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第一章 钢琴音乐史简说
第一节 钢琴乐器的演进
一、17世纪以前的乐器
二、巴洛克时期的古钢琴
三、历史的变迁
第二节 各个时期部分音乐家及钢琴作品简介
一、巴洛克时期的古钢琴艺术
（一）第一个鼎盛时期
（二）第二个鼎盛时期
（三）其它欧洲国家的崛起
（四）巴赫
（五）亨德尔
（六）斯卡拉蒂
二、古典主义时期的钢琴艺术
（一）海顿
（二）莫扎特
（三）克列门梯
（四）贝多芬
三、浪漫主义时期的钢琴风格
（一）舒伯特
（二）门德尔松
（三）舒曼
（四）肖邦
（五）李斯特
（六）勃拉姆斯
四、民族乐派
（一）柴科夫斯基
（二）拉赫玛尼诺夫
（三）斯克里亚宾
（四）格里格
五、西班牙的钢琴音乐
六、法国的民族乐派
七、印象主义风格
（一）德彪西
（二）拉威尔
八、现代派音乐
（一）斯特拉文斯基
（二）麦克道尔
（三）格什文
（四）肖斯塔科维奇
第二章 世界主要钢琴流派
第一节 艺术家必须超越自己的学派
第二节 德奥钢琴演奏学派
一演奏 风格及 特点
二、20世纪德奥钢琴演奏家
（一）舒纳贝尔
（二）威尔海姆・巴克豪斯
（三）弗瑞德里奇・古尔达
（四）威廉・肯普夫
第三节 法国钢琴学派
一、法兰西钢琴演奏风格
二、代表法兰西钢琴学派的演奏家
（一）法国钢琴家之母――玛格丽特・朗
（二）体现法国风味的演奏家一―罗贝尔・卡扎德絮
（三）钢琴家阿尔弗雷德・柯尔托
第四节 俄罗斯钢琴学派
一、领先世界的俄罗斯钢琴艺术
二、大器晚成的苏俄钢琴学派
（一）钢琴音乐的引进
（二）俄罗斯钢琴演奏学派的形成与发展
三、简介几位当代世界一流俄罗斯钢琴家
（一）弗拉基米尔・霍洛维茨
（二）埃米尔・吉利尔斯
（三）弗拉基米尔・阿什肯纳吉
（四）斯维亚托斯拉夫・李赫特
第五节 几位世界级的钢琴家
一、钢琴奇才阿图尔・鲁宾斯坦和克劳迪奥・阿劳
二、意大利的骄傲一一米凯兰杰利与波利尼
三、西班牙钢琴皇后――拉罗查
第三章 钢琴弹奏法
第一节 钢琴演奏法的变迁
一、巴赫的触键
二、古典指力派杰出代表――莫扎特与克列门梯
三、贝多芬的触键方法
四、连接古典主义与浪漫主义的人
五、19世纪演奏技巧的辉煌与手臂重量弹奏的运用
六、各学派的产生与演奏方法的借鉴与融合
第二节 几种基本弹奏法
一、非连奏（nonlegato）
（一）非连奏的含义
（二）非连奏的训练
二、连奏（legato）
（一）连奏的含义
（二）连音的动作
（三）连音的练习
三、跳奏（staccato）
（一）跳奏的含义
（二）跳奏的时值
（三）跳奏的方法
第四章 如何进行钢琴训练
第一节 学习钢琴应有的认识
一、钢琴教育是素质教育
二、钢琴音乐带来欢乐
第二节 钢琴入门教学
一、入门前的准备
（一）兴趣的培养
（二）识谱
二、钢琴入门
（一）坐姿与手形
（二）弹奏方法――入门的不同途径
（三）手指的独立练习
（四）在音乐中训练手指
（五）音乐感与分句
第三节 钢琴技巧的训练
五、保留音踏板
六、音乐的审美对踏板的要求
第五章 如何弹奏一首作品
第一节 弹奏作品前必须认识的问题
第二节 初级阶段如何弹奏一首新曲
一、培养良好的读谱习惯
二、学习新曲子的读谱过程
（一）学弹汤普森教程第1册第1首
（二）从学琴开始养成良好读谱习惯
三、注意乐曲的音乐内容，学习科学的弹奏方法
四、学会分析作品，帮助弹好乐曲
（一）学弹克列门梯小奏鸣曲作品36之1第一乐章（学习奏
鸣曲式）
（二）学弹贝多芬的钢琴曲《献给爱丽丝》（学习回旋曲式）
（三）学弹贝多芬的《六首变奏曲》（变奏曲式的学习）
第三节 具有较高程度的学生如何弹作品
一、认识作品
（一）了解作家、作品的文化历史背景
