是艺术史研究者、专业院校师生案头的必备参考书，更是广大文物爱好者和艺术收藏家深入了解中国传统绘画精髓的理想读本。 本书跳脱出传统按断代史进行简单罗列的窠臼，而是从“技法演变”、“哲学思想融入”、“审美取向流变”三大核心维度展开论述，力求呈现中国绘画作为一门独立学科的复杂性和丰富性。 全书共分三大部分，二十章： 第一部分：溯源与体系——中国绘画的文化基因与技术基石 (约5000字) 本部分重点探讨中国绘画的起源及其独特的理论体系。我们追溯了岩画、陶器彩绘等史前遗存，分析了其与后世笔墨语言的潜在关联。 第一章：图腾与符号：早期视觉表达的萌芽 探讨史前艺术中的象征意义和早期造型能力。 第二章：青铜时代的装饰与叙事 分析商周时期青铜器纹饰在构图和线条运用上对后世的影响。 第三章：笔墨语言的建立：从书法中走出的绘画 深入解析“书画同源”的内在逻辑，探讨线条（骨法用笔）如何确立中国画的主体地位。 第四章：哲学思辨与绘画理论的初步形成 介绍魏晋南北朝时期玄学对山水画精神性的影响，重点阐述顾恺之的“六法”及其对后世的指导意义，并探讨其在士人阶层中的初步传播。 第五章：媒介与材料的科学 详细介绍绢、纸、墨、色的物理特性及其对绘画风格的影响，例如宣纸的洇化效果如何促成了水墨的成熟。 第二部分：流派与高峰——历史转折中的艺术革新 (约7000字) 此部分聚焦于中国绘画史上最具创造力的几个关键时期，分析不同地域和阶层对绘画题材与风格的革新。 第六章：盛唐气象：院体画的辉煌与人物画的巅峰 重点分析吴道子“吴带当风”的笔法及其对写实与写意边界的探索。 第七章：山水画的独立：李思训、王维与“青绿山水”的交锋 阐述唐代山水画从人物背景走向独立题材的内在驱动力，并对比金碧山水与水墨山水的审美差异。 第八章：五代宋初：全景式山水的成熟与写实主义的觉醒 深入剖析荆浩、关仝对北方山势的雄强表现，以及南唐画家对江南烟雨迷蒙之态的捕捉。 第九章：宋代院画的典范：技艺与审美的极致 详述宋徽宗时代“画院”制度对题材和标准的规范化，并特别鉴赏了《听琴图》等作品中蕴含的文人趣味。 第十章：元代文人画的兴起：逸品与人品的关系 探讨元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）如何将个人情感、学识修养完全融入笔墨之中，确立“写胸中丘壑”的艺术观。 第十一章：笔墨的革命：赵孟頫与“复古”思潮 分析赵孟頫如何通过回归晋唐笔法，为元代绘画注入新的活力。 第十二章：明代早期：浙派的雄健与院体的延续 考察戴进、吴伟如何将宋代院体的强劲笔法与早期文人画的写意精神相结合。 第十三章：明代中期：吴门画派的雅致与江南文人的审美趣味 重点研究沈周、文徵明、唐寅、仇英四家在继承传统与追求个性化风格上的不同路径。 第三部分：精神与审美——明清至近现代的演变与当代对话 (约6000字) 最后一部分将目光投向明末以后的巨大变革，探讨如何将传统笔墨精神传承至现代。 第十四章：晚明“奇崛”之风：董其昌的理论与实践 详述董其昌“南北宗论”对后世山水画格局产生的深远影响，及其对笔墨意境的强调。 第十五章：清初四僧：颠覆与重构的艺术精神 分析朱耷（八大山人）、石涛（渐江）如何通过极端的个人化笔墨语言，表达对时代变迁的复杂情感。 第十六章：扬州画派与岭南画派的地域特色 考察地域文化如何影响绘画题材的选择和色彩的运用，如扬州画派的潇洒趣味和岭南画派的革新精神。 第十七章：海派的开拓：任伯年与中西融合的初步尝试 分析海派画家如何吸收西方写实素描的造型能力，融入传统笔墨，开辟新的写实路径。 第十八章：近现代绘画的转型：从“师古人”到“师造化” 探讨近现代大师（如齐白石、张大千）如何继承传统精髓，同时积极面向生活和自然，推动中国画的现代化进程。 第十九章：笔墨意境的当代解读 讨论当代艺术家在坚守中国画本体语言的前提下，如何应对全球化艺术语境的挑战。 第二十章：艺术鉴赏的进阶指南 提供一套系统性的鉴赏方法论，包括款识辨伪、题跋考证、品评意境的实用技巧。 艺术特色与价值 《翰墨流光》的最大特点在于其贯穿始终的“以意写形，以笔传神”的学术视角。本书汇集了海量高清的绘画作品图版（涵盖人物、山水、花鸟三大门类），并配以详尽的图注和深入的专家点评。它不仅仅是一部绘画史，更是一本细致入微的“品读手册”，引导读者从线条的抑扬顿挫、墨色的浓淡干湿中，领略中国古代士人阶层复杂而深沉的精神世界。本书的深度和广度，确保了它能为严肃的学术研究提供坚实的文献基础，同时也为大众读者打开了一扇通往东方美学殿堂的华美之门。

