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出版者:中国文联出版社

作者:百折

出品人:

页数:105

译者:

出版时间:2004-01

价格:22.00

装帧:平装

isbn号码:9787505944756

丛书系列:

图书标签:

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《翰墨丹青：中国传统绘画艺术鉴赏与实践》 一、本书定位与内容概述 《翰墨丹青：中国传统绘画艺术鉴赏与实践》是一部深度聚焦于中国传统绘画领域，旨在系统梳理其发展脉络、精要技法及其深厚文化内涵的综合性著作。本书完全避开书法艺术（如《教你欣赏书法》所涵盖的内容），转而将全部篇幅倾注于中国画的创作原理、审美取向、历史流派及其物质基础的研究之上。 本书结构严谨，内容涵盖了从远古岩画的萌芽状态到近现代转型时期的中国画发展史，重点剖析了唐、宋、元、明、清各个历史阶段最具代表性的画家及其作品中的精神特质。其核心目标是帮助读者建立起一套完整的中国画视觉认知体系，理解“笔墨当随时代”背后所蕴含的艺术哲学。 二、第一部分：中国画的物质基础与基本语言（“笔墨纸砚”的再定义） 本部分将传统书画赖以存在的物质载体进行深入的、科学的考察，揭示其在绘画中的独特作用，而非仅作为书写工具的附属品。 1. 纸的千年演变与绘画的适应性： 详细介绍麻纸、皮纸、宣纸（生宣、熟宣）的物理特性，如洇墨性、吸水性、陈化反应等。重点分析生宣纸的“活”如何成就了中国画中“气韵生动”的意境表达，以及熟宣纸在工笔重彩中的固定作用。不同时代画家如何根据纸张特性调整用墨力度和水分控制。 2. 墨的五色与层次构建： 跳出“墨分五色”的简单陈述，深入探讨松烟、油烟在制墨过程中的差异，以及墨汁中胶质含量对绘画层次感的影响。分析徽墨、曹素功等地域名墨在不同画科中的应用偏好，并提供如何通过火候控制和研磨深浅来获得“焦、浓、重、淡、清”的丰富变化。 3. 笔的筋骨： 区分狼毫、羊毫、兼毫的弹性、蓄水性与尖锋性，阐述不同笔锋如何决定线条的“骨力”与“润度”。例如，特写画兰竹的“兰竹笔”与描绘人物衣纹的“衣纹笔”在结构上的精妙区别。 4. 颜料的矿物与植物学基础： 详细考察石青、石绿（如蓝铜矿、孔雀石的开采与炮制）、朱砂（汞化合物的稳定处理）等矿物颜料的化学性质，以及藤黄、胭脂（茜草根提取）等植物颜料的耐久性。解释这些天然颜料如何决定了中国画色彩的“沉稳”与“内敛”。 三、第二部分：核心技法与流派解析（“写意”与“写形”的辩证统一） 本部分是本书的核心，旨在系统拆解中国画的几种主要技法体系，并将其与对应的审美追求相结合。 1. 勾、皴、点、染的结构解析： 皴法： 详述披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、折带皴等数十种山水画皴法的具体操作步骤，强调皴法不仅是表现山石的纹理，更是画家心性与地理环境的结合。 点法（点景与点苔）： 区分散点、聚点、介字点等，论述点法在打破大面积水墨单调感、增强画面节奏感方面的作用。 界画的严谨结构： 阐述界尺的使用、墨线的精准控制，及其在建筑、器物描绘中体现的“格物致知”精神。 2. 中国画的两大体系： 文人画（写意体系）： 深入探讨“以书入画”的理论基石，分析董源、巨然的“点染气韵”，元四家（黄公望、倪瓒等）的“笔墨趣味”和“逸品”追求。重点分析梅兰竹菊“四君子”题材中，如何通过线条的提按顿挫表达高洁的品格。 院体画（写实与装饰体系）： 追溯北宋院画的写实精神，分析范宽、李唐在宏大叙事中的空间处理。重点剖析明清时期仇英、唐寅等人的界画与仕女画中对细节的精微刻画，以及工笔重彩如何服务于宗教或宫廷叙事。 3. 花鸟画的“形神兼备”： 分析徐熙的“落墨为骨”与黄荃的“骨法用笔”。深入探究写意花鸟画中如何用粗犷的墨法表现生命力，以及工笔仕女画中对肌肤、衣纹的微妙晕染技巧（如三矾九染法）。 四、第三部分：意境的营造与审美范式 本书强调中国画并非单纯的“再现自然”，而是“表现自然”与“抒发性灵”的统一体。 1. 计白当黑的哲学： 详细分析中国画中“留白”的概念，它不仅仅是未完成的部分，而是“气”的通道、空间的呼吸。通过分析留白在山水画的云雾处理、花鸟画的背景衬托中的作用，阐明其与道家“虚”与“有”哲学的关联。 2. 章法与“可游可居”： 探讨中国画的散点透视（或称多点透视）与移动视点，解析张择端的《清明上河图》为何能将长卷视为一个可供时间流逝的空间。分析画家如何通过“近景浓重、远景虚化”的手法营造深远意境。 3. 题跋的“画外有画”： 阐释题跋、印章在中国画中不可或缺的文学和哲学地位，它们如何对画面进行补充说明、价值判断或情感延伸，使作品成为集诗、书、画、印于一体的综合艺术品。 五、结语：传统绘画在当代的对话 总结中国画在继承传统的基础上，如何吸收西方油画的光影和结构知识，以及二十世纪以来的中国画改革探索（如“新金陵画派”、“岭南画派”的创新之处），引导读者以历史的眼光和审美的视角去品味那些“笔墨酣畅、气韵生动”的传世之作。本书致力于提供一套理解中国绘画的底层逻辑，而非简单的技法模仿指南。

