具体描述
中央工艺美术学院基础部成立至今已越过了十个年头，初建时基础部聚集了学院内的绘画基础、设计基础以及专业设计各方面的优秀师资力量，其目的是要拓宽学院内各专业的基础范围，淡化专业界线，强化教学管理，引进竞争机制，最终达到提高教学质量之目的。
基础部以绘画基础课的教师为多，力量强，同时，又汇集了各系各专业的教师，大家积极热情、忘我工作，为初建的基础部以及摸索过程中的教学体系打下了坚实的基础。
这套系列技法丛书即是学院基础部全体教师长期探索的效果。我认为它有着许多特色：
1．实践性 技法丛书不是从技法出发，也不是个人技法体会，而是教学实践的成果，是长期以来与众多班级的学生共同创作实践的体会，因此，它丰富且具有说服力；
2．交融性 从基础部成立至今，整个过程是一个多学科人才深入交流，对教学不断切磋的过程，绘画基础课或者说造型基础课与专业基础课的交融是很难得的，它将使各种艺术创作的表现得以升华；
3．创造性 丛书的作者大多年富力强，努力探索，在继承传统和学习老一辈艺术家的创作成果基础上不断出新。他们结合90年代青年人的知识构成，认真组织了这套具有针对性的技法丛书。
我们相信通过这套丛书，读者会看到艺术设计教育领域内的基础教学也正在呈现着为适应未来发展而努力的姿态。
作者简介
作者简介
李家骝，1957年生于安徽合肥，1979年考入中央工艺美术学院装饰绘画专业。
1983年毕业，现在中央工艺美术学院基础部任教。
1993年6月，策划并组织了李家骝等四位青年画家在中国美术馆举办的作品
展；1995年至1996年策划了《现代装饰画集》、《现代黑白装饰画集》，并由安徽美术
出版社出版；1997年安徽美术出版社出版《李家骝线描》；1998年先后主编了《图案教
学作品集》、《中央工艺美术学院线描精品集》； 1998年设计、监制大型铜浮雕《生
命》。
目录信息
第一章 绪 论
一、自然色彩与装饰色彩的认识
二、装饰色彩的特殊性
第二章 色彩原理与属性
一、色彩的分类
二、色彩的三属性
1色相
2明度
3纯度
三、色的混合
四、色彩的心理与想象
五、色彩的象征性
第三章 装饰色彩的应用
一、装饰形与色彩的关系
二、装饰色彩的调和
三、对比色的运用
1色相对比
2明暗对比
3冷暖对比
4补色对比
5纯度对比
四、装饰色彩的构成
1均衡
2对称
3适合
4分隔
5统调
五、装饰色彩的层次处理
第四章 装饰色彩的表现技法
一、常用表现技法
1点绘法
2线绘法
3面绘法
4线、面绘法
5点、线、面绘法
6透叠法
7渲染法
二、特殊表现技法
1彩色铅笔与水性颜料混合法
2水性颜料与油性颜料混合法
3剪贴法
4特殊纸的利用
5干画法
第五章 装饰色彩教学的几种方式
1写生与归纳练习
2根据传统绘画或世界名画作变体画色彩练习
3按照基本的设色理论，作同一构图的色彩置换练习
4根据图片学习不同民俗、民情的色彩特点
附 图
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
这本《色彩.图案.艺术》真是让人大开眼界，我原本以为它会是一本枯燥的理论书籍，结果完全出乎意料！我是一个对设计理论知之甚少，但又对美学充满好奇的普通读者。这本书的厉害之处在于，它没有直接堆砌那些晦涩难懂的术语，而是用一种非常直观、近乎讲故事的方式，将色彩的心理学影响和图案的构成逻辑娓娓道来。比如，书中对不同色系在不同文化背景下的象征意义的探讨，简直是绝妙的对比。我清晰地记起了关于“蓝色”那一段，它不仅仅是冷色调的代表，更是在地中海文化中与神圣、宁静画等号，而在某些极地文化中，却又隐喻着广袤与孤独。这种跨文化的解读，极大地拓宽了我对视觉语言的理解。而且，作者在讲解图案时，大量引用了自然界的斐波那契数列和黄金分割原理，让我明白那些看似随意的几何图形，背后竟然蕴含着如此精密的数学秩序。读完后，我再去观察身边的任何设计作品，从建筑的窗格到一块布料的花纹，都像是被解密了一般，能迅速捕捉到其中隐藏的韵律和意图。它不是那种读完就能成为艺术家的书，但绝对是能让你成为一个更懂得欣赏艺术的“有心人”的指南。