（二）分析曲式，形成一个作品的结构概念
（三）典范的音响形象是正确理解作品的向导
二、部分钢琴作品简析
（一）贝多芬奏鸣曲，作品2之1、作品2之3
（二）精致的钢琴小品――舒伯特的f小调《音乐的瞬间》
（三）舒伯特的《即兴曲》
（四）门德尔松的《无言歌》
（五）隐藏在花丛中的大炮――肖邦部分作品简介
（六）舒曼的钢琴套曲一―《蝴蝶》
（七）李斯特的《匈牙利狂想曲第六号》
（八）勃拉姆斯的间奏曲
三、弹好作品的启示
第六章 中国钢琴音乐
第一节 中国的钢琴教育与钢琴作品
一、钢琴从西欧传人中国
二、中国最早的钢琴教育及演奏
三、最早的中国钢琴作品
四、中国最早的音乐学院
第二节 中国风格的钢琴曲
一、音乐教育在中国的发展
二、贺绿汀与走向世界的中国钢琴曲（牧童短笛》
三、简析钢琴曲（牧童短笛》
四、丁善德的《春之旅组曲》和瞿维的《花鼓》
第三节 新中国的钢琴教育与音乐作品
一、17年的钢琴教育与成果
（一）音乐教育在全国兴起
（二）中国钢琴家走向世界
二、17年中国钢琴作品繁花似锦
（一）17年钢琴作品概况
（二）简介几首中国作品
第四节1970年以后的钢琴作品
一、中国钢琴音乐的磨难
二、殷承宗与京剧钢琴伴唱《红灯记》和钢琴协奏曲《黄河》的问
世
三、文革后的钢琴音乐
（一）著名作曲家王建中与《百鸟朝凤》
（二）著名作曲家黎英海创作的《夕阳箫鼓》
第五节 改革开放后钢琴音乐的新局面
一、中国钢琴教育的兴旺
二、多元化钢琴音乐的创作
三、重视中国钢琴作品的学习和演奏
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
这本乐谱集简直是为我这种半路出家的业余爱好者量身定做的！我之前断断续续学过一些基础，但总是不得要领，感觉自己的手指像被胶水粘住了一样不听使唤。说实话，市面上很多教材要么内容太陈旧，要么对初学者来说简直是天书，一上来就堆砌一堆枯燥的五线谱和理论知识，看得我头都大了。但是这本让我耳目一新。首先，它的排版就非常友好，不像有些书那么拥挤，每一个音符和指法标注都清晰可见，即使光线不好，也能看得一清二楚。更重要的是，它选取的练习曲目真的太巧妙了。从最基础的C大调音阶开始，循序渐进地引入一些简单的和弦和琶音练习，难度爬升得非常平滑，让人在不知不觉中就掌握了新的技巧。我特别喜欢它在讲解某些特定技巧时附带的小插图和图示，比单纯的文字描述生动多了，一下子就能明白那个“手型”应该是什么样的感觉。而且，里面的曲目选择很有品味，不是那种只会让你弹得手麻的机械练习，而是真正能让人体会到音乐美感的作品片段，哪怕只是很短的一段，也能让我找到弹奏的乐趣。我已经连续用它练习了两个月，感觉手指的灵活性和对键盘的控制力都有了肉眼可见的提升，那种“豁然开朗”的感觉，真的只有亲自尝试过的人才能体会到。它真正做到了把复杂的演奏技巧拆解成一个个可以轻松消化的步骤，非常适合那些希望在短时间内看到进步的琴童家长或者成年自学者。
我不得不说，这本书在乐理与实践结合的深度上，远超出了我的预期。通常的教程，乐理部分常常被简化成几页生硬的定义，很快就让人想跳过。但这本书的处理方式非常高明，它将乐理知识巧妙地融入到具体的练习和曲目分析之中。比如，它在讲解如何处理某个复调段落时，会同步解释这个段落的“和声走向”或者“对位关系”，让你不是机械地记住哪个手指该按哪个键，而是真正理解“为什么”要这么弹，这样弹出来的音乐才会有生命力。这种由内而外的理解，对我提升演奏表现力至关重要。我以前弹奏巴赫的一些作品时，总觉得节奏感和层次感出不来，像是在“念稿子”。但自从开始深入研究这本书中对“织体分析”的讲解后，我才明白，原来不同的声部应该有不同的“力度色彩”和“歌唱性”。书中对于“力度记号”和“速度变化”在不同音乐风格中的细微差别，也有非常详尽的对比和示范说明，这对我这种追求细节的演奏者来说，简直是如获至宝。它不仅仅教你“怎么弹”，更引导你去思考“如何去诠释”，这种深度思考的训练，是任何纯技巧练习都无法替代的。读完其中关于“奏鸣曲式”的章节后，再回头看那些经典曲目，感觉就像是拿到了一张详尽的“地图”，一下子对整首曲子的结构和情感脉络了如指掌。