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这本《教你欣赏书法》真是让人眼前一亮，作者的功力深厚，文字表达却丝毫不晦涩难懂，读起来非常舒服。我以前对书法总有一种高不可攀的距离感，觉得那都是大师才能玩转的玄学，但这本书硬生生地把我拉进了书法艺术的殿堂。它不是那种枯燥的理论堆砌，而是像一位耐心十足的老师，手把手地教你如何“看”懂一幅作品。比如，它细致地讲解了篆隶楷行草五体各自的时代背景和审美侧重，让我明白了为什么同样的笔画在不同字体里会呈现出截然不同的神韵。特别是关于“用笔”的章节，作者没有停留在“提、按、顿、挫”这类老生常谈的术语上，而是结合了大量的古代碑帖实例，比如颜体的雄浑和赵体的秀逸，是如何通过对中锋、侧锋的巧妙运用体现出来的。我甚至能想象出古人握着笔杆时，那种力透纸背的精气神。这本书的结构编排也很有心思，从基础的墨色浓淡、线条粗细，到进阶的章法布局、气韵生动，层层递进，非常适合我这种半路出家的爱好者。读完后，再去面对那些博物馆里的碑刻，感觉就像是第一次真正认识了它们，不再是走马观花，而是能捕捉到隐藏在笔画背后的那个时代的脉搏和书写者的心绪。

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我得承认，一开始我对这类“教人欣赏”的书抱有一定的怀疑态度，总觉得艺术鉴赏这种事是玄之又玄、无法言传的。但这本书的作者显然深谙如何用清晰的逻辑来拆解那些看似模糊的审美概念。它在阐述“气韵”这一核心概念时，做得尤其精彩。气韵听起来很虚，但作者将其细化为“血脉的连贯性”和“精神的贯通性”。它用了一个绝妙的比喻，把书法比作音乐的旋律，每一笔都是一个音符，而整篇作品则是乐章的起承转合。通过分析不同书家在处理“一笔书”或“连绵体”时的节奏控制，我开始理解为什么有些作品读起来一气呵成，而有些则显得断裂和松散。更令我称道的是，书中对古代书家性格的刻画，那些逸闻趣事并非简单的八卦，而是用来佐证其书风的形成原因。比如，苏轼那种旷达超然的人生观如何最终成就了他那种“丰腴而不臃肿，厚重而不滞涩”的独特风格，这使得欣赏书法不再是孤立地看线条，而是与一位伟大的灵魂进行对话。

