西方音乐的观念

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出版者:中国人民大学出版社
作者:姚亚平
出品人:
页数:249
译者:
出版时间:1999-11
价格:12.0
装帧:平装
isbn号码:9787300030265
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐
  • 西方音乐史
  • 姚亚平
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具体描述

音乐可以陶冶人的情操,可以净化人的心灵,《西方音乐的观念——西方音乐历史发展中的二元冲突研究》这本书将带你走进西方音乐的大门,让你充分感受音乐这一美好艺术的魅力,并且在感受音乐的流动中提高自身的艺术情调和整体素养。

《西方音乐的观念》:一场跨越时空的音乐思想之旅 这是一部深入探讨西方音乐发展脉络中核心观念的著作,它并非一部简单的音乐史编年,而是试图透过历史的表象,揭示驱动西方音乐演变的深层思想、哲学和审美理念。本书将引导读者一同踏上一段引人入胜的旅程,从古希腊音乐的哲学思辨,一路穿越中世纪的宗教神学,抵达文艺复兴的理性人文,再到巴洛克时期的情感张力,古典主义的结构之美,浪漫主义的个人抒情,直至20世纪的多元探索。 书中,我们将首先回溯西方音乐的源头,探寻古希腊人如何将音乐视为宇宙秩序的体现,音乐理论与数学、哲学紧密相连。毕达哥拉斯学派对音程和谐的数学化解释,柏拉图和亚里士多德对音乐伦理和教育作用的深刻论述,都构成了西方音乐观念的基石。这些早期的哲学思考,塑造了人们对音乐目的、功能以及其在社会生活中地位的初步认知。 随着基督教在欧洲的兴起,音乐的观念也随之发生转变。中世纪的格里高利圣咏,承载着虔诚的信仰和对神圣的敬畏,其音乐风格的纯净与庄严,反映了当时人们对超越世俗的精神世界的向往。本书将深入分析教会音乐的理论发展,如奥尔加农(Organum)的出现,以及复调音乐的初步探索,这些都标志着音乐在形式和技法上的创新,同时也服务于教会的宗教教育和仪式需求。 文艺复兴时期,人本主义思潮的涌现,为音乐带来了新的生命力。音乐不再仅仅是服务于宗教的工具,更被视为一种能够表达人类情感、展现个体创造力的艺术形式。本书将重点探讨这一时期音乐理论的变革,如调式的发展、和声的运用,以及人声与器乐地位的提升。蒙特威尔第等作曲家的作品,以其丰富的情感表达和戏剧性冲突,预示着巴洛克时期音乐的新方向。 巴洛克时期,音乐的观念进一步深化,强调情感的表达、对位法的精妙以及宏伟壮丽的音乐风格。本书将剖析巴洛克时期重要的音乐形式,如赋格(Fugue)、奏鸣曲(Sonata)和歌剧(Opera)的早期发展。维瓦尔第的协奏曲,巴赫的复调杰作,亨德尔的清唱剧,无不展现了作曲家对音乐结构、音色和情感张力的极致追求。这一时期的音乐,充满了活力、戏剧性和对感官的强烈刺激。 进入古典主义时期,音乐的观念转向追求平衡、清晰、结构严谨和普遍的美。海顿、莫扎特和贝多芬等大师的作品,以其清晰的旋律、逻辑性的发展和完美的比例,树立了古典音乐的典范。本书将分析奏鸣曲式(Sonata Form)的成熟,交响乐(Symphony)的完善,以及室内乐(Chamber Music)的发展,探讨作曲家们如何运用音乐语言来传达情感、描绘场景,并最终追求一种和谐、理性的美学境界。 浪漫主义时期,音乐的观念发生了深刻的变革,强调个人情感的自由表达、想象力的奔放以及对自然、民族和超验世界的探索。肖邦的钢琴作品,舒伯特的艺术歌曲,瓦格纳的歌剧,李斯特的交响诗,都以其强烈的个人色彩、丰富的和声以及宏大的规模,展现了浪漫主义音乐的独特魅力。本书将深入研究这一时期音乐形式的拓展,如交响诗的兴起,以及音乐与文学、绘画等其他艺术形式的融合,揭示音乐如何成为表达个体内心世界的强大媒介。 20世纪至今,西方音乐的观念呈现出前所未有的多元化和复杂性。从印象主义的色彩描绘,表现主义的心理挖掘,新古典主义的回归传统,到十二音技法、序列音乐、电子音乐、简约主义等各种风格的涌现,音乐的边界被不断拓展,对“音乐”本身的定义也在持续被挑战和重新审视。本书将梳理这些重要的音乐运动和流派,探讨作曲家们如何运用新的音响材料、节奏模式、音乐结构以及创作理念,来回应时代的变化和人类生存状态的思考。 《西方音乐的观念》不仅仅是一部关于音乐史的书,它更是一次关于人类思想史、哲学史和文化史的深度探索。它将帮助读者理解,音乐并非孤立存在,而是与人类的信仰、理性、情感、社会以及时代精神紧密相连。通过阅读本书,您将能够更深刻地理解西方音乐的演进逻辑,欣赏不同时期音乐作品的独特价值,并最终培养出对音乐更丰富、更具洞察力的理解。这部著作,是一扇通往西方音乐精神世界的窗户,等待着您去开启。