这本书最让我感到惊喜的是它对“钢琴演奏的身体工程学”的关注，这简直是很多钢琴教程中常常被忽略的“隐形课程”。我过去常常因为长时间练习而感到手腕酸痛，肩部紧张，一直以为这是“学琴的必经之路”，是必须忍受的痛苦。但是，这本教程中有一个专门的章节详细探讨了如何利用身体的重量而不是蛮力来发出饱满的音色。它不是空泛地谈论“放松”，而是通过图解的方式，展示了手掌、手臂乃至整个身体的重心如何巧妙地传递到指尖。书中对于“放松手腕”和“保持圆润指型”的讲解，配上了很多高清晰度的演奏者手部特写照片，让我清晰地看到了专业演奏者在不同力度下手的实际状态。我尝试了书中介绍的“重力下落”练习法后，弹奏力度明显增强了，但手部却感到前所未有的轻松。它还提到了关于坐姿、踏板的正确使用方法对全身协调性的影响，这让我意识到，钢琴演奏绝不仅仅是手指的运动，而是一个全身心的协调过程。这种注重科学性和健康性的教学理念，不仅帮助我提高了技术水平，更重要的是，保护了我的身体，让我能够更长久、更舒适地享受弹琴的乐趣。
这本书的装帧和纸质质量简直是教科书级别的典范，作为一名对书籍持有者有很高要求的音乐爱好者，这一点对我来说非常加分。市面上很多乐谱书，为了降低成本，纸张薄得像信封，一翻开就怕撕坏，而且印刷的油墨容易蹭到手上，更别提有些字体小得让人眼睛疼。但这本书的纸张厚实而有韧性，采用了哑光处理，完全不反光，即使在明亮的灯光下练习，眼睛也不会感到疲劳。更值得称赞的是它的装订方式。它采用了那种可以“完全摊平”的骑马钉或锁线胶装（我不太懂技术术语，但重点是它能做到这一点！），这意味着我无论是在钢琴架上还是在桌面上打开这本书，它都能平稳地保持展开，不用费力地用手肘压住书页，这在练习过程中实在太方便了。另外，墨水的清晰度和对音符的还原度也极其出色，黑白分明，那些升降记号和指法符号看起来非常立体，没有丝毫的模糊不清。对于需要经常翻阅和标记重点的学习者来说，这种耐用性和阅读舒适度，直接决定了学习体验的成败。我已经用了一段时间了，书页边缘依然平整，装订处也毫无松动迹象，完全对得起它的定价。
我必须承认，我一开始对这本书抱持着一种怀疑的态度，因为我发现它竟然涵盖了相当广阔的曲目范围，从早期键盘音乐到近现代作品都有所涉猎。我担心这种“大而全”的模式会导致每一个领域的讲解都流于表面，无法深入。然而，实际使用下来，这种广度带来的优势是惊人的。它提供了一种绝佳的“音乐通史”视角。比如，当你从巴洛克时期的对位练习过渡到浪漫主义时期的踏板运用技巧时，书中会很自然地指出两者在音乐语汇上的演变和冲突，这对于培养一个具有全面音乐素养的演奏者来说，是至关重要的。我尤其欣赏它对于“风格演奏”的细致区分。例如，它会明确指出，演奏海顿和演奏肖邦时，触键的“深度”和对节奏的“弹性”处理应该是截然不同的，并且会给出具体的、可操作的练习方法来模拟这些风格差异。这种跨越时代的对比和融合训练，极大地拓宽了我的音乐视野，让我不再局限于某一个特定时期的作品。对于希望全面提升自己的演奏曲目库和风格适应能力的进阶学习者来说，这种百科全书式的引导，比死磕一本专注某一风格的书要高效得多。
作品实例分析对欣赏也有帮助
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