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出版者:中华书局

作者:张晓农

出品人:

页数:215

译者:张晓农

出版时间:2003-1

价格:31.80

装帧:平装

isbn号码:9787101039658

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
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• 音樂
• 聲樂學
• 中国古代音乐
• 声乐艺术
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• 艺术史
• 音乐史
• 戏曲音乐
• 民歌
• 宫廷音乐

《中国古代声乐艺术》是一部详尽梳理中国古代音乐发展脉络，聚焦其声乐艺术独特魅力与演变轨迹的学术专著。本书旨在拨开历史的迷雾，深入探究自上古至近代的中国声乐艺术，如何从原始的歌唱形式，逐步发展成为集哲学思想、社会风俗、宗教信仰、文学艺术于一体的多元化表现形式。 全书的构建，围绕中国声乐艺术的几个关键维度展开。首先，作者从历史渊源入手，追溯中国声乐艺术的起源。从先秦时期的《诗经》所载的吟咏，到楚辞的抒情长歌，再到汉乐府的叙事唱诵，本书细致地考证了不同历史时期，声乐在社会生活中的作用，以及其在文学、礼仪中的体现。例如，书中深入分析了《诗经》的“风”“雅”“颂”之歌，不仅揭示了其音乐属性，更阐释了其所承载的社会伦理与情感表达。对于汉乐府，本书不仅介绍了其内容的多样性，如边塞征战、民间疾苦、爱情思慕等，还探讨了其音乐性如何与叙事性完美融合，成为一种极具生命力的声乐形式。 其次，本书重点探讨了中国古代声乐艺术的理论基础。作者梳理了中国古代音乐理论中与声乐紧密相关的部分，包括音律学、宫调理论、唱法理论等。例如，关于“五声”“六律”“十二律”的论述，不仅仅是纯粹的声学知识，更与中国古代的哲学观（如天人合一、阴阳五行）息息相关。书中详细阐述了不同宫调所蕴含的情感色彩与审美意趣，以及它们如何在声乐作品中得到体现。对于唱法，本书也进行了细致的梳理，从古代的“声乐”“歌唱”等概念出发，探究了不同朝代的唱法特色，例如唐代的“燕乐”唱法，宋代的“慢歌”与“杂剧”唱法，以及元代的“散曲”唱法等，力求还原当时真实的演唱风貌。 在表现形式上，本书对中国古代主要的声乐体裁进行了系统性的介绍和分析。这包括： 宫廷燕乐与雅乐： 详细阐述了作为国家礼仪象征的雅乐，其音乐的功能、结构以及在宫廷祭祀、朝会等场合的运用。同时也探讨了宫廷燕乐的娱乐性与艺术性，以及其对后世音乐发展的潜移默化影响。本书引用了大量史料，如《周礼》《乐记》等，力求展现雅乐在古代社会中的地位和意义。 民间歌谣与民俗音乐： 深入挖掘了中国广袤土地上孕育出的丰富多彩的民间歌谣。从不同地域的民歌特色，如黄河岸边的信天游，江南水乡的吴侬软调，到节日庆典、婚丧嫁娶等场合的民俗音乐，本书展现了声乐艺术如何深入到普通民众的生活肌理之中。书中对一些著名的民间歌谣进行了深入的音乐分析和文化解读，例如，对《茉莉花》等经典民歌的起源、传播及其音乐特点的探讨，揭示了它们在人民群众中的广泛影响力和艺术价值。 宗教声乐： 详细介绍了佛教、道教等宗教在中国古代声乐发展中的重要作用。本书探讨了佛教的梵呗、赞呗，道教的斋醮音乐，以及它们在宗教仪式中的功能和艺术特点。例如，对梵呗的分析，不仅仅局限于其宗教意义，更深入探讨了其音调、演唱方式，以及它们如何影响了中国本土的音乐文化。 戏曲音乐： 这是本书浓墨重彩的部分。作者系统地梳理了中国戏曲声乐的发展历程，从早期的参军戏、百戏，到宋元南戏、元杂剧，再到明清传奇，最终发展到各地剧种。本书不仅介绍了不同时期戏曲音乐的特点，如唱腔、板式、伴奏乐器等，还深入分析了其音乐如何与表演、剧情紧密结合，塑造人物形象，表达情感。对于元杂剧的“唱做念打”一体化，以及明清传奇的“情景交融”，本书都进行了细致的阐释。本书对各个主要剧种的声乐特色也进行了深入的剖析，例如京剧的“四大行当”唱腔，越剧的“尹派”“傅派”唱腔，昆曲的“水磨调”等，力求展现中国戏曲声乐的丰富性和多样性。 文人歌曲与士大夫音乐： 探讨了在中国古代社会，士大夫阶层所创作和欣赏的声乐作品。这包括了唐宋词的唱和，元代散曲的创作，以及明清时期一些文人雅集的歌唱活动。本书分析了这些声乐作品所体现出的文人情怀、审美趣味，以及它们与文学艺术的紧密联系。例如，对宋词的唱和，本书不仅探讨了词牌与旋律的关系，更分析了词作本身所蕴含的情感与意境如何通过歌唱得以升华。 此外，本书还将中国古代声乐艺术置于其社会文化语境中进行考察。作者强调，声乐艺术的每一次演变，都与当时的社会经济、政治制度、哲学思想、宗教信仰以及文学艺术的发展息息相关。例如，唐代长安的繁华景象如何促进了宫廷燕乐的繁荣，宋代市民阶层的崛起如何催生了更加丰富多彩的民间说唱艺术，明清时期商业经济的发展又如何推动了戏曲声乐的成熟与定型。 在研究方法上，本书融合了音乐学、历史学、文学学、社会学等多学科的视角，力求提供一个全面而深入的分析。作者广泛搜集了历代文献、史料、碑刻、乐谱等一手资料，并结合现代音乐理论和分析方法，对古代声乐作品进行了严谨的考证和解读。书中对一些失传的音乐形式，也通过文献的梳理和推断，力图还原其可能存在的面貌。 本书的最终目标，不仅在于梳理和呈现中国古代声乐艺术的丰富遗产，更在于揭示其内在的逻辑与发展规律，探究其在中华文明史上的独特地位和深远影响。它希望能够引发读者对中国古代声乐艺术的深入思考，理解其背后蕴含的民族精神、审美追求和文化智慧，从而更好地传承和发展这份宝贵的文化财富。对于音乐史研究者、音乐教育工作者、文学研究者以及对中国传统文化感兴趣的广大读者而言，《中国古代声乐艺术》无疑是一部不可或缺的参考著作。

