具体描述
《高等院校"十二五"规划教材:商业摄影与创意(摄影专业)》介绍了商业摄影与创意的两个要求,商业摄影创意构思方法。总结了优秀的商业摄影创意必须以商品的广告销售推广为本,兼顾视觉传达艺术性的追求,从而使商业性要求和艺术性追求完美结合。
作者简介
王传东
山东工艺美术学院数字艺术与传媒学院院长 教授
毕业于中央美术学院、澳大利亚昆士兰美术学院
发表论文27篇,出版《创意摄影》、《超越影像的价值》等19部专著
主持国家“十五”、“十一五”高等教育教材规划项目的编写工作
2007年获教育部“中国摄影教育优秀教学成果奖 ”
2006年承担的《广告摄影》被评为山东省精品课程
2009年《现代摄影教程》被评为山东教育厅优秀教材一等奖
教育部国家数字艺术实验教学示范中心主任
中国摄影家协会高教委员会 副秘书长
山东省摄影家协会 副主席
山东省高校摄影学会 副主席
目录信息
第一章 商业摄影概述
第一节 商业摄影的起源与发展
第二节 商业摄影的功能及特征
第三节 商业摄影的领域
第四节 商业摄影在整体广告活动中的作用
第二章 商业摄影的媒介与信息传达
第一节 产品的内涵与发展
第二节 摄影的内涵与发展
第三节 商业摄影与媒介
第四节 商业摄影的评价标准
第五节 商业广告摄影师
第六节 商业摄影的信息传递
第三章 商业摄影中的意境表达
第一节 意境是摄影人思想的表现
第二节 意境在商业摄影中的渗透
第三节 意境在商业摄影中的几种方式
第四节 意境在商业摄影中的作用
第四章 商业摄影创意与创造性思维
第一节 广告摄影的创意特性与创意诱导
第二节 商业摄影创意的必要性
第三节 商业摄影创意的表述特征
第四节 商业摄影的创意表现手法
第五节 商业摄影中摄影技法的表达
第五章 商业摄影器材的选择与应用
第一节 各种器材在商业摄影中的应用
第二节 商业摄影影棚建设
第三节 商业摄影大型专业座机
第四节 数字技术在商业摄影领域的应用
第六章 商业品牌建设中的广告创意
第一节 从视觉语言到创意高度
第二节 打破艺术与商业的界限
第三节 商业摄影创意打造企业品牌
第四节 商业摄影创意在品牌建设中的渗透
第五节 商业摄影创意的社会价值体现
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读后感
用户评价
说实话,这本书的排版和设计简直是艺术品级别的。拿到手里就能感受到那种沉甸甸的质感,纸张的选用和色彩的还原度都非常考究。我特别欣赏作者在案例展示上所下的苦功,那些精选的作品图片,每一张都配有详尽的拍摄思路解析,但又不像很多教科书那样枯燥地罗列参数。它更像是一次私密的创作分享会,作者会坦诚地剖析自己当时的心境、环境的挑战以及最终的取舍。我记得有一组关于建筑摄影的跨页展示,那种对几何线条的精准拿捏和对空间感的营造,让人不禁感叹作者对“形式美”的极致追求。更妙的是,书中穿插了一些关于“视觉叙事流”的论述,它教会我如何设计一组照片的观看顺序,让观众的情绪随着画面的推进而逐步积累和释放,这对于我未来进行系列创作至关重要。这本书的视觉冲击力和知识密度达到了一个完美的平衡点,光是翻阅这些精美的图片,就足够让人获得巨大的灵感滋养了。
这本书的篇幅虽然不薄,但阅读起来完全没有负担,那种行文的流畅度和逻辑的严谨性,绝对是教科书级别的示范。作者在处理专业术语时,总是能找到一个非常接地气的比喻来解释复杂的物理原理,比如他解释景深时,用“焦点前的虚化之海”来描述,生动形象得让人过目不忘。最让我印象深刻的是,他非常坦率地讨论了摄影师在面对商业压力和个人艺术追求之间的拉扯与平衡。他没有提供一个简单的“标准答案”,而是提供了一整套自我评估的工具箱,让你学会如何在新旧委托之间,找到那个最能体现自我价值的交汇点。这种对行业生态的深刻洞察,是很多纯粹的技术书籍所缺乏的。它不仅提升了我的摄影技能,更像是为我的职业生涯提供了一份高级的“风险管理”指南,让我对未来的发展方向更加清晰和坚定。
这本书的“创意”部分简直是为我这种总是在寻找突破口的摄影师量身定做的“灵感药方”。我原以为它会沉溺于后期软件的各种“炫技”操作,但出乎意料的是,作者花了大篇幅去探讨“如何构建一个概念”。他提出了一套非常实用的“概念发散树”模型,帮助我们将一个模糊的想法,一步步拆解、具象化,并最终落实到镜头语言上。我过去常常陷入“拍了什么都有点意思,但不知道要表达什么”的困境,这本书直接解决了我的核心症结。书中详细分析了从“超现实主义”到“极简主义”等多种风格流派的精髓,并且提供了大量的启发性练习,比如“用单一色彩讲述一个复杂的故事”或者“在静物中植入动态的张力”。这些练习不仅考验技术,更重要的是训练了我们大脑中“跳出常规”的神经元。读完这些章节,我感觉自己的创作视野一下子被拓宽了,不再局限于眼前可见的物体,而是开始主动去寻找和创造那些“未曾被看见”的可能性。
我必须承认,我是一个对器材不那么执着的人,但这本书在器材与技法的讨论上,达到了一个极高的境界——它让你明白,器材只是延伸你的“意图”的工具,而不是决定作品优劣的枷锁。作者花了大量篇幅去分析不同镜头焦段对叙事情绪的微妙影响,比如广角镜头如何放大环境的压迫感,长焦镜头如何提炼和压缩主体。这些分析都是建立在实际案例之上的,而不是空泛的规格比较。我学到最重要的一点是,作者强调“限制即创造力”,他通过一系列只使用定焦镜头的挑战项目,教会我如何通过移动脚步和调整构图来弥补焦段的不足,从而强化作品的统一性和作者的主观意志。这种将技术细节融入到创作哲学中的写法,让我对未来如何精简我的装备包,并最大化现有工具的潜力,有了全新的认识。这本书真正做到了,将冷冰冰的硬件知识,转化为了富有生命力的艺术表达语言。
哇,这本书真是让我眼前一亮!我原本以为这只是一本平淡无奇的技术手册,但没想到它深入探讨了如何将艺术家的灵魂融入到每一次快门之中。作者不仅仅是教你如何操作复杂的器材,更重要的是,他引导你去思考光影背后的情感连接。比如,关于肖像摄影的那几个章节,我学习到了一种全新的布光哲学,它不再是简单的“硬光”或“柔光”分类,而是如何通过光线的角度和强度,去揭示人物内心深处最真实的那一面。特别是关于“情绪化布光”的讨论,真是让人醍醐灌顶。我记得书中有一个案例,是关于拍摄一位年迈的手工艺人,作者如何利用侧逆光勾勒出他手上因常年劳作而留下的纹理,那光影的处理,简直就像是给这位老者的生命故事写了一部无声的史诗。这种深度和人文关怀,远超出了我预期的技术指南范畴,它更像是一本关于如何“看世界”的哲学读本。读完后,我拿着相机去街头,感觉对光线的敏感度都提高了好几个层级,不再是机械地记录,而是开始有意识地“雕刻”画面。