作者简介

目录信息

目录
引论
第一章 对立的观念
第一节 两种乐音观念
一、风格意义上的复调
二、技术意义上的复调
三、观念意义上的复调
四、历史的概括
第二节 两种结构观念
一、结构与非结构描述
二、三种结构形态
第三节 抽象性音乐与表情性音乐
一、抽象性音乐的两种极端形式
二、表情性音乐的实质
三、调性音乐的形式特征
第一章小结
第二章 早期音乐的冲突
第一节 古代音乐的观念
第二节 “唱”与“念”的冲突
第三节 线性结构的演变
第四节 复调与和声的冲突
第二章 小结
第三章 双极结构的演进、特征和实质
第一节 从巴罗克音乐到古典主义音乐
一、双极结构的确立标志
二、巴罗克音乐四大要素分析
三、双极结构的特征
第二节 冲突中的融合
一、风格的融合
二、双极结构的调和实质
第三章 小结
第四章 双极结构与时代精神
第一节 “第三等级”与“第三风格”
第二节 启蒙思想与双极结构
第三节 感性理性的弥合
第四节 双极结构与“崇高”美感
一、崇高分析
二、音乐中的崇高
三、实现崇高(卜B的演化)
第四章 小结
第五章 两种理性的冲突
第一节 浪漫主义音乐的理性特征
第二节 浪漫主义音乐的反理性特征
第三节 浪漫主义音乐与巴罗克音乐比较
第四节 形式与内容的冲突
第五章 小结
第六章 不协和音的解放
第一节 “解放”的实质
第二节 解放之路――T―D―T的解体
一、否定变音
二、“解决”的延阻
三、纵向复杂化
四、新的音阶
第三节 解放之路――拆除“旋律――伴奏”
第四节 解放之路――A―B―A的分裂
一、“B”的削弱
二、“B”的解放
第六章 小结
第七章 抽象音乐的观念
第一节 消除关联
第二节 消除时间
第三节 寻求“本质”
第四节 抽象音乐的理性
第七章 小结
第八章 (终章)音乐的历史与人的历史
第一节 “行为”与“信念”的分裂
第二节 西方音乐的“局限”
第三节 西方音乐的独特性
第四节 西方音乐的“终结”
第八章 小结
主要参考书目
补言
后记
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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在阅读《西方音乐的观念》的过程中,我常常会产生一种“豁然开朗”的感觉。书中并没有枯燥地堆砌大量的音乐史事实,而是以一种抽丝剥茧的方式,将不同时期音乐观念的形成、发展和相互影响娓娓道来。我曾经对古典时期的交响乐感到有些陌生,总觉得它们在结构上过于严谨,情感表达似乎不如浪漫主义作品那么直接。然而,通过本书对奏鸣曲式、变奏曲式等音乐结构的深入剖析,我开始理解这种“严谨”背后所蕴含的哲学思考,即在形式的约束中寻找内在的和谐与逻辑。而当我对浪漫主义音乐的奔放情感感到沉醉时,书中关于“艺术歌曲”和“交响诗”等体裁的出现,以及它们如何与诗歌、文学、绘画等艺术形式相互渗透,又让我看到了音乐在拓展其表现力上的努力。尤其让我惊喜的是,书中对于20世纪音乐的探讨,虽然篇幅不长,但对于十二音技法、序列音乐等抽象概念的解释,虽然仍具挑战性,却为我打开了一扇理解现代音乐的大门,让我意识到音乐的边界远比我想象的要广阔。

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《西方音乐的观念》这本书,如同一本音乐学的“思想地图”,为我指引了探索西方音乐发展脉络的路径。书中对“音色”的观念演变,也让我大开眼界。从早期对人声的纯净追求,到乐器发展的不断丰富,再到现代音乐对电子音色、噪音等元素的运用,每一种音色都承载着不同的情感和意境。我尤其对书中关于“配器”的讨论感到兴趣,作曲家如何通过不同乐器的组合,来创造出丰富多彩的音响效果,这本身就是一种艺术。当我阅读到书中关于“歌剧”的章节时,我才真正理解了音乐是如何与戏剧、声乐、器乐、舞台表演等多种元素相结合,共同创造出一种全新的艺术形式。那些在舞台上,音乐如何推动剧情发展,如何刻画人物内心,如何渲染气氛,都让我感受到音乐作为一种强大的叙事工具的魅力。这本书让我对西方音乐的理解,从“听”的层面,上升到了“思”的层面。