评分我是一个在时尚行业摸爬滚打了十多年的资深从业者，坦白说，市面上关于色彩搭配和趋势预测的书籍我已经看过不下几十本，大多都是陈词滥调，无非是“莫兰迪色系流行”或者“年度潘通色发布”。然而，《色彩.图案.艺术》这本书，带给我的冲击是颠覆性的，因为它将焦点从“流行”转向了“本质”。我尤其欣赏作者在论述“视觉重量”和“肌理感知”时所采用的实验性视角。书中详细描述了一系列小型的视觉实验，比如如何通过改变图案的密度和方向，来欺骗人眼对物体大小的判断，这在服装廓形设计中简直是救命稻草。书中探讨的“不对称平衡”理论，彻底改变了我对传统构图的看法——原来，真正的稳定感不一定需要绝对的中心对称，而是需要能量场的巧妙导引。在图案设计部分，作者深入挖掘了从日本江户时代版画到20世纪初的立体主义运动中，图案如何被用作表达情感和解构现实的工具。这本书的深度在于，它提供了一套分析工具，让你不再停留在“好看”或“不好看”的肤浅判断上，而是能精准地剖析“为什么它能这样打动我”的内在机制。对我而言，它更像是一本高级的“视觉解剖学”教材，而不是一本流行的色彩手册。
评分我是一个平面设计师，工作需要大量的排版和信息视觉化。说白了，我需要的是高效、明确的指导，而不是太多虚无缥缈的艺术情怀。《色彩.图案.艺术》这本书最让我惊喜的地方，在于它成功地在“艺术性”和“功能性”之间架起了一座坚固的桥梁。在关于“可读性与色彩对比”的那一章，作者给出的数据支持和实际案例分析，远比我过去读的任何排版指南都要实用。他们通过量化的方式解释了为什么在特定的背景色上，某些字体的笔画粗细会影响信息吸收的速度。更重要的是，书中对“负空间”（Negative Space）的讲解，简直是教科书级别的示范。作者反复强调，图案和色彩的意义往往存在于“未被绘制”的部分，而这在现代极简主义设计中至关重要。书中展示了如何利用背景的留白来增强主体图形的冲击力，这直接应用到我的海报设计中，效果立竿见影。这本书的语言风格是非常现代和直接的，它没有过多地绕弯子，而是直奔主题，用严谨的逻辑结构把复杂的视觉原理拆解成一个个可以立刻上手的模块。
评分当我翻开这本书时，我期望的是一本能让我放松心情，沉浸在美丽图像中的画册，但《色彩.图案.艺术》显然有着更深层的野心。它更像是一本关于“感知训练”的手册。这本书的结构安排极具巧思，它似乎故意将最感性的部分——比如“情绪共振中的色彩震动”——放在了相对靠后的位置。开篇是对基本视觉元素的机械化解构，非常冷静和客观，像是物理实验报告。但随着阅读的深入，你会发现作者的笔锋逐渐转向了对“经验”和“记忆”的探讨。我特别喜欢关于“颜色记忆的不可靠性”那一节，作者引用了神经科学的观点，解释了为什么我们对童年记忆中某件衣服颜色的描述总是模糊不清，以及这种模糊性如何反过来影响了我们当下对色彩的判断。在图案分析上，作者甚至涉及到了人类的进化心理学，探讨为什么我们会天生对某些重复的、有节奏的纹理感到安心。这本书的文笔充满了哲思的张力，时而像严谨的科学家，时而像沉思的诗人，让人在被知识信息轰炸的同时，又被它引导着进行深层次的自我反思，是一次非常充实且发人深省的阅读体验。
评分说实话，我买这本书纯粹是出于对艺术史的兴趣，我希望能找到一些关于文艺复兴时期湿壁画色彩运用的小技巧。这本书虽然没有直接给出“如何调配”的配方，但它提供的历史脉络和哲学思考，比任何技术手册都来得深刻。作者对于“光影的艺术化处理”这一章节的叙述，简直是神来之笔。它不仅仅讨论了达芬奇或卡拉瓦乔如何运用明暗对比来塑造戏剧性，更着重分析了在那个特定历史时期，宗教和政治对可见光色彩的定义权。例如，书中提到在特定时期的教会艺术中，某些高饱和度的红色是如何被严格限制使用的，因为它被赋予了世俗的权力象征。这种从社会结构和意识形态层面去反推视觉表达的路径，让我看到了艺术背后的权力游戏。在图案方面，作者的视角非常独特，他们把“图案”视为一种低语的语言，专门分析了中世纪哥特式教堂玫瑰窗中图案的重复与递进，如何引导朝圣者的目光向上，最终达成精神的超脱。这本书的行文节奏非常古典，充满了严谨的论证和丰富的注释，读起来很有“啃硬骨头”的满足感，非常适合喜欢钻研历史细节的读者。
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