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这本书的装帧和配图质量简直是业界良心，这对于一本旨在教授欣赏的书来说至关重要。很多介绍书法的书籍，图片模糊不清，或者版式设计得过于拥挤，让人根本无法细看那些微妙的笔锋变化。但《教你欣赏书法》在这方面做得极其出色，每一个引用的碑帖范例都高清且排版考究，重点部分的细节会被放大并标注出来，这极大地降低了自学的难度。我尤其欣赏它在探讨“结构”时所使用的对比手法。比如，当它讲解欧阳询的“三十六法”时，不是简单地引用口诀，而是将那些看似矛盾的法则放在一起，用实际案例解析为什么“险中求平”、“欹侧中求稳”是成立的，这种对立统一的辩证思维，让抽象的结构理论变得立体而可操作。读到后面，我甚至开始尝试用这种眼光去审视我自己的日常书写，虽然水平有限，但至少我知道了应该把注意力放在哪里。这本书的价值在于，它提供了一套观察和分析的工具箱，而不是直接给出答案，鼓励读者自己去发现和体会其中的奥妙。

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拿到这本关于书法鉴赏的书，我的第一感受是它的视角非常独特，完全摆脱了传统鉴赏中那种过于强调“法度”和“规矩”的束缚。它更侧重于从审美的角度切入，探讨书法如何与中国哲学、文化心理乃至生活哲学相连接。书中有一个章节专门讨论了“留白”的艺术，作者用非常诗意的语言描述了空白处如何参与到整体的构图中，它不是“没有”的墨迹，而是“有”的意境，是呼吸的空间。这对我触动很大，我之前总盯着墨点看，忽略了纸张本身的力量。此外，对于不同朝代书风的流变，作者没有采取简单的罗列，而是通过对比几位代表性人物的作品，生动地描绘了文化思潮对书写姿态的塑造。比如，魏晋风度的洒脱如何体现在王羲之的笔端，而盛唐时期的自信与大气又如何赋予了颜真卿书法中那种不可撼动的力量感。这本书的行文节奏张弛有度，它不会让你感到疲劳，反而像是在听一位见多识广的朋友娓娓道来，分享他对艺术的独到见解。它成功地让我意识到，书法不仅仅是写字好看，它是一种关于“存在”和“表达”的艺术形式。

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对于一个想从“会写”迈向“会看”的门槛的读者来说，这本书无疑是最好的引路人。它没有过度吹捧某些“神圣不可侵犯”的经典，而是保持了一种学者应有的客观与谦逊。其中有一部分内容专门讨论了“碑学与帖学”的争论，作者并没有偏袒任何一方，而是客观地指出了两者在审美取向和历史功用上的差异，这拓宽了我对书法史的认识，明白艺术的发展是一个不断交流与反思的过程。我尤其喜欢作者对于“时代精神”如何体现在笔墨中的分析。比如，到了明清之际，随着商品经济的发展和市民阶层的壮大，书法的审美开始从追求“骨力”转向追求“趣味”和“个性”，这种转变在董其昌等人的作品中体现得淋漓尽致。这本书让我明白，欣赏书法，其实就是在欣赏一段浓缩的历史，欣赏那些文人墨客在特定时代背景下，通过最纯粹的线条语言所表达的生命体验。它教会我的，是如何用更丰富的文化内涵去填充那些黑白的线条，让欣赏这件事变得立体而富有深度。

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