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我发现这本书在对“罐”和“瓶”的分类和介绍上做得非常细致和独到。通常的图录可能只是简单地把它们归为“器型”，但这本书显然投入了大量精力去探讨这些器型在不同历史阶段的功能演变和审美侧重。比如，它对明代“梅瓶”的颈部处理、腹部弧度和圈足的形制变化做了详细的梳理，每一种变化背后都对应着当时制瓷技术的进步或审美风尚的转向，分析得入木三分。更有趣的是，它还探讨了一些“非主流”的罐形，比如那些带有民间生活气息的储物罐或酒坛，这些器物往往是研究当时普通百姓日常生活的珍贵物证，它们的价值常常被主流收藏界所忽略，而这本书却给予了足够的尊重和详尽的介绍，这让我对民间工艺的广阔天地有了更深的敬畏。

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从收藏实践的角度来看，这本书的参考价值高得惊人。它不仅仅停留在理论层面，更重要的是，它为我们普通藏友提供了一套清晰的风险规避和价值评估的思路。书中对于一些容易被混淆的器型，如早期青花罐与晚期仿品的釉色差异、底款的书写笔法对比等，都做了非常细致的图文分析，这种对比式的解读，比单纯的文字描述要直观有效得多。我最近在淘旧货市场时，脑子里不自觉地就浮现出书中的那些细节特征，这大大增强了我在嘈杂环境中快速锁定目标的能力。它就像一个随身的“瓷器鉴别助手”，时刻提醒我注意那些细微但决定性的工艺痕迹，让我在收藏的道路上走得更加稳健踏实，极大地提高了我的“淘货成功率”。

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坦白说，市面上的瓷器鉴赏书籍汗牛充栋，很多读起来都像是一本枯燥的教科书，充斥着晦涩难懂的术语，让初学者望而却步。然而，这本《民间收藏书系》在知识的深度和阅读的易读性之间找到了一个绝佳的平衡点。它的行文风格非常亲切自然，没有故作高深的腔调。作者似乎深谙普通藏家在实践中会遇到的困惑，总能在关键处给出非常接地气的提醒。比如，在讲解如何区分真品和高仿品时，它没有给出“放之四海而皆准”的铁律，而是列举了不同时期、不同窑口仿品最容易“露馅”的几个特征点，并配以对比图，这种实战化的指导对我帮助太大了。这本书真正做到了“授人以渔”，它教的不仅仅是“这是什么”，更是“为什么是这样”，极大地提升了我自己独立判断和鉴赏的能力。

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这本书的装帧设计真是一绝，拿到手里就有一种沉甸甸的质感，封面那种淡雅的青花纹饰，配合着做旧的纸张边缘，瞬间就把人拉回到了那个古朴典雅的年代。内页的印刷质量也是无可挑剔，那种细致入微的色彩还原度，即便是对着屏幕看拓印的图片，也能感受到釉面那种温润的光泽和细腻的纹理变化。我特别喜欢它排版布局，不是那种密密麻麻的文字堆砌，而是留出了足够的留白，让每一件器物都有了呼吸感，让人在翻阅时，不是在“赶路”，而是在细细品味每一件藏品的风采。特别是那些高清的局部放大图，简直是强迫症患者的福音，能清晰地看到胎土的细腻程度、釉层的开片规律，甚至是施釉时留下的细微痕迹，这对于我们这些业余爱好者来说，简直是打开了一扇通往专业鉴赏的大门。这本书在选材上也非常有眼光，它没有一味追求那些市面上烂大街的所谓“名家名作”，而是挑选了一些在民间流传、具有独特历史背景和工艺特点的器物作为范例，这使得阅读过程充满了惊喜和探索的乐趣。

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我最近沉迷于研究明清时期的民窑瓷器，尤其对那些带有地方特色的器物情有独钟。这本书的内容涉猎之广，简直超出了我的想象。它不仅仅罗列了大量的图片和基本信息，更重要的是，它在描述每一件藏品时，都融入了深厚的历史背景和社会文化解读。比如，有一件描金的五彩罐，作者没有简单地介绍它的年代和窑口，而是深入分析了当时社会对“富贵”审美取向的变迁，以及这种装饰手法是如何在民间瓷器中流行开来的。这种“以器物说历史”的叙事方式，让我这个历史迷大呼过瘾。书中的文字逻辑性极强，从宏观的时代特征到微观的工艺细节，层层递进，引导读者逐步建立起一个完整的认知框架。阅读过程中，我感觉自己不是在看一本图鉴，而是在听一位资深行家娓娓道来他多年的收藏心得和研究体会，那种娓娓道来中透露出的专业和自信，让人由衷信服。

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