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这本书的叙述风格，可以说是将深奥的学术探讨与引人入胜的故事性完美地结合在了一起，读起来丝毫没有那种枯燥乏味的感觉，反而充满了发现的乐趣。作者在讲述某一特定时期（比如魏晋南北朝）的音乐思潮变迁时，常常会穿插一些鲜活的轶事或者特定人物的传记片段，使得抽象的理论一下子就有了“血肉”。我特别喜欢其中对于文人士大夫阶层审美情趣转变的描摹，从早期的质朴浑厚到后来的清微淡远，这种审美上的微妙转向，是如何被音乐艺术所折射和推动的，讲解得丝丝入扣。更让我印象深刻的是，作者对不同地域性音乐风格的地域文化解读，比如南方吴地的婉约与北方中原的刚健，那种植根于地理环境和风土人情的分析，让音乐的魅力不再局限于音符本身，而是延展到了整个生活方式和哲学观念层面。读完后，感觉对中国传统文化的理解又深了一层，不仅仅是听觉上的享受，更是对古代生活方式的一种体察。

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初翻此书时，我主要关注的是其资料的详实程度，毕竟研究古代艺术，资料的可靠性是生命线。坦白说，原以为这是一部可以信赖但略显陈旧的“工具书”，没想到，作者在处理史料时所展现出的批判性思维，令人耳目一新。书中对于一些流传已久、被奉为圭臬的音乐史断言，进行了细致入微的文献比对和逻辑重构，提出了许多令人深思的修正观点。例如，针对某一著名乐谱的作者归属争议，作者并未简单地倾向某一方，而是系统梳理了不同学派的论据和证据链条，最终给出了一个基于多维度考察的、更具说服力的结论。这种尊重历史、勇于挑战既有定论的学术精神，是这本书最宝贵的财富之一。它教会我，真正的治学，就是要像剥茧抽丝一样，对每一个“已知”保持审慎的怀疑和探究的热情。这本书，与其说是在讲述历史，不如说是在展示如何与历史对话。

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这本书的装帧和配图质量，实在是值得称赞，这对于理解视觉和听觉艺术的交叉领域至关重要。在阅读到关于古代礼仪性音乐和宫廷宴享场景的章节时，书中收录的那些高清的壁画拓片和复原图，极大地弥补了文字描述的不足。我尤其留意了关于“乐舞”结合部分的插图，那不仅仅是静态的图像，通过精心的排版布局，似乎能感受到乐声与舞步交织时所产生的律动感和空间感。很多时候，我们阅读古代文本，对于那种宏大场景的想象力是受限的，但这本书通过高质量的视觉呈现，成功地将我们拉入了那个“乐舞并奏”的时代现场。这让我意识到，在研究古代艺术时，脱离了具象的器物和场景，仅仅停留在纯粹的理论推演上，是多么大的损失。这本书在视觉化呈现上的投入，无疑提升了阅读体验的层次。

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这本书对于当代音乐创作的启发性，是我始料未及的收获。我本是抱着“考古”的心态来阅读的，却在其中发现了许多可以被“挪用”和“转化”的艺术基因。作者在对古代五声调式、特殊音高系统以及独特的旋律组织方式的分析中，揭示出了一种不同于西方体系的、内在和谐的逻辑。这种逻辑并非僵硬的规则，而是一种流动的、与自然哲学紧密结合的审美取向。特别是书中对某些“失传技法”的重构性分析，让我对如何从传统中汲取养分，创造出既有民族根基又具现代面貌的音乐作品，有了更清晰的思路。它没有直接提供创作的“公式”，但它提供的对古代声音哲学的深刻理解，却能像一座深厚的矿藏，供后来的艺术家去挖掘和提炼。这本书的价值，已经超越了历史文献的范畴，直接触及到了艺术创新的源头活水。

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这本书的内容简直令人大开眼界，我原本以为对古代音乐的了解已经算得上是比较深入的了，但读完之后才发现自己知识的匮乏。作者在梳理乐律体系时，那种严谨的逻辑和详实的考证，让人不得不佩服。比如，书中对“雅乐”和“俗乐”在不同历史时期的界定与演变，不再是教科书上那种扁平化的描述，而是通过大量的出土文物和文献记载，勾勒出了一幅生动且充满张力的文化图景。尤其值得称赞的是，作者并未止步于对理论的阐述，而是深入到具体的乐器形制及其发声原理的探究，哪怕是像编钟这样耳熟能详的乐器，也能从中读出前人对声音的极致追求和智慧。阅读过程中，我常常需要停下来，对着书中的图示反复揣摩，试图在想象中重现那些失传已久的恢弘场面，那种跨越时空的共鸣感，是其他同类书籍难以提供的。它不仅仅是一本学术专著，更像是一把钥匙，为我们开启了通往那个声韵悠扬的古代世界的密道。

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