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《西方音乐的观念》这本书,如同一位睿智的导师,引领我一步步深入西方音乐那迷人而复杂的殿堂。我印象最深刻的是书中对不同时代音乐“功能”的探讨。从最初的仪式性、宗教性,到后来服务于贵族社交、表达个人情感,再到现代音乐作为一种艺术形式,甚至是商品,其社会功能和意义的变化,折射出西方社会结构的变迁和价值观的演进。我尤其喜欢书中对于巴洛克时期“狂飙突进”风格的解析,那种情感的张扬、戏剧性的冲突,以及对炫技的追求,都让我看到了那个时代特有的生命力和创造力。而进入古典时期,奏鸣曲式所代表的清晰结构、理性平衡,以及德语“Aufklärung”(启蒙)精神的影响,都让我对海顿、莫扎特、贝多芬的音乐有了更深的理解。书中不仅仅是描述音乐风格的演变,更重要的是挖掘了隐藏在这些风格背后的思想根基,例如浪漫主义时期对个人情感的极端重视,对自然的热爱,以及对民族身份的认同,这些观念如何通过音乐得以淋漓尽致地表达,书中的分析鞭辟入里,发人深省。

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《西方音乐的观念》这本书,为我打开了一扇全新的视角来审视我熟悉的那些西方古典音乐。我一直对那些宏大的交响乐作品感到敬畏,但总觉得与之之间隔着一层看不见的屏障。本书对“形式”与“内容”关系的探讨,让我明白,那些看似复杂的音乐形式,例如奏鸣曲式、回旋曲式,并非是为了炫技而存在,而是为了更好地承载作曲家想要表达的情感和思想。例如,在奏鸣曲式的发展过程中,主题的呈示、发展、再现,如同一次完整的叙事,其中包含了冲突、解决、以及最终的和解,这与人类的情感体验有着天然的契合。书中对于“调性”观念的演变,也让我对音乐的色彩有了更深的理解。从大调的明亮,到小调的忧郁,再到后浪漫时期对色彩和声的大胆运用,调性的变化不仅仅是音程上的改变,更是情感的转换和意境的营造。这本书让我意识到,每一次聆听音乐,都是在与作曲家的思想进行一场跨越时空的对话。

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初拿到《西方音乐的观念》这本书,我满怀期待。作为一个对音乐抱有浓厚兴趣,却又常常感到在浩瀚的西方音乐史和理论面前力不从心的人,我渴望找到一条清晰的脉络,能够帮助我理解那些看似复杂难懂的音乐作品及其背后的思想。翻阅本书的目录,从古希腊的毕达哥拉斯音律,到中世纪的格里高利圣咏,再到巴洛克时期的复调技法,以及古典时期的奏鸣曲式,直至浪漫主义的民族主义色彩和20世纪的十二音技法,每一个章节都仿佛打开了一扇通往新世界的大门。我尤其对书中如何阐述“观念”二字感到好奇。音乐不仅仅是音符的组合,它更是思想、情感、社会文化以及时代精神的载体。我想了解,在不同的历史时期,人们是如何构思、创作、聆听和评价音乐的?这些“观念”又是如何随着历史的演进而不断演变,最终塑造了我们今天所理解的西方音乐体系的?我希望这本书能够深入浅出地讲解这些复杂的概念,用生动的语言和翔实的例子,将那些抽象的理论转化为我能够感同身受的音乐体验。我期待它能引领我穿越时空的洪流,去感受不同时代音乐家们的创作激情与智慧,去理解音乐背后所承载的哲学思考与人文关怀,从而真正地“读懂”西方音乐。

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我必须说,《西方音乐的观念》这本书,完全颠覆了我之前对西方音乐的许多刻板印象。我一直以为那些古典音乐作品是遥不可及的,是只有专业人士才能理解的。然而,通过这本书,我看到了音乐创作背后那些充满人性的思考和情感。书中对“复调”的讲解,不再是枯燥的技术术语,而是将其视为一种对“对话”和“和谐”的追求。赋格曲中各个声部之间的相互呼应、追逐,就像是不同思想之间的碰撞和交融,最终形成一种复杂的统一体。而我曾经对十二音技法感到困惑,觉得它失去了传统音乐的旋律感和情感色彩,但本书的解释让我意识到,这是作曲家在探索音乐新的可能性,是在挑战我们对“音乐”的固有认知。它让我明白,艺术的边界是不断被拓展的,而“观念”的转变,往往是这种拓展的根本驱动力。这本书让我更加热爱音乐,也更加渴望去探索音乐中那些尚未被我发现的“观念”。

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阅读《西方音乐的观念》的过程,对我而言更像是一次深入灵魂的对话。这本书不仅仅是在罗列音乐史上的重要人物和作品,更是在探讨那些构建起西方音乐大厦的基石——那些深植于文化、哲学、甚至宗教的“观念”。我被书中对古希腊音乐理论的解读所吸引,毕达哥拉斯关于数学与和谐的论述,以及柏拉图对音乐在塑造灵魂中所扮演角色的看法,都让我重新审视了音乐的本质。这些古老的思想,如同种子一般,在后来的西方音乐发展中不断生根发芽,影响深远。当我进入中世纪的篇章,面对那些虔诚而庄严的格里高利圣咏时,我感受到了信仰的力量是如何塑造音乐的表达方式。而进入文艺复兴时期,人文主义的兴起又如何让音乐开始关注个体情感和世俗生活,这其中的转变是如此微妙而深刻。我对书中关于复调音乐发展的论述尤为着迷,那些精巧的对位技法,不仅仅是技术上的挑战,更是当时人们对秩序、逻辑和内在和谐的追求的体现。总而言之,这本书为我提供了一个宏观的视角,让我得以窥见西方音乐思想演变的宏伟画卷,理解了那些看似冰冷的理论背后,涌动着的是人类对于美、对于真理、对于情感的永恒追寻。

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在我看来,《西方音乐的观念》这本书最重要的价值在于,它不仅仅是在讲解音乐史,更是在揭示“观念”本身的力量。音乐作为一种抽象的艺术,其最终的呈现,离不开各种观念的支撑。书中对“旋律”的观念演变,从早期单音音乐的直线式发展,到复调音乐中多声部的交织,再到浪漫主义时期对抒情旋律的追求,以及现代音乐对无调性旋律的探索,都体现了人类对声音线条的不断思考和创新。我尤其喜欢书中对“节奏”的解读,不仅仅是简单的快慢强弱,更重要的是节奏如何在音乐中营造出动感、活力,以及情感的起伏。例如,巴洛克时期的“持续低音”和“动力性节奏”,以及浪漫主义时期对自由节奏的运用,都赋予了音乐不同的生命力。这本书让我明白了,理解西方音乐,不仅需要了解其音高、音色、节奏、力度等基本要素,更需要理解这些要素是如何在特定的“观念”指导下,构建出具有时代特色的音乐风格。

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《西方音乐的观念》这本书,对我而言,更像是一次深度的心灵洗礼。我一直以为音乐是纯粹感性的产物,但本书却让我看到,在西方音乐的发展历程中,理性、哲学、甚至科学都扮演了至关重要的角色。书中对“和声”观念演变的梳理,从简单的单音到复杂的复调,再到现代音乐中对音响色彩的探索,让我看到了人类对声音关系的不断挖掘和理解。我尤其对书中关于“表现力”的讨论感到着迷,从早期音乐追求的宗教神圣感,到巴洛克时期对情感的夸张描绘,再到古典时期对克制与平衡的追求,最后到浪漫主义时期对个体内心世界的深刻挖掘,每一个阶段对“表现力”的理解都不同,但都代表了当时人们对音乐如何触动灵魂的思考。书中对“音乐与诗歌”关系的探讨,也让我对许多声乐作品有了更深层的领悟。那些歌词的意义,与旋律、和声、节奏如何融为一体,共同营造出一种超越语言的艺术境界,这的确是音乐的独特魅力所在。

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细读《西方音乐的观念》,我最大的感受是,音乐从来不是孤立存在的,它总是与我们所处的时代、我们所处的社会、我们所处的文化紧密相连。书中对各个音乐时期“美学”观念的梳理,让我看到了不同时代对“好听”、“好听”的音乐的定义是多么的不同。例如,在中世纪,音乐的美更多地体现在其秩序性、宗教性;而在文艺复兴时期,人们开始追求音乐的清晰性、人声的自然美;到了浪漫主义时期,音乐的美则更多地体现在其情感的深度、个性的张扬。书中对于“曲式”的分析,不仅仅是讲解音乐的结构,更是在揭示结构背后的思维方式。奏鸣曲式所展现的辩证发展、主题的对比与统一,以及赋格曲的逻辑性和精密度,都反映了西方思想中对理性、结构和秩序的推崇。我尤其欣赏书中在论述不同音乐时期时,能够将音乐理论与社会文化背景相结合,让读者能够更全面地理解音乐是如何在特定的历史土壤中孕育和发展的。

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分析逻辑特别强,对本质的发觉很透彻,感觉这是一本哲学书。。。本来只是想写选修课论文,结果给自己挖了个深坑